100 bài hát rock thay thế hàng đầu năm 2010 năm 2022

Tôi là một người yêu âm nhạc suốt đời. Nghiêm túc mà nói, sự tận hưởng âm nhạc của tôi là một trong những ký ức đầu tiên của tôi khi là một đứa trẻ ba hoặc bốn tuổi, khi tôi nhảy trên đôi chân nhỏ bé cứng đầu của mình đến Rock. Đối với tôi, những năm 1964-72 và 1982-88 là giai đoạn tốt nhất cho âm nhạc. Nhưng bây giờ khi tôi ở tuổi trung niên, tôi phải thừa nhận rằng 2010 2010, đặc biệt là những năm 2013-2018, đã ở gần đỉnh cao về âm nhạc xuất sắc. Trên thực tế, có rất nhiều âm nhạc tuyệt vời trong năm 2010, thật tuyệt vời khi phải loại bỏ danh sách các bài hát hay nhất của tôi chỉ với 100 bài hát. Có gần 200 bài hát mà tôi muốn bao gồm, nhưng đây là danh sách top 100, tôi đã phải cắt nó ở mức 100.

Tôi sẽ không mang độc giả của mình với một bản tóm tắt của thập kỷ, nhưng sẽ chỉ đưa ra một vài quan sát về âm nhạc có ý nghĩa đối với tôi. Như tôi đã chỉ ra rất nhiều lần trên các bài đăng khác, thể loại âm nhạc yêu thích của tôi là Rock thay thế, tiếp theo là pop-rock, R & B và punk, vì vậy hầu hết các bài hát hay nhất của tôi trong năm 2010 phản ánh các thể loại đó. Ngoài ra, với độ tuổi tiên tiến của tôi, tôi đã một phần của âm nhạc du dương với những sắp xếp tươi tốt hoặc phức tạp, vì vậy tôi sẽ sử dụng các từ ngữ tuyệt đẹp hay hay rất đẹp. Cuối cùng, hầu hết các bài hát trong danh sách này là từ các nghệ sĩ chính thống, điều này có thể sẽ khiến một số độc giả của tôi rất quan trọng hoặc thậm chí loại bỏ các lựa chọn của tôi. Đủ công bằng, nhưng vào cuối ngày, đây là những bài hát yêu thích của tôi trong 10 năm qua.

Một trong những hành vi quan trọng nhất xuất hiện trong thập kỷ đối với cá nhân tôi là hai mươi Øne Piløts. Họ đã trở thành một trong những ban nhạc yêu thích mọi thời đại của tôi và có sáu bài hát trong danh sách này, hơn bất kỳ nghệ sĩ hoặc ban nhạc nào khác. Một trong những mục yêu thích khác của tôi là nuôi dưỡng mọi người (những người vẫn được hình dung trên ảnh tiêu đề Twitter của tôi), cũng như Cage the Voi, Actric Monkeys, Missio, Foals và The Dân tư. Một số nghệ sĩ mới vô cùng tài năng và có ảnh hưởng khác được đại diện trong danh sách này bao gồm Kendrick Lamar, Lorde, The Weeknd, Reverse Suspect, Tame Impala, Lana Del Rey, Hozier, hai feet và Billie Eilish, trong số những người khác. Thật không may, cũng có một số lượng đáng kể những thứ thực sự tồi tệ-hầu hết các quốc gia, rap Mumble, và bất cứ điều gì từ Iggy Azalea hay Cardi B. Ugh kinh hoàng!

Một số nghệ sĩ đã xuất hiện trên 100 bài hát hay nhất của tôi trong những năm 2000, bao gồm Coldplay, Green Day, Cage the Voi, Muse, The Killers, Onerepublic, John Mayer, P! NK, Lady Gaga, Adele, Red Hot Chili Peppers, Maroon 5 , Hoảng loạn! Tại sàn nhảy và tàu hỏa, cũng được đại diện trong danh sách này. Một số nghệ sĩ mà tôi yêu thích những bài hát không may không thực hiện được bao gồm Florence + The Machine, Awolnation, Death Cab for Cutie, of Monsters and Men, Arcade Fire, Alt-J, Royal Blood, Post Malone và Sia, To một vài tên. Vì vậy, không có gì khó khăn, đây là những lựa chọn của tôi cho 100 bài hát hay nhất trong những năm 2010, đếm ngược từ #100 đến 1. Tôi đã nhúng hoặc cung cấp các liên kết đến các video YouTube cho từng video, cũng như danh sách phát Spotify tại Kết thúc bài viết.Top 100 Best Songs of the 2000s, including Coldplay, Green Day, Cage the Elephant, Muse, The Killers, OneRepublic, John Mayer, P!nk, Lady Gaga, Adele, Red Hot Chili Peppers, Maroon 5, Panic! At the Disco and Train, are also represented on this list. Some of the artists I love whose songs unfortunately didn’t quite make the cut include Florence + the Machine, AWOLNATION, Death Cab For Cutie, Of Monsters and Men, Arcade Fire, alt-J, Royal Blood, Post Malone and Sia, to name a few. So without further ado, here are my picks for the Top 100 Best Songs of the 2010s, counting down from #100 to 1. I’ve embedded or provided links to the YouTube videos for each one, as well as a Spotify playlist at the end of the post.

100. Dang! - Mac Miller có Anderson .Paakthe Death of Mac Miller (sinh ra Malcolm James McCormick) là một trong những tổn thất đáng tiếc và đáng buồn hơn mà ngành công nghiệp âm nhạc phải chịu trong thập kỷ qua. & NBSP; Sinh ra và lớn lên ở Pittsburgh, Pennsylvania, Miller là một thiên tài âm nhạc của các loại, học chơi piano, guitar, trống và bass khi sáu tuổi. Khi anh bước vào tuổi thiếu niên, anh quyết định muốn trở thành rapper, và bắt đầu thu âm và phát hành mixtapes lúc 15 tuổi, trở nên nổi bật trong bối cảnh hip hop của thành phố. Vào thời điểm ông lên 21, ông được Thị trưởng Pittsburgh trao tặng chìa khóa cho thành phố, và có một ngày được đặt tên để vinh danh ông. Anh ấy là một tài năng tuyệt vời, người đã tạo ra một danh mục âm nhạc ấn tượng vào thời điểm anh ấy qua đời ở tuổi 26, và chúng tôi chỉ có thể tưởng tượng những gì âm nhạc tuyệt vời hơn anh ấy sẽ cho chúng tôi.
The untimely death of Mac Miller (born Malcolm James McCormick) was one of the more unfortunate and sadder losses suffered by the music industry over the past decade.  Born and raised in Pittsburgh, Pennsylvania, Miller was a musical genius of sorts, learning to play the piano, guitar, drums, and bass by the age of six. As he entered his teens he decided he wanted to be rapper, and started recording and releasing mixtapes at 15, becoming prominent in the city’s hip hop scene. By the time he reached 21, he was presented a key to the city by the mayor of Pittsburgh, and had a day named in his honor. He was such an amazing talent who produced an impressive catalog of music by the time of his death at 26, and we can only imagine what more great music he would have given us.

Đĩa đơn đầu tiên trong album phòng thu thứ tư The Divine Feminine, Hồi Dang! là kẹo tai từ đầu đến cuối, không chỉ có Miller mà cả Anderson .paak để làm ngọt hỗn hợp. Trong một rãnh retro-sulrove và synths lung linh,. Tôi cần phải giữ lấy, dang! ” Sau đó, Miller bước vào hiện trường, đưa ra dòng chảy của anh ta với sự vênh vang với sự dễ bị tổn thương vừa đủ để tiết lộ sự sáng suốt của anh ta về tình trạng mong manh của mối quan hệ của anh ta. Ban đầu tự hào với năng lực tình dục của anh ấy: Hồi Yeah the & nbsp; Nếu nó tình yêu thì tại sao nó lại bị đau? Video gợi cảm và đầy màu sắc được sản xuất cho bài hát là tuyệt vời.

99. Tôi đoán nó là vì giai điệu truyền cảm hứng của nó, cách các nhạc cụ xây dựng thành một bản nhạc giống như phúc âm, và giọng hát cao, cao vút của anh ấy làm tôi nhớ đến Bob Dylan. Mondo Cozmo là tên nghệ thuật của ca sĩ kiêm nhạc sĩ có trụ sở tại Philadelphia và hiện có trụ sở tại L. Anh ấy nói thêm về nó rất tuyệt đến nỗi một cái gì đó được viết trong thời gian [thấp] đó có thể được xem là một điều truyền cảm hứng. Tôi đã không nghĩ về các bản phối hoặc ghi âm, tất cả chỉ thực sự lỏng lẻo, và tôi thích giữ nó như vậy. Tôi nghĩ rằng một số sự quyến rũ là sự tồi tệ của bản ghi âm. Tôi nghĩ rằng nó hoàn hảo.
I’m not a religious person (I grew up Catholic but am now Atheist), so it’s kind of surprising that I would love “Shine” by Mondo Cozmo as much as I do. I guess it’s because of its inspirational melody, the way the instrumentals build into a sweeping gospel-like crescendo, and his raw, soaring vocals that remind me of Bob Dylan. Mondo Cozmo is the artistic name of Philadelphia-born and now L.A.-based singer-songwriter Josh Ostrander, who told ABC Radio in an interview that he “wasn’t in the best headspace” when he wrote ‘Shine’. He added “It’s so cool that something written during that [low] time could be looked at now as being an inspirational thing. I didn’t think about the mixes or the recording, it was just all really loose, and I like to keep it like that. I think some of the charm is the shittiness of the recording.” I think it’s perfect.

https://www.youtube.com/watch?v=1pOUbcbTvOU

98. Chuỗi ấn tượng của các bản hit quái vật và kiếm được nhiều giải thưởng và giải thưởng. Tôi yêu nhiều bài hát của cô ấy, đặc biệt là cô gái duy nhất (trên thế giới) ”. Bài hát là từ album phòng thu thứ tám của cô ấy, và có sự rung cảm của Doo Wop/R & B oi bức theo phong cách của nhiều bài hát R & B tuyệt vời của những năm cuối thập niên 50 và đầu thập niên 60 thu hút mạnh mẽ sự nhạy cảm âm nhạc trưởng thành của tôi. Nó là một bài hát đuốc tuyệt đẹp thể hiện sự tài năng đáng kể của cô ấy.
Rihanna (born Robyn Rihanna Fenty in Barbados) is an international music superstar, fashion designer, actress and businesswoman who emerged on the music scene in 2005 at the tender age of 17. Since then, she’s racked up an impressive string of monster hits and earned numerous awards and accolades. I love many of her songs, especially “Only Girl (In the World)”, “Stay”, We Found Love” and her duet “Love the Way You Lie” with Eminem, but my favorite of all is “Love on the Brain”. The song is from her eighth studio album Anti, and features a sultry doo wop/R&B vibe in the style of many great R&B songs of the late 50s and early 60s that strongly appeals to my mature music sensibilities. It’s a stunning torch song that beautifully showcases her considerable vocal talent.

https://www.youtube.com/watch?v=0RyInjfgNc4

97. Dấu hiệu của thời đại - Harry Styles

Kể từ khi chia tay một hướng, mỗi thành viên riêng lẻ đã phát hành tài liệu của riêng họ, một số trong đó khá đáng kính trọng. Nhưng đối với tôi, đĩa đơn vĩ đại nhất cho đến nay là & nbsp; dấu hiệu của thời gian của thời gian bởi & nbsp; Harry Styles. Bài quốc ca di chuyển sâu sắc nhắm thẳng vào nhịp tim, và & nbsp; đã thổi bay tôi ngay khi tôi nghe thấy nó lần đầu tiên. Bài hát đưa ra nhiều bằng chứng về tài năng hát của phong cách, và anh ấy đã phát triển như một nghệ sĩ, cả về giọng hát và phong cách. Chỉ cần dừng lại bạn đang khóc, đó là một dấu hiệu của thời đại. Chào mừng bạn đến với chương trình cuối cùng. Hy vọng bạn mặc quần áo đẹp nhất. Anh ấy có thể khuyên chúng tôi không khóc, nhưng cậu bé thật khó để không! Giọng nói của anh ấy nổi lên một câu chuyện giả mạo trước khi bài hát mở ra với việc dàn nhạc. Nhưng có một sự phức tạp theo đó đứa trẻ vẫn ổn, nhưng cô ấy sẽ không làm được. & NBSP; Người mẹ có năm phút để nói với đứa trẻ, đi ra ngoài và chinh phục.

Tôi thực sự nghĩ rằng với sự phổ biến to lớn của One Direction và mỗi thành viên riêng lẻ, bài hát này sẽ dành nhiều tuần ở vị trí số 1, nhưng tôi đã sai. Nó ra mắt trên bảng xếp hạng Hot 100 ở vị trí thứ 4, sau đó nhanh chóng bỏ đi, điều đó gây sốc và làm tôi thất vọng. Tôi đoán nó chỉ không nhấp chuột với rất nhiều thanh thiếu niên trẻ tuổi có thị hiếu thống trị các bảng xếp hạng, và dường như thích nhạc pop và hip hop xấu hơn những bài hát chất lượng với lời bài hát chu đáo.

https://youtu.be/Y8R-zl7SDUU

96. Wander-Vox Eagle có Pierre Fontainevox Eagle là dự án âm nhạc của ca sĩ, nhà sản xuất, nhà sản xuất và người đa nhạc cụ sinh ra ở Úc và hiện tại Andy Crosby. Một trong những bản nhạc từ album Triumavium 2018 nổi bật của anh ấy, là Wander Wander, là một bản mashup đầy mê hoặc của Dream Dream Rock và Hip Hop, và khi những bàn phím và dây thần kinh huyền diệu đó rửa sạch chúng tôi như một cơn mưa kim cương nhỏ, tôi bị che phủ bằng những con nổi tiếng . Cuối cùng, một chuyến đi hop đã xuất hiện khi Andy tự do về cách giao tiếp đã tan vỡ trong mối quan hệ của anh ấy, giọng hát của anh ấy đi từ oi bức đến falsetto khi anh ấy hát: Hồi Chúng tôi không nói chuyện gì nữa, bé gái, chúng tôi chỉ đi lang thang. Ca sĩ khách mời Pierre Fontaine, giọng hát rap mượt mà tiếp quản trên phần ba cuối cùng của ca khúc, thêm một yếu tố kết cấu tuyệt vời khác. Tôi yêu bài hát này rất nhiều tôi có lẽ đã nghe nó năm trăm lần.
Vox Eagle is the music project of Australian-born and now Colorado-based singer-songwriter, producer and multi-instrumentalist Andy Crosby. One of the tracks from his outstanding 2018 album TriumAvium, “Wander” is an enchanting mashup of melodic dream rock and hip hop, and when those magical keyboard and string synths wash over us like a shower of tiny diamonds, I’m covered with goosebumps. Eventually, a trip hop beat ensues as Andy freestyles about how communication has broken down in his relationship, his vocals going from sultry to falsetto as he sings: “We don’t talk no more, baby girl, we just wander.” Guest vocalist Pierre Fontaine’s smooth rap vocals take over on the last third of the track, adding another wonderful textural element. I love this song so much I’ve probably listened to it five hundred times.

https://youtu.be/jire66JrUD4

95. Loại của tôi-Saint Motellike Nhiều bài hát trong danh sách này, tôi yêu thích loại tôi của tôi bởi ban nhạc Saint Motel có trụ sở tại Los Angeles ngay khi nó lần đầu tiên đánh vào màng nhĩ của tôi. Âm thanh sành điệu, tinh vi của họ là một cái gật đầu với sự phấn khích của thời đại ban nhạc lớn, nhưng được đưa ra với một cách tiếp cận nhạc pop độc lập hiện đại, mới mẻ. Đây là một bài hát hấp dẫn một cách hấp dẫn với một cái móc điều khiển sừng hào hứng và là một trong những lời bài hát hay nhất từ ​​trước đến nay: Bạn có thể biết bạn chỉ là kiểu của tôi. Ồ, bạn đã có một mạch đập và bạn đang thở. Ban nhạc Front Man A.J. Jackson đã sản xuất và đạo diễn video sành điệu cho ca khúc, được quay trong một ngôi nhà hiện đại giữa thế kỷ mát mẻ ở L.A.
Like many of the songs on this list, I loved “My Type” by Los Angeles-based band Saint Motel the moment it first hit my eardrums. Their rousing, sophisticated sound is a nod to the brassy exuberance of the Big Band era, but delivered with a fresh, contemporary indie pop approach. “My Type” is a deliriously catchy song with an exuberant horn-driven hook and one of the best tongue-in-cheek lyrics ever: “You’re know you’re just my type. Oh, you’ve got a pulse and you are breathing.” Band front man A.J. Jackson produced and directed the stylish video for the track, which was filmed in a cool Mid-Century Modern house in L.A.

94. Dreams - Beckbeck (sinh ra Bek David Campbell ở Los Angeles) đã tạo ra âm nhạc tuyệt vời kể từ thành công bất ngờ của đĩa đơn đột phá của anh Các album phòng thu, liên tục thử nghiệm vô số thể loại chiết trung bao gồm rock thay thế, dân gian, quốc gia, hip hop, linh hồn, funk và điện tử. Anh ấy vừa phát hành album mới nhất của mình Hyperspace vào ngày 22 tháng 11. Giấc mơ đã được phát hành vào tháng 6 năm 2015, một vài tháng sau khi anh ấy giành chiến thắng tại Grammy cho Giai đoạn Morning. Beck tuyên bố anh ta muốn lập một kỷ lục rằng, sẽ rất tốt khi chơi trực tiếp, và anh ta đã từng! Bài hát rất phấn khởi, với một rãnh guitar tuyệt vời, các synths ảo giác mát mẻ và loại trống mạnh mẽ mà tôi ngưỡng mộ. Bài hát cuối cùng đã được đưa vào album 2017 của anh ấy.
Beck (born Bek David Campbell in Los Angeles) has been making great music ever since the unexpected success of his breakout single “Loser” in 1994. Over his long, innovative and prolific career, he’s recorded and released an astonishing 14 studio albums, continually experimenting with an eclectic myriad of genres including alternative rock, folk, country, hip hop, soul, funk and electronic. He just released his latest album Hyperspace on November 22. “Dreams” was released in June 2015, a few months after his Album of the Year Grammy win for Morning Phase. Beck stated he wanted to make a record that “would be good to play live“, and did he ever! The song is exhilarating, with a fantastic guitar-driven groove, cool psychedelic synths and the kind of strong drum beat that I adore. The song was ultimately included on his 2017 album Colors.

https://www.youtube.com/watch?v=oTM3YPTYNo0

93. Riptide-Vance Joy Hồi Riptide, là một bài hát tình yêu thú vị, lạc quan từ ca sĩ kiêm nhạc sĩ nhạc dân gian người Úc Vance Joy (sinh ra James Gabriel Keogh). Với ukelele của mình là nhạc cụ chính, anh ấy thêm piano, guitar và bộ gõ, và kết hợp chúng với một giai điệu gió và hòa âm ủng hộ đáng yêu để tạo ra một bản nhạc cực kỳ dễ chịu. Giọng hát chân thành, nghiêm túc của anh truyền tải một lỗ hổng đáng yêu khi anh hát lời bài hát về việc bị bao vây với một cô gái. Tôi yêu bạn khi bạn hát bài hát đó, và tôi đã có một khối u trong cổ họng của tôi vì bạn sẽ hát những từ sai. Bài hát đã bán được hơn 7 triệu bản (cả bản sao vật lý và tải xuống kỹ thuật số) trên toàn thế giới và giữ kỷ lục trong nhiều tuần nhất trong top 100 của ARIA (Công nghiệp ghi âm Úc Assn.) Biểu đồ đơn - 120 tuần liên tiếp.
“Riptide” is a delightful, upbeat love song from Australian indie folk-rock singer-songwriter Vance Joy (born James Gabriel Keogh). With his ukelele as the primary instrument, he adds piano, guitar and percussion, and combines them with with a breezy melody and lovely backing harmonies to create an incredibly pleasing track. His heartfelt, earnest vocals convey an endearing vulnerability as he sings the lyrics about being besotted with a girl. “I love you when you’re singing that song, and I’ve got a lump in my throat ’cause you’re gonna sing the words wrong.” The song has sold over 7 million copies (both physical copy and digital download) worldwide, and holds the record for the most weeks in the top 100 of the ARIA (Australian Recording Industry Assn.) Singles Chart – 120 consecutive weeks.

https://www.youtube.com/watch?v=uJ_1HMAGb4k

92. Wow, thật là một cách giải thích tuyệt vời và cảm xúc thô thiển! Một số người tôi biết ghét nó vì những lý do không thể tin được với tôi, nhưng tôi yêu nó. Sau khi xem ban nhạc biểu diễn bài hát trong chương trình trò chuyện đêm khuya Conan, Paul Simon đã gửi cho Draiman một email ca ngợi màn trình diễn của anh ấy, viết bài biểu diễn thực sự mạnh mẽ trên Conan vào một ngày khác. Lần đầu tiên tôi thấy bạn làm điều đó trực tiếp. Tốt đẹp. Cảm ơn." Draiman trả lời, ông Mr. Simon, tôi được tôn vinh ngoài lời nói. Chúng tôi chỉ hy vọng tỏ lòng tôn kính và tôn vinh sự sáng chói của một trong những nhạc sĩ vĩ đại nhất mọi thời đại. Lời khen của bạn có nghĩa là thế giới đối với tôi/chúng tôi và chúng tôi rất biết ơn. (Loudwire) Trình diễn trực tiếp trên Conan là video YouTube được xem nhiều nhất từ ​​chương trình.
It’s hard to believe anyone could do a respectable cover of this iconic Simon & Garfunkel song, but David Draiman and his heavy metal band Disturbed accomplished the feat and then some. Wow, what a magnificent and emotionally raw interpretation it is! Some people I know hated it for reasons unfathomable to me, but I love it. After seeing the band perform the song on the late-night talk show Conan, Paul Simon sent Draiman an email praising his performance, writing “Really powerful performance on Conan the other day. First time I’d seen you do it live. Nice. Thanks.” Draiman responded, “Mr. Simon, I am honored beyond words. We only hoped to pay homage and honor to the brilliance of one of the greatest songwriters of all time. Your compliment means the world to me/us and we are eternally grateful.” (Loudwire) That live performance on Conan is the most watched YouTube video ever from the show.

https://www.youtube.com/watch?v=Bk7RVw3I8eg

91. Super chất-ban nhạc trẻ tuổi khổng lồ, người khổng lồ có một âm thanh có thể nhận ra ngay lập tức không giống ai, nhờ nhạc cụ xuất sắc của họ và người đàn ông phía trước Sameer Gadhia, hấp dẫn và giọng hát đặc biệt. Super Superions là đĩa đơn thứ hai trong album phòng thu thứ tư của họ Mirror Master, và là một trong những bài hát hay nhất của họ. Bắt đầu với một dòng bass sâu sắc và tiếng trống gõ ngón chân nhịp nhàng, ban nhạc lớp synths tâm trạng, phím piano tinh tế và một đoạn riff ukelele đầy mê hoặc để tạo ra một phông nền tuyệt đẹp cho giọng hát quyến rũ của Gadhia, lần lượt được hỗ trợ bởi những bản nhạc đáng yêu. Thuật ngữ ‘Superionnations được sử dụng trong vật lý để mô tả cách mọi thứ hoặc vật phẩm trong tự nhiên chồng chéo hoặc tương tác. Đối với bài hát, Young The Giant sử dụng thuật ngữ này để mô tả sự kéo hoặc kết nối mạnh mẽ mà chúng ta cảm thấy với những người chúng ta yêu thích, và làm thế nào số phận và các sự kiện không thể giải thích có thể mang chúng ta đến với nhau.
California alt-rock band Young the Giant has an instantly recognizable sound unlike no other, thanks to their brilliant instrumentation and front man Sameer Gadhia’s engaging and distinctive vocals. “Superposition” is the second single from their fourth studio album Mirror Master, and one of their most beautiful songs. Starting with a deep bass line and a rhythmic toe-tapping drumbeat, the band layers moody synths, delicate piano keys and an enchanting ukelele riff to create a gorgeous backdrop for Gadhia’s captivating vocals, which are in turn backed by lovely vocal harmonies. The term ‘superposition’ is used in physics to describe how things or items in nature overlap or interact. For the song, Young the Giant uses the term to describe the strong pull or connection we feel to those we love, and how fate and inexplicable events can bring us together.

https://www.youtube.com/watch?v=QxJhrwyn0M4

90. Có thể cảm nhận được khuôn mặt của tôi - The Weekndthe Weeknd (sinh ra Abel Makkonen Tesfaye ở Toronto, Canada của tổ tiên người Ethiopia) là ca sĩ, nhạc sĩ, diễn viên và nhà sản xuất thu âm cực kỳ tài năng. Âm nhạc của anh ấy là một sự pha trộn tuyệt vời của R & B, hip hop và làn sóng đen tối, và giọng hát tuyệt vời, mượt mà của anh ấy dường như kênh Michael Jackson, người mà anh ấy trích dẫn là một trong những ảnh hưởng chính của anh ấy. Tôi có thể cảm nhận được khuôn mặt của mình là từ album thứ hai xuất sắc và được đánh giá cao của anh ấy làm đẹp đằng sau sự điên rồ, và tôi yêu nó ngay lập tức tôi nghe thấy nó. Bài hát nói về việc say sưa với một người mà họ khiến bạn cảm thấy lâng lâng, và mọi thứ khác xung quanh bạn đều vô nghĩa khi có mặt họ. Cả Rolling Stone và Billboard đều đặt tên cho nó là đĩa đơn hay nhất năm 2015, và nó chắc chắn được xếp hạng giữa tôi.
The Weeknd (born Abel Makkonen Tesfaye in Toronto, Canada of Ethiopian ancestry) is in incredibly talented singer, songwriter, actor and record producer. His music is a wonderful mix of R&B, hip hop and dark wave, and his gorgeous, velvety vocals at times seem to channel Michael Jackson, who he cites as one of his main influences. “I Can’t Feel My Face” is from his brilliant and critically acclaimed second album Beauty Behind the Madness, and I loved it the instant I heard it. The song speaks of being so love-drunk with someone they make you feel lightheaded, and everything else around you is meaningless in their presence. Rolling Stone and Billboard both named it the best single of 2015, and it certainly ranks among mine.

https://www.youtube.com/watch?v=KEI4qSrkPAs

89. Cửa hàng tiết kiệm - Macklemore & Ryan Lewis có Wanzthe lần đầu tiên tôi nghe thấy cửa hàng tiết kiệm của tôi. Tôi ghét nó. Nhưng sau một vài người nghe, chết tiệt nếu nó không gặp tôi với nó, đó là nhịp điệu hip hop không thể cưỡng lại và lời bài hát vui nhộn. Bây giờ nó là một niềm vui tội lỗi! Với giọng hát được thêm vào của rapper Wanz, Macklemore (Ben Haggerty) tự do về việc tiết kiệm tiền bằng cách mua shit cũ tuyệt vời tại một cửa hàng tiết kiệm, thay vì lãng phí nó vào các biểu tượng trạng thái đắt tiền như rất nhiều rapper. Đĩa đơn thứ tư trong album đầu tay The Heist, Hồi Thrift Shop, là một hit lớn trên toàn thế giới, đạt #1 không chỉ ở Hoa Kỳ, mà còn cả Vương quốc Anh, Ireland, Canada, Pháp, Đan Mạch, Hà Lan, Úc và New Zealand. và được Billboard đặt tên là bài hát số 1 năm 2013. Video vui nhộn, được xem gần 1,5 tỷ lần, đã được quay tại một số cửa hàng tiết kiệm ở thị trấn quê nhà Macklemore.
The first time I heard “Thrift Shop” I hated it. But after a couple listens, damn if it didn’t hook me in with it’s irresistible hip hop beat and hilarious lyrics. Now it’s a guilty pleasure! With added vocals by rapper Wanz, Macklemore (Ben Haggerty) freestyles about saving money by buying cool second hand shit at a thrift shop, rather than wasting it on expensive status symbols like a lot of rappers. The fourth single from their debut album The Heist, “Thrift Shop” was a massive worldwide hit, reaching #1 not only in the U.S, but also the UK, Ireland, Canada, France, Denmark, Netherlands, Australia and New Zealand. and was named by Billboard as the #1 song of 2013. The hilarious video, which has been viewed nearly 1.5 billion times, was filmed at several thrift shops in Macklemore’s home town of Seattle.

88. Sẵn sàng để đi (đưa tôi ra khỏi tâm trí của tôi) - hoảng loạn! Tại vũ trường có thể là một trong những cơn hoảng loạn! Tại bản hit ít được biết đến, nhưng tôi hoàn toàn thích sẵn sàng để đi (đưa tôi ra khỏi tâm trí của tôi). Từ album thứ ba của họ, các bài hát tuyệt vời của họ, nó là một bài hát nổi tiếng, ăn mừng, với dàn nhạc tươi tốt, gần như hay thay đổi và giọng hát vui nhộn của Brendon Urie. Nó là một ví dụ tuyệt vời về sự sáng tạo của ban nhạc và sáng tạo âm nhạc, và chỉ khiến tôi hạnh phúc khi được sống khi nghe nó! Đoạn video quyến rũ cho thấy ban nhạc tái hiện các bộ phim âm nhạc cũ như Greas, Mary Poppins và Singin, trong mưa, và Urie quá đẹp trai và quyến rũ vì lợi ích của mình! Tôi thích làm thế nào ở cuối bài hát, anh ấy đã nghe nói và nói chuyện với một điếu thuốc.
It may be one of Panic! At the Disco’s lesser-known hits, but I absolutely love “Ready to Go (Get Me Out of My Mind)”. From their third album Vices & Virtues, it’s such a euphoric, celebratory song, with lush, almost whimsical orchestration and Brendon Urie’s delightful exuberant vocals. It’s a great example of the band’s theatricality and musical creativity, and just makes me happy to be alive when I hear it! The charming video shows the band re-enacting old musical films such as Grease, Mary Poppins and Singin’ In The Rain, and Urie is just too damned handsome and charming for his own good! I like how at the end of the song, he’s heard talking and puffing on a cigarette.

https://www.youtube.com/watch?v=0xDf-_8KvGM

87. Kết hợp quá nhiều thể loại khác nhau để đề cập, và một loạt các nhạc cụ và âm thanh synth, chúng kết hợp chúng với những giai điệu phức tạp, phức tạp, lời bài hát sâu sắc và giọng hát tuyệt vời của Tyler Joseph, để tạo ra âm nhạc thực sự độc đáo và ngoạn mục. Clo Clo là đĩa đơn thứ ba trong album khái niệm hoành tráng của họ, và là sáu bài hát đầu tiên của họ trong danh sách này. Bài hát được đồng sáng tác bởi Joseph và thủ lĩnh Mutemath Paul Meany, người đã sản xuất rãnh, và có giọng nói mà chúng tôi nghe thấy trong các dòng mở đầu. Họ đã tuyên bố lời bài hát giải quyết cách sáng tạo có thể làm sạch các xung tối, nhưng cũng gây ra nỗi đau. Giống như nhiều bài hát trên rãnh, bài hát cho thấy sự trưởng thành ngày càng tăng trong hai mươi phong cách âm nhạc và âm nhạc. Tôi yêu những bài hát synth, không gian, bộ gõ sắc nét của Josh Dun, và giọng hát ám ảnh của Joseph. Các đoạn riff piano lấp lánh nhỏ tuyệt vời thêm một sự rung cảm hơi đe dọa đến đường đua. Nó là một bài hát đen tối và tuyệt đẹp.
As far as I’m concerned, twenty øne piløts can do no wrong. Incorporating too many different genres to mention, and a vast array of instruments and synth sounds, they combine them with intricate, complex melodies, deep lyrics and Tyler Joseph’s amazing vocals to create truly unique and spectacular music. “Chlorine” is the third single from their monumental concept album Trench, and the first of their six songs on this list. The song was co-written by Joseph and MUTEMATH frontman Paul Meany, who produced Trench, and whose voice we hear in the opening lines. They’ve stated the lyrics address how creativity can cleanse dark impulses, but also cause pain. Like many of the tracks on Trench, the song shows a growing maturity in twenty øne piløts’ sound and music style. I love the sweeping, spacey synths, Josh Dun’s sharp percussion and Joseph’s haunting layered vocals. The wonderful little twinkling piano riff adds a slightly menacing vibe to the track. It’s a dark and stunning song.

https://www.youtube.com/watch?v=eJnQBXmZ7Ek

86. Các khu vực tải, mà tôi yêu thích hơn nữa. Tác phẩm guitar phức tạp của anh ấy là một hiện tượng, và những đoạn riff của Talkboxy Wah-wah về phía cuối đường đua rất tốt. Anh ấy cũng khá là Wordsmith. Anh ấy hát khi lái xe quanh thị trấn nhỏ bẩn thỉu của mình ở Philadelphia, chạy việc vặt và đỗ xe miễn phí trong các khu vực tải khi anh ấy cố gắng đi trước một bước của cảnh sát đỗ xe, được chơi một cách hài hước bởi nam diễn viên Kevin Corrigan và Matt Korvette của ban nhạc Pissed Quần jean trong video giải trí. Anh thách thức tuyên bố tôi đỗ xe miễn phí! Cuộc sống của một cửa cho sửa chữa nhanh chóng / trước khi bạn nhận được một vé / Đó là cách tôi sống cuộc sống của mình-để lại một chút nghi ngờ, anh ấy là nhạc sĩ tuyệt vời nhất hiện nay.
I became a fan of Kurt Vile when I fell in love with his wonderful song “Pretty Pimpin’,” which ended up at #19 on my Top 100 of 2016. He followed up a year later with the outstanding “Loading Zones”, which I love even more. His intricate guitar work is phenomenal, and the talkboxy wah-wah riffs toward the end of the track are so damn good. He’s also quite the wordsmith. He sings of driving around his “dirty little town” of Philadelphia, running errands and parking for free in loading zones as he tries to stay one step ahead of the parking meter police, humorously played by actor Kevin Corrigan and Matt Korvette of the band Pissed Jeans in the entertaining video. He defiantly declares “I park for free! One-stop shop life for the quick fix / before you get a ticket / That’s the way I live my life” – leaving little doubt he’s the coolest musician around today.

8. Một lần nữa, Cleopatra là một ca khúc chủ đề và đĩa đơn thứ hai trong album thứ hai của họ, Cleopatra, và sở thích cá nhân của tôi trong tất cả các bài hát của họ. Tôi yêu những bài hát kể một câu chuyện hấp dẫn, và Hồi Cleopatra, chắc chắn sẽ lấp đầy hóa đơn. Schultz đã giải thích nguồn cảm hứng của anh ấy cho bài hát trong một bài đăng trên Facebook năm 2017: Từ đó lấy cảm hứng từ một câu chuyện có thật về một tài xế taxi nữ, khi cô ấy còn trẻ, đã được cầu hôn. Nhưng cha cô vừa qua đời, vì vậy cô đã không cho bạn trai trả lời. Vì vậy, anh rời khỏi ngôi làng tan vỡ và từ chối và không bao giờ trở lại nữa. Anh ấy là tình yêu tuyệt vời của cô ấy và cô ấy sẽ rửa dấu chân trên sàn sau khi anh ấy rời đi. Nhịp điệu gõ ngón chân, guitar guitar sche và piano rụng tóc thực sự tuyệt vời.
Denver, Colorado based folk rock band The Lumineers first made a splash in 2012 with their massive breakthrough single “Ho Hey”. “Cleopatra” is the title track and second single from their sophomore album Cleopatra, and my personal favorite of all their songs. I love songs that tell a compelling story, and “Cleopatra” certainly fills the bill. Schultz explained his inspiration for the song in a 2017 Facebook post: “It’s inspired by a true story about a female taxi driver who, when she was younger, was proposed to. But her father had just passed away, so she didn’t give her boyfriend an answer. So he left the village broken-hearted and rejected and never returned again. He was her great love and she wouldn’t wash the footprints off the floor after he had left.” The toe-tapping rhythms, jangly strummed guitars and rousing piano are really wonderful.

https://www.youtube.com/watch?v=aN5s9N_pTUs

84. ROYALS – Lorde
New Zealand singer-songwriter Lorde (born Ella Marija Lani Yelich-O’Connor) stunned the world in 2013 with her mesmerizing single “Royals”. Only 16 years old at the time, she was the youngest artist to have a #1 song on the Billboard chart since Tiffany in 1987. The song had a totally new sound, unlike anything that had been done before. Lorde wanted to write a song expressing her disapproval of the luxurious lifestyle of many contemporary artists, and reportedly penned the lyrics in half an hour. The song title came to her after seeing a photo in the July 1976 edition of National Geographic of Kansas City Royals baseball player George Brett signing baseballs, with his team’s name ‘Royals’ emblazoned across his shirt. “Royals” spent nine weeks at #1, and also topped the charts in Canada, New Zealand and the UK. It sold 10 million units worldwide, making it one of the best-selling singles of all-time, and was awarded the Grammy for 2013 Song of the Year.

https://www.youtube.com/watch?v=nlcIKh6sBtc

83. MADNESS – Muse
“Madness” is another song I hated when I first heard it. The opening lines “Ma ma ma ma ma ma madness” nearly drove me to the point of madness until one day the song suddenly clicked for me, and I fell madly in love with it. Formed in 1994 while they were in high school, Muse is an immensely talented band from Britain who’ve had a phenomenal string of hits since the early 2000s. “Madness” is from their sixth studio album 2nd Law, and spent an astonishing 19 weeks at #1 on the Billboard Alternative chart. Band singer and guitarist Matt Bellamy was inspired to write the song after having a fight with his then girlfriend Kate Hudson, and later said in an interview that the song was an attempt to strip down the sound of the album. To me, the song seems to be somewhat in the Bolero style, starting off slowly with a wobbly, pulsating melody, then gradually building to a dramatic crescendo, highlighted by Bellamy’s phenomenal guitar work and enthralling vocals that soar to the heavens. Fun fact: Bellamy’s father George was the rhythm guitarist of the 1960s pop group The Tornados, who had a #1 hit with “Telstar”.

https://www.youtube.com/watch?v=Ek0SgwWmF9w

82. COUGH SYRUP – Young the Giant
I’ve expressed my love for Young the Giant earlier, and now feature one of their most well-known songs, and my personal favorite, “Cough Syrup”. It was released in 2011 as the second single from their eponymous debut album, but actually predated the band, as it was composed when they were called The Jakes, and first appeared on their 2008 EP Shake My Hand. About the song’s meaning, band front man Sameer Gadhia has stated it was written at a time when the band was unsigned, had no money and “felt somewhat oppressed by the universal expectation of what to do in Orange County…in suburbia in general. I think we really yearned to break out of that and do something a little bit different. [The song] is kind of a cry for help to break free, not necessarily from oppression, but from the common symptoms of suburbia like boredom, normality and homogeneity.” The gorgeous swirling guitars, rather somber cello and spirited drumbeats create a stunning backdrop for Gadhia’s passionate soaring vocals. I saw Young the Giant in concert last summer (in a double bill with Fitz & the Tantrums), and their performance of “Cough Syrup” was wonderful.

https://www.youtube.com/watch?v=UAsTlnjvetI

81. SOME NIGHTS – fun.
New York City-based alternative pop-rock band fun. was formed in 2008 by Nate Ruess, Andrew Dost and Jack Antonoff. Their debut album Aim and Ignite was fairly well-received, though a commercial disappointment. But it was their second album Some Nights that propelled fun. to international fame. The title track “Some Nights” was the second single and follow-up to their massive hit “We Are Young” (which I’ll be discussing later). The song has an exuberant melody, with a strong, almost military-style drumbeat that gives it a jubilant vibe that’s been favorably compared to Simon & Garfunkel’s “Cecilia”. In fact, in an interview with Billboard, Ruess stated that Paul Simon’s Graceland was a major influence for the song. He added that the song is about “just being someone different on any given night.”

https://www.youtube.com/watch?v=qQkBeOisNM0

80. CAN I SIT NEXT TO YOU – Spoon
I’m embarrassed – no, make that mortified – to admit that I was not familiar with Austin, Texas-based band Spoon until 2017, despite the fact they’ve been around since the mid 1990s! When I heard their brilliant ninth album Hot Thoughts, I became an instant fan and began listening to their impressive music catalog while kicking myself for all their great music I missed out on hearing all those years. I love their art rock sound, especially band front man Britt Daniel’s distinctive gritty vocal style that gives their songs so much authenticity. My favorite track from Hot Thoughts is the deliciously sexy “Can I Sit Next to You”. The song has an almost sinister vibe, with a deep, bass-driven beat and heavily-strummed gnarly guitars contrasting with twinkling and swirling synths that impart an otherworldly feel. I love the dramatic spiraling synths in the chorus, as well as Daniel’s hoarse vocals as he seductively snarls his way through each verse. It’s fucking awesome, and the surreal video is a trip.

https://www.youtube.com/watch?v=6_yJYNF_Qas

79. STEREO HEARTS – Gym Class Heroes featuring Adam Levine
“Stereo Hearts” is a great song by American rap/rock band Gym Class Heroes, featuring additional vocals by Maroon 5 front man Adam Levine. The song is so damned upbeat, with a catchy hip hop beat that makes me feel glad to be alive! The delightful lyrics are filled with music-based metaphors that make the song very relatable to a music freak like me. The track opens with Levine singing the chorus hook: “My heart’s a stereo. It beats for you, so listen close. Hear my thoughts in every note. Make me your radio. Turn me up when you feel low. This melody was meant for you. So sing along to my stereo.” Gym Class Heroes front man Travie McCoy raps “If I was an old-school, fifty pound boom box. Would you hold me on your shoulder, wherever you walk. Would you turn my volume up in front of the cops, and crank it higher every time they told you to stop. And all I ask is that you don’t get mad at me when you have to purchase mad D batteries. Appreciate every mix tape your friends make. You never know we come and go like we’re on the interstate.” Songwriting doesn’t get any better than this.

78. TROUBLE – Cage the Elephant
Cage the Elephant are one of my all-time favorite bands, and “Trouble” is the first of three of their songs on this list. The song is from their fourth album Tell Me I’m Pretty, which was released at the end of 2015. Produced by Dan Auerbach of The Black Keys, the album really shows his strong influence. “Trouble” was the second single from the album (after the uneven “Mess Around”) and it’s brilliant. The song has an almost magical vibe, thanks to the beautiful piano, xylophone and intricately strummed guitars, accompanied by Matt Shultz’s swooning vocals. The song’s entertaining video was shot at Joshua Tree National Park, which is near my home and one of the most popular places to make music videos.

https://www.youtube.com/watch?v=lA-gGl6qihQ

77. LOCKED OUT OF HEAVEN – Bruno Mars
Bruno Mars (born Peter Gene Hernandez in Honolulu, Hawaii, but his father nicknamed him “Bruno” at the age of two, because of his resemblance to professional wrestler Bruno Sammartino) is a hyper-talented singer, songwriter, producer, dancer and multi-instrumentalist dynamo with a style and showmanship reminiscent of Michael Jackson, James Brown and Little Richard all rolled into one. He came from a musical family which exposed him to a diverse mix of music genres. His mother was both a singer and a dancer, his father performed Little Richard rock and roll, and his uncle was an Elvis impersonator, and encouraged three-year-old Mars to perform on stage. By the time he was four, Mars began performing five days a week with his family’s band, The Love Notes, and became known in Hawaii for his impersonation of Elvis Presley. He moved to L.A. in 2003 when he was 18, and a year later signed a recording contract with Motown Records, but the deal went nowhere. Success eluded him until 2010, with the release of the successful singles “Nothin’ on You” by B.o.B and “Billionaire” by Travie McCoy, both of which featured his vocals. Soon after, Mars struck gold with his debut studio album Doo-Wops & Hooligans which generated the hit singles “Just the Way You Are”, “Grenade”, and “The Lazy Song”. In 2012, he followed up with his hugely-successful second album Unorthodox Jukebox , the lead single of which was the fantastic reggae/pop/funk song “Locked Out of Heaven”. Tim Sendra of AllMusic described the song as “a breezy mashup of Michael Jackson’s ‘Beat It’, The Police, and Dire Straits“, while Paul MacInnes of The Guardian called it “a brazen but successful welding of Dire Straits’ ‘Sultans of Swing’ and ‘Can’t Stand Losing You’ by the Police.” In fact, Mars stated that The Police were a strong influence for him in writing the song, which addresses the rapturous feelings of a loving and sexual relationship, something all of us can identify with.

https://www.youtube.com/watch?v=e-fA-gBCkj0

76. PINK LEMONADE – James Bay
I’ve liked James Bay and his music since his first breakout single “Hold Back the River” in 2014, but wasn’t what I’d call a huge fan. With his signature hat and long hair, and pleasing low-key folk-rock style, he quickly built a huge following. Then, in early March of 2018, he released “Pink Lemonade” and appeared on Saturday Night Live, revealing a major change in both his look and sound. When I watched his performance on SNL, I nearly fell out of my chair! James had ditched the hat, cut his hair and replaced his casual clothing style with a hot pink sequined shirt and black leather pants, and he looked hot! Not only that, I loved the song’s exuberant, harder rock vibe. Many of his fans seemed to prefer his mellower folk ballads to this edgier sound, however, so “Pink Lemonade” was not as successful as his other singles. Their loss, as I loved it and couldn’t hear it enough. The song is about escape and not wanting to commit to a relationship, and the video for the song is cleverly done, showing scenes of James building a rocket ship, only to be revealed at the end as a young version of himself playing pretend in his garage.

75. Ra khỏi giải đấu của tôi-Fitz và The Tantrumsas với một số nghệ sĩ trong danh sách này, tôi không quen thuộc với ban nhạc pop/neo-Neo có trụ sở tại Los Angeles Fitz và Tantrums cho đến khi tôi thức dậy vào cuối mùa hè năm 2013. Một ngày nọ tôi phát hiện ra Biểu đồ đá thay thế Billboard, và đó là một sự mặc khải! Tôi đã xem các bài hát của rất nhiều nghệ sĩ mà tôi không bao giờ nghe nói, hoặc người mà tôi biết nhưng không biết rằng họ có âm nhạc mới. Một trong những bài hát cưỡi trên bảng xếp hạng thay thế vào thời điểm đó là ra khỏi giải đấu của tôi, và tôi đã yêu nó ngay lập tức với các rãnh synthpop do piano, do piano điều khiển. Tôi đã trở thành một Fitz khổng lồ và người hâm mộ Tantrums, và mua CD của họ nhiều hơn chỉ là một giấc mơ mà tôi đã chơi gần như chết. Âm thanh của họ là bất thường ở chỗ họ không có guitar, nhưng họ còn hơn là bù đắp cho một phần nhịp điệu mạnh mẽ và saxophone James King (mặc dù sax của anh ấy không nổi bật trên đường ra khỏi giải đấu của tôi). Đáng buồn thay, hai album tiếp theo của họ đã khiến tôi thất vọng, nhiều người hâm mộ và nhà phê bình đầu tiên của họ. Họ dường như đã từ bỏ âm thanh dựa trên tâm hồn, có tâm hồn trước đây của họ để ủng hộ một phong cách định hướng pop hơn, chỉ nghe có vẻ chung chung và có thể dự đoán được. Ngoài ra, những thứ mới hơn của họ đã sử dụng giọng hát tuyệt vời của Noelle Scagss, gần như đủ.
As with several artists on this list, I was not familiar with Los Angeles-based pop/neo-soul band Fitz and the Tantrums until my musical awakening in late summer 2013. One day I discovered the Billboard Alternative Rock chart, and it was a revelation! I saw songs by lots of artists I’d either never heard of, or who I knew about but wasn’t aware they had new music out. One of the songs riding high on the Alternative chart at that time was “Out of My League”, and I instantly fell in love with it’s bouncy, piano-driven synthpop grooves. I became a huge Fitz and the Tantrums fan, and bought their CD More Than Just a Dream, which I played nearly to death. Their sound is unusual in that they have no guitarist, but they more than make up for it with a strong rhythm section and James King’s saxophone (although his sax is not prominent on “Out of My League”). Sadly, their two follow up albums have been disappointing to me, many of their early fans and critics alike. They seem to have abandoned their earlier soulful, groove-based sound in favor of a more pop-oriented style that just sounds generic and predictable. Also, their newer stuff hasn’t utilized Noelle Scaggs’ great vocals nearly enough.

https://www.youtube.com/watch?v=Z4mbxaa3XL8

74. Chỉ cần cho tôi một lý do - P! NK có Nate Ruessthe bài hát tuyệt đẹp và cảm động sâu sắc, Just Just cho tôi một lý do là một trong những bài hát yêu thích của tôi từ P! NK. Ca khúc được đồng sáng tác bởi P! NK, Jeff Bhasker và vui vẻ. Ca sĩ chính Nate Ruess, người cũng cung cấp giọng hát khuấy động của mình. Bài hát là một lời cầu xin chân thành giữa hai người tuyệt vọng để giữ một mối quan hệ dường như đang sụp đổ. Ban đầu nó được dự định sẽ được hát chỉ bởi P! NK, nhưng cô sớm nhận ra rằng cô cần người khác hát bài hát với mình, vì cô cảm thấy đó là một cuộc trò chuyện giữa hai người chứ không phải là một bài hát quan điểm. Cô yêu cầu Ruess hát bài hát với cô như một bản song ca, và kết quả thật kỳ diệu. Bài hát là một bản hit lớn trên toàn thế giới, đứng đầu các bảng xếp hạng ở 21 quốc gia bao gồm cả Hoa Kỳ
The gorgeous and deeply moving song “Just Give Me a Reason” is one of my favorite songs from P!nk. The track was co-written by P!nk, Jeff Bhasker, and fun. lead singer Nate Ruess, who also provides his stirring vocals. The song is a heartfelt plea between two people desperate to hold on to a relationship that appears to be falling apart. It was originally intended to be sung just by P!nk, but she soon realized that she needed someone else to sing the song with her, as she felt it was more of a conversation between two people rather than a one perspective song. She asked Ruess to sing the song with her as a duet, and the result was magical. The song was a massive worldwide hit, topping the charts in 21 countries including the U.S.

https://www.youtube.com/watch?v=OpQFFLBMEPI

73. Heartbreak Warfare-Giới thiệu đầu tiên của John Mayermy về ca sĩ kiêm nhạc sĩ và tay guitar John Mayer đã có đĩa đơn đầu tay tuyệt vời của anh ấy. Bài hát là một cái nhìn sâu sắc về trải nghiệm trung học thực sự gây được tiếng vang với tôi, vì nó đã được phát rất nhiều trên đài phát thanh trong thời gian một trong những cuộc hội ngộ trung học quan trọng của tôi. Tôi yêu bài hát đó rất nhiều, nó đã kết thúc ở vị trí thứ 17 trong 100 bài hát hay nhất trong danh sách những năm 2000 của tôi. Một bài hát khác của anh ấy mà tôi thực sự yêu thích là Heart Heartbreak Warfare, một bài hát đẹp đen từ album phòng thu thứ tư của anh ấy. Giống như rất nhiều âm nhạc của anh ấy, bài hát có nhịp độ êm dịu, với tác phẩm guitar lành nghề của anh ấy chiếm sân khấu trung tâm. Lời bài hát nói về một mối quan hệ độc hại, và là một lời cầu xin cho người yêu của anh ấy để giảm bớt hành vi độc hại của cô ấy với hy vọng họ có thể cứu vãn những gì còn lại: Làm thế nào là cách duy nhất để biết bạn cao đến mức nào là xem tôi là bao xa rơi? Chúa chỉ biết tôi yêu bạn nhiều như thế nào nếu bạn để tôi nhưng tôi có thể vượt qua tất cả.
My first introduction to singer-songwriter and guitarist John Mayer was with his wonderful debut single “No Such Thing”. The song was a poignant look back at the high school experience that really resonated with me, as it was played a lot on the radio during the time of one of my milestone High School reunions. I loved that song so much it ended up at #17 on my Top 100 Best Songs of the 2000s list. Another of his songs that I really love is “Heartbreak Warfare”, a darkly beautiful song from his fourth studio album Battle Studies. Like a lot of his music, the song is has a mellow tempo, with his skilled guitar work taking center stage. The lyrics speak of a toxic relationship, and is a plea for his lover to ease up on her poisonous behavior in the hope they can salvage what’s left: “How come the only way to know how high you get me is to see how far I fall? God only knows how much I’d love you if you let me but I can’t break through it all.”

https://www.youtube.com/watch?v=GeCClzNCfcA

72. Trò đùa-Brandi Carlislethe Bài hát hay và cảm động sâu sắc của trò đùa là trò đùa là ca sĩ kiêm nhạc sĩ Brandi Carlisle, người thích thú với những chàng trai tinh tế và những cô gái phấn đấu tiếp tục đấu tranh trong xã hội của chúng ta. Cô giải thích nguồn cảm hứng của mình: Có rất nhiều người cảm thấy sai lệch. Vì vậy, nhiều người cảm thấy không được yêu thương. Các chàng trai cảm thấy bị thiệt thòi và bị ép buộc vào những hình dạng nam tính khó xử này mà họ làm hoặc không phải là người đàn ông và những người đàn ông và chàng trai bị trans hoặc khuyết tật hoặc nhút nhát. Những cô gái nhỏ đã rất phấn khích cho cuộc bầu cử cuối cùng, và đang đối phó với Fallout. Bài hát chỉ dành cho những người cảm thấy không được đại diện, không được yêu thương hoặc bất hợp pháp. Carlisle có một giọng hát mạnh mẽ, đẹp đẽ và giọng hát đầy nhiệt huyết, đam mê của cô ấy trên bài hát này gửi ớn lạnh lên và xuống cột sống của tôi. Nghe cô ấy hát lời bài hát thách thức trong giọng hát tuyệt đẹp của cô ấy, được hỗ trợ bởi các nhạc cụ cao vút nổi bật bởi những chuỗi tuyệt đẹp lịch sự của cố Paul Buckmaster (một thiên tài âm nhạc đã sắp xếp album của Carlisle, tôi tha thứ cho bạn cũng như những bản thu âm huyền thoại như David Bowie's Sự kỳ quặc không gian, những ngón tay dính của những viên đá lăn và nhiều bản hit đầu của Elton John), thực sự là một trải nghiệm tôn giáo.
The beautiful and deeply moving song “The Joke” is singer-songwriter Brandi Carlisle’s poignant ode to the delicate boys and striving girls who continue to struggle in our society. She explained her inspiration: “There are so many people feeling misrepresented. So many people feeling unloved. Boys feeling marginalized and forced into these kind of awkward shapes of masculinity that they do or don’t belong in…so many men and boys are trans or disabled or shy. Little girls who got so excited for the last election, and are dealing with the fallout. The song is just for people that feel under-represented, unloved or illegal.” Carlisle has a strong, beautiful voice and her stirring, passionate vocals on on this song send chills up and down my spine. Hearing her sing the defiant lyrics in her gorgeous voice, backed by soaring instrumentals highlighted by beautiful strings courtesy of the late Paul Buckmaster (a music genius who arranged Carlisle’s album By The Way, I Forgive You as well as such legendary recordings as David Bowie’s “Space Oddity,” The Rolling Stones’ Sticky Fingers and many of Elton John’s early hits), is a religious experience indeed.

https://www.youtube.com/watch?v=5r6A2NexF88

71. Tôi đã trở thành một fan hâm mộ của ban nhạc rock thay thế Philadelphia vài năm trước sau khi nghe bài hát ngoạn mục của họ là Red Red Eyes. Vì vậy, thật tự nhiên khi tôi yêu thích ca khúc tuyệt đẹp của họ, Hold Hold trên mạng từ album được phê bình và giành giải Grammy của họ một sự hiểu biết sâu sắc hơn. Có sáu thành viên ban nhạc, bao gồm hai tay guitar, hai bàn phím, một trong số họ cũng chơi Sax, một tay bass và một tay trống, mang đến cho âm nhạc của họ một âm thanh đầy đủ, đầy đủ. Đàn piano, guitar và synths trên mạng Holding trên trên là tuyệt đẹp, và ca sĩ Adam Granduciel, giọng hát siêu phàm có một sự tương đồng nổi bật với Bob Dylan.
The War on Drugs are one of the best bands making music today, and I love their lush melodic sound. I became a fan of the Philadelphia alternative rock band a few years ago after hearing their spectacular song “Red Eyes.” So it was natural that I’d love their beautiful track “Holding On” from their brilliant critically-acclaimed and Grammy-winning album A Deeper Understanding. Having six band members, including two guitarists, two keyboardists, one of whom also plays sax, a bassist and a drummer, gives their music a lush, full sound. The piano, guitar and synths on “Holding On” are stunning, and singer Adam Granduciel’s sublime vocals bear a striking resemblance to Bob Dylan.

https://www.youtube.com/watch?v=6-oHBkikDBg

70. Cả người đứng đầu Aguilera và Maroon 5 Adam Levine đều là giám khảo và huấn luyện viên trong cuộc thi âm nhạc đình đám cho thấy The Voice vào thời điểm đó, và hóa học tuyệt vời của họ tỏa sáng trong bài hát và video. Bài hát này là một hit lớn trên toàn thế giới vào năm 2011, đạt #1 tại Hoa Kỳ và 25 quốc gia khác từ Brazil đến Phần Lan đến Hàn Quốc và bán hơn 15 triệu đơn vị kỹ thuật số. Trong một cuộc phỏng vấn trên chương trình ABC Nightline vào tháng 11 năm 2011, Mick Jagger tuyên bố anh ta đã tâng bốc khi được đặt tên trong bài hát, và sau đó đã nói đùa trong chương trình muộn với David Letterman về việc không nhìn thấy bất kỳ tiền bản quyền nào từ đó. Sự thật thú vị: Di chuyển như Jagger, là một trong hai bài hát trong danh sách này có tiếng huýt sáo nổi bật, phần còn lại là những người sắp ra mắt.
One of my guilty pleasures on this list is the rousing duet “Moves Like Jagger” by Maroon 5 and Christina Aguilera. Both Aguilera and Maroon 5 front man Adam Levine were judges and coaches on the hit music competition show The Voice at the time, and their great chemistry shines through in the song and video. The song was a massive worldwide hit in 2011, reaching #1 in the U.S. and 25 other countries from Brazil to Finland to South Korea, and selling over 15 million digital units. In an interview on the ABC program Nightline in November 2011, Mick Jagger stated he was flattered by being named in the song, and later joked on the Late Show with David Letterman about not seeing any royalties from it. Fun fact: “Moves Like Jagger” is one of two songs on this list featuring prominent whistling, the other being the upcoming “Pumped Up Kicks”.

https://www.youtube.com/watch?v=iEPTlhBmwRg

69. . Nó mở đầu bằng một đoạn riff guitar mê hoặc ngay lập tức kéo chúng tôi vào lời hứa rằng một cái gì đó thực sự đẹp đang diễn ra, và khi âm nhạc phồng lên một bài quốc ca cao vút, chúng tôi không thất vọng. Các nhạc cụ và ca sĩ chính Scott Nadeau, giọng hát nhiệt thành là sự hoàn hảo, và vào thời điểm điệp khúc đến với bản solo của Mike Nichols, từ tiếng guitar đang la hét của anh ấy và tiếng rên rỉ thô lỗ, khó chịu của anh ấy, tôi đã thở hổn hển. Đây thực sự là một trong những bài hát rock đẹp nhất mà tôi đã từng nghe.
“Dizzy” is an outstanding rock song by Chicago indie rock band The Million Reasons, and I loved it at first listen. (I love this band and all its members too, as they’re as gracious and kind as they are talented.) The song is about a relationship in which both parties are blinded by an obsessive and possibly irrational desire for each other. It opens with an enthralling guitar riff that immediately pulls us in with the promise that something really beautiful is about to unfold, and as the music swells into a soaring anthem, we’re not disappointed. The instrumentals and lead singer Scott Nadeau’s fervent vocals are perfection, and by the time the chorus arrives with Mike Nichols’ jaw-dropping solo from his screaming guitar and Nadeau’s raw, impassioned wails, I’m left gasping for breath. This is truly one of the most beautiful rock songs I’ve ever heard.

68. và album tự tựa Hozier. Kiệt sức sau gần hai năm lưu diễn, anh đã nghỉ ngơi vào năm 2017 và sau đó bắt đầu viết những bài hát mới, nhưng sẽ là bốn năm trước khi anh theo dõi một bản phát hành bất ngờ vào tháng 9 năm 2018 ca khúc chủ đề. Sau đó, anh ấy đã phát hành album thứ hai của mình Wasteland, Baby! Vào năm 2019. Nina Nina đã khóc Power, là một bài thơ ca ngợi tuyệt vời và khuấy động đối với tình yêu của Hozier đối với Rock and Roll của Hozier và đó là nguồn gốc trong R & B và Tin Mừng, với những cống phẩm được trả cho các nghệ sĩ như Nina Simone, Joni Mitchell, Billie Holliday, James Brown Và Mavis Staples, người sống theo danh tiếng của mình bằng cách thêm giọng hát mạnh mẽ của mình vào bài hát. Ngoài ra, nhạc sĩ huyền thoại Booker T. Jones đã đóng góp phát nhạc của mình cho bài hát và các bài hát khác trên Wasteland, Baby! Nó có một kiệt tác tuyệt vời trong ý kiến ​​không quá khó, nhưng dường như không kết nối với rất nhiều người nghe vì lý do tôi không hiểu. Đó chỉ là một hit trên bảng xếp hạng thay thế người lớn Billboard, nơi nó đạt #1.
The strikingly handsome Irish singer-songwriter Hozier (born Andrew John Hozier-Byrne) burst onto the music scene in 2014 with his massive hit “Take Me to Church” (coming up later in this list) and self-titled album Hozier. Exhausted from nearly two years of touring, he took a break in 2017 and then began writing new songs, but it would be four years before he followed up with a surprise release in September 2018 of a four-track EP Nina Cried Power, which includes the title track. He later released his second album Wasteland, Baby! in 2019. “Nina Cried Power” is a magnificent and stirring gospel-infused ode to Hozier’s love of American rock and roll and it’s roots in R&B and gospel, with tributes paid to artists like Nina Simone, Joni Mitchell, Billie Holliday, James Brown and Mavis Staples, who lives up to her reputation by adding her powerful vocals to the song. In addition, legendary musician Booker T. Jones contributed his organ-playing to the song and other tracks on Wasteland, Baby! It’s a stunning masterpiece in my not-so-humble opinion, yet seemed to fail to connect with very many listeners for reasons I don’t comprehend. It was a hit only on the Billboard Adult Alternative chart, where it reached #1.

https://www.youtube.com/watch?v=OBKPI5t9xI8

67. Giống như Blurryface, Trench là một album khái niệm, và kể về câu chuyện về thành phố độc ác hư cấu của Dema do chín giám mục được cai trị, được gọi là Hồi Nico và Niners Hồi trong đĩa đơn đồng hành của cái tên đó được phát hành đồng thời với Jump Jumpsuit. Các giám mục áp đặt sự sùng bái tôn giáo của chủ nghĩa lọ đối với công dân của họ, và họ làm mọi thứ trong khả năng của mình để ngăn họ rời khỏi thành phố có tường bao quanh. Bởi vì chúng không thể nhìn thấy màu vàng, cách duy nhất để trốn thoát là mặc một bộ quần áo màu vàng. Tyler Joseph, thay đổi bản ngã là một nhân vật tên là Clancy, người có nỗ lực trốn thoát được mô tả trong bộ quần jumpsuit. Bài hát là một phép ẩn dụ cho cuộc đấu tranh với bệnh tâm thần, với thành phố độc ác của Dema đại diện cho bệnh tâm thần, và các giám mục đại diện cho các cuộc đấu tranh nội bộ của một người mắc bệnh tâm thần. Với chủ đề của nó, bộ Jumpsuit, là một trong những bài hát đen tối của họ. Nó mở đầu với giọng hát thay đổi Joseph Joseph hét lên trên Cover Cover Me, đề cập đến bộ jumpsuit của anh ấy. Khi bài hát diễn ra, âm nhạc xen kẽ giữa những loạt các đoạn riff guitar bass nặng nề của Joseph, và tiếng trống đập mạnh của Josh Dun, và những tiếng nói êm dịu của giọng hát im lặng, synths tươi tốt và piano ám ảnh. Giọng hát của Joseph, dần dần xây dựng thành một tiếng crescendo gây ra Goosebump cho đến cuối cùng khi anh ta tuyệt vọng than vãn về bộ jumpsuit, bộ jumpsuit che chở tôi!
I’ve already professed my love for twenty øne piløts. Like Blurryface, Trench is a concept album, and tells the saga of the fictional evil city of Dema ruled by nine bishops, referred to as “Nico and the Niners” in the companion single of that name that was released concurrently with “Jumpsuit”. The bishops impose the religious cult of Vialism upon their citizens, and they do everything in their power to prevent them from leaving the walled city. Because they are unable to see the color yellow, the only way to escape is by wearing a yellow garment. Tyler Joseph’s alter ego is a character named Clancy, whose escape attempt is described in “Jumpsuit”. The song is a metaphor for the struggle with mental illness, with the evil city of Dema representing mental illness, and the bishops representing the internal struggles of a person suffering from mental illness. Given its subject matter, “Jumpsuit” is one of their darker songs. It opens with Joseph’s altered vocals shouting “cover me“, referring to his jumpsuit. As the song progresses, the music alternates between barrages of Joseph’s heavy bass guitar riffs and Josh Dun’s pounding drums, and soothing interludes of hushed vocals, lush synths and haunting piano. Joseph’s vocals gradually build to a goosebump-inducing crescendo towards the end as he desperately wails “Jumpsuit, jumpsuit cover me!”

https://www.youtube.com/watch?v=UOUBW8bkjQ4

66. Sống trong khoảnh khắc - Bồ Đào Nha. Ban nhạc Manrock Bồ Đào Nha. Người đàn ông có nguồn gốc từ Wasilla, Alaska, nhưng hiện có trụ sở tại Portland, Oregon (họ tự gọi mình là ‘Lords of Portland,). Họ đã phát hành một loạt các album khổng lồ kể từ khi hình thành vào năm 2004, nhưng cảm thấy nó vẫn còn, từ album Woodstock thứ tám và gần đây nhất của họ, là đĩa đơn đột phá của họ. Theo dõi bản hit quái vật đó, (đó là bài hát số 1 của tôi năm 2017), họ lại đạt được điểm số với trực tiếp trong thời điểm này. Nó là một ca khúc thú vị, với một nhịp lái khó khăn, synths càn quét, guitar guitar và các điệp khúc cao vút bị chi phối bởi giọng hát tenor tuyệt vời của John Gourley. Lời bài hát khá sâu sắc với rất nhiều ý nghĩa ẩn giấu, nhưng về cơ bản chúng chạm vào các chủ đề về tôn giáo và tử vong: Hồi Let Let sống trong khoảnh khắc. Hãy trở lại vào sáng Chủ nhật. Có linh hồn để bán. Khi bạn tạm biệt, rất lâu rồi, chia tay. Đến cuối cùng, nó chuyển sang một bài thánh ca gần như nhà thờ với một đoạn riff organ thống trị và giọng hát giống như thánh ca được sản xuất bởi phần mềm bằng văn bản trên máy tính, hát, Chúa ơi, tôi khó có thể tin vào mắt mình. Đánh thức mọi người bạn biết. Hãy đến và xem khu vườn phát triển. Tôi sẽ gặp bạn khi bạn đến đó. Đoạn video giàu trí tưởng tượng cho thấy ban nhạc cưỡi trên một chiếc xe với một con rối khổng lồ của một anh chàng trượt trên đỉnh, bị người khác đuổi theo với một con rối cảnh sát trên chiếc xe đó.
Rock band Portugal. The Man are originally from Wasilla, Alaska, but now based in Portland, Oregon (they refer to themselves as ‘Lords of Portland’). They’ve released a whopping eight albums since forming in 2004, but “Feel It Still,” from their eighth and most recent album Woodstock, was their breakthrough single. Following up on that monster hit, (which was my #1 song of 2017), they hit the mark again with “Live in the Moment.” It’s an exhilarating track, with a hard-driving beat, sweeping synths, chugging guitars and soaring choruses dominated by John Gourley’s wonderful tenor vocals. The song lyrics are pretty deep with lots of hidden meaning, but they basically touch on subjects of religion and mortality: “Let’s live in the moment. Come back Sunday morning. Got soul to sell. When you’re gone goodbye, so long, farewell.” Toward the end it transitions to an almost church hymn with a dominant organ riff and chant-like vocals produced by computer text-to-speech software that sing “Oh, God, I can hardly believe my eyes. Wake up everybody you know. Come and watch the garden grow. I’ll see you when you get there.” The imaginative video shows the band riding in a car with a giant puppet of a guy skateboarding on top, being chased by another with a policeman puppet on top of that car.

https://www.youtube.com/watch?v=Hha0bwVvGmY

6. người dân. Thật khó để tin, trước khi nghe nó vào tháng 1 năm 2014, tôi không biết về bất kỳ bài hát nào khác của họ bên cạnh . Tôi đã mua album đầu tiên của họ Torches và Album thứ hai Supermodel, và cả hai đã lặp lại trong phần còn lại của năm 2014. Tôi đã thấy họ trong buổi hòa nhạc tại Thính phòng của L.A. kể từ đó. Bài hát được lấy cảm hứng từ kinh nghiệm và hướng nội của Mark Foster, sau hai năm lưu diễn với ban nhạc. Anh ấy nói với XFM London: Lyricrical Đó gần như là một lời thú tội. Nó nói về việc có một khoảnh khắc rõ ràng, sau cơn bão lưu diễn trong hai năm và cuộc sống của tôi thay đổi mạnh mẽ. Đó là một hơi thở đầu tiên tôi phải thực sự nhìn xung quanh và thấy rằng có một số điều đã xảy ra trong khoảng thời gian đó với bạn bè và với những người thân yêu của tôi, với những người gần gũi với tôi và với chính tôi. Nó nói về việc lớn lên. Về mặt thực tế, bài hát rất phức tạp và hoàn toàn tuyệt đẹp, với những bản tổng hợp lấp lánh, piano ám ảnh, guitar gay gắt và bộ gõ sống động. Tôi yêu thích giọng hát cao vút của Foster, tại thời điểm đó, thần tượng Brian Wilson của anh ấy.
Though I really liked their debut single “Pumped Up Kicks” a lot, it was the beautiful, introspective song “Coming of Age” that made me fall in love with Los Angeles-based alternative rock band Foster the People. Hard as it is to believe, prior to hearing it in January 2014, I was unaware of any of their other songs besides “Pumped Up Kicks”, as I’d had my head up my ass from a musical standpoint for a very long time. I purchased their first album Torches and second album Supermodel, and had both on repeat for the rest of 2014. I saw them in concert at L.A.’s Shrine Auditorium that November, and a photo I took of them has been my only Twitter header pic ever since. The song was inspired by Mark Foster’s experience and introspection after two years of touring with the band. He told XFM London: “Lyrically it is almost a confession. It’s about having a moment of clarity…after the storm of touring for two years and my life drastically changing. It was kind of the first breath I had to really look around and see that there were some things that happened during that period with my friends and with my loved ones, with the people that are close to me and with myself as well. It’s about growing up.” Musically, the song is melodically complex and utterly stunning, with glittery synths, haunting piano, gnarly guitars and lively percussion. I love Foster’s soaring vocals that at time channel his idol Brian Wilson.

https://www.youtube.com/watch?v=MBqzrj18S2w

64. Ca sĩ kiêm nhạc sĩ giám mục Briggs, cũng có trụ sở tại L.A., cũng khá tuyệt vời, với một giọng nói sức mạnh, đặc biệt. Vì vậy, kết hợp giọng hát đam mê của cô ấy với những ca sĩ chính của War War Kids, ông Nathan Willett trên mạng vì vậy, kết quả là kết quả trong pháo hoa thính giác để phù hợp với lời bài hát cắn về mối quan hệ đồng phụ thuộc phá hủy mà bạn có thể thoát khỏi. Bài hát là từ album phòng thu thứ sáu của họ L.A. Divine, cũng có một bài hát tuyệt vời khác là Love Love Is Mystical. Tôi yêu thích vì vậy, hãy trói buộc ngay từ lần nghe đầu tiên và không bao giờ mệt mỏi khi nghe nó. Các chương trình video gây cười và hơi bạo lực tối tăm của Willett và Briggs hát bài hát xen kẽ với những cảnh một vài người đàn ông địa ngục giết nhau.
Cold War Kids is an alt-rock band from Los Angeles, and I love their vibrant, hard-driving sound. Singer-songwriter Bishop Briggs, also based in L.A., is pretty awesome too, with a distinctive, powerhouse voice. So, combining her passionate vocals with those of Cold War Kids lead singer Nathan Willett on “So Tied Up” results in auditory fireworks to match the biting lyrics about a destructive co-dependent relationship you can’t escape. The song is from their sixth studio album L.A. Divine, which also features another great song “Love is Mystical”. I loved “So Tied Up” at first listen and never tired of hearing it. The darkly amusing and somewhat violent video shows Willett and Briggs singing the song interspersed with scenes of a couple hell-bend on killing each other.

https://www.youtube.com/watch?v=W7PlkjpabQY

63. Tôi cho rằng, một phần đúng, nhưng tôi vẫn yêu rất nhiều bài hát của họ từ thập kỷ này. Họ đã rút hết tất cả các điểm dừng với cuộc phiêu lưu vui vẻ của họ về cuộc phiêu lưu của một cuộc đời, một trong những bài hát được giới thiệu trong album phòng thu thứ bảy của họ A Head Full of Dreams. Những cây đàn guitar swirling tuyệt đẹp của Jonny Buckland, sẽ vô địch trống tại chỗ và giọng hát tăng vọt của Chris Martin, tạo nên một bài hát thực sự tuyệt vời. Guy Berryman, bass mạnh mẽ mang lại cảm giác của một trái tim đập và mandolin ở cuối bài hát là tuyệt đẹp. Đoạn video hay thay đổi cho thấy các thành viên ban nhạc đã chuyển đổi thông qua phép thuật của CGI thành khỉ đột bắt đầu trong rừng rậm.
Coldplay were my favorite band in the 2000s, and continued to produce some great music in the 2010s, although many criticized them for putting out music that was too ‘pop’. I suppose that’s partly true, but I still love a lot of their songs from this decade. They pulled out all the stops with their joyously upbeat “Adventure of a Lifetime”, one of the songs featured on their seventh studio album A Head Full of Dreams. Jonny Buckland’s gorgeous swirling guitars, Will Champion’s spot-on drums and Chris Martin’s signature soaring vocals make for a truly great song. Guy Berryman’s strong bass gives the feel of a heart beating and the mandolin at song’s end is stunning. The whimsical video shows the band members transformed through the magic of CGI into gorillas cavorting about in the jungle.

https://youtu.be/QtXby3twMmI

62. Trampoline-Shaedwashington, D.C. Indie Dream-Pop ban nhạc Shaed đã tấn công vàng vào năm 2019 với một bước đột phá đầy ám ảnh của họ. Bài hát ban đầu được phát hành vào tháng 5 năm 2018, nhưng có rất ít phát sóng cho đến khi nó được giới thiệu trong một quảng cáo của Apple MacBook Air vào tháng 10, và bài hát đã nhanh chóng cất cánh. Bài hát đã ra mắt trên bảng xếp hạng thay thế Billboard vào đầu tháng 12 năm 2018, và khi tôi viết một năm sau đó, nó vẫn còn trong top 10! Ca khúc tuyệt đẹp được đặt tên là bài hát số 1 năm 2019 trên bảng xếp hạng thay thế và kết thúc ở vị trí thứ 5 trong danh sách cuối năm của tôi. Cảm hứng của Shaed, cho bài hát đã đến một đêm khi bộ ba ngồi cùng nhau xem các video gia đình cũ của Spencer và Max nhảy lên một tấm bạt lò xo khi còn nhỏ. Ý nghĩa của bài hát là chủ đề của cuộc tranh luận, từ cái chết đến tự tử đến nghiện ma túy, nhưng Shaed chỉ muốn viết một bài hát tuyệt vời dựa trên ý tưởng về sự thay thế của Stranger Things. Điều này được ghi lại một cách nghệ thuật trong video đẹp và phong cách cho bài hát.
Washington, D.C. indie dream-pop band SHAED struck gold in 2019 with their haunting breakthrough single “Trampoline”. The song was originally released in May 2018, but got little airplay until it was featured in an Apple MacBook Air commercial that October, and the song quickly took off. The song debuted on the Billboard Alternative Chart in early December 2018, and as I write this one year later, it’s still in the Top 10! The gorgeous track was named the #1 song of 2019 on the Alternative Chart, and finished at #5 on my own year-end list. SHAED’s inspiration for the song came one night as the trio sat together watching old family videos of Spencer and Max jumping on a trampoline as small children. The song’s meaning has been the subject of debate, ranging from death to suicide to drug addiction, but SHAED simply wanted to write a great song loosely based on the idea of the Stranger Things alternative dimension “Upside Down”.(Genius.com). This is artfully captured in the beautiful and stylish video for the song.

https://www.youtube.com/watch?v=4h26oYuE2h0

61. Bài hát tối đã được mô tả là Rap Rock theo phong cách, với sự sắp xếp ám ảnh được đặt thành một nhịp hip hop chậm. Cây đàn piano thương tiếc, âm thanh gãi thô, giọng hát đơn điệu của Tyler Joseph, và giọng nói bị biến dạng bí ẩn hô vang khi xem nó tương phản với sự phối hợp đầy kịch tính, đầy kịch tính, tạo ra một cảm giác khá đáng sợ của việc phát triển. Lời bài hát nói lên việc không đưa ra những đánh giá nhanh về những người mà bạn không biết, và nhạy cảm hơn với người khác, vì tất cả chúng ta đều có những vấn đề ẩn giấu. Chúng tôi không thể đối phó với người ngoài rất tốt. Họ nói rằng những người mới đến có một mùi nhất định. Bạn có vấn đề về niềm tin, chưa kể, họ nói rằng họ có thể ngửi thấy ý định của bạn. Bạn có thể yêu thích trên freakshow ngồi cạnh bạn. Bạn có một số người kỳ lạ ngồi cạnh bạn. Bạn có thể nghĩ rằng làm thế nào tôi đến đây, ngồi cạnh bạn? Nhưng sau tất cả, tôi đã nói, xin đừng quên.
twenty øne piløts are back with their third single on this list, the superb “Heathens”, which was recorded for the Suicide Squad film soundtrack. The dark song has been described as rap rock in style, with a haunting arrangement set to a slow hip hop beat. Mournful piano, rough scratching sounds, Tyler Joseph’s monotone vocals, and a mysterious disembodied voice chanting “watch it” contrast with the dramatic, sweeping orchestration, creating a rather menacing sense of foreboding. The lyrics speak to not making snap judgements about people you don’t know, and to be more sensitive to others, as we all have hidden issues. “We don’t deal with outsiders very well. They say newcomers have a certain smell. You have trust issues, not to mention, they say they can smell your intentions. You’re lovin’ on the freakshow sitting next to you. You’ll have some weird people sitting next to you. You’ll think ‘How did I get here, sitting next to you?’ But after all I’ve said, please don’t forget.”

https://www.youtube.com/watch?v=UprcpdwuwCg

60. Bài hát là từ album thứ hai của họ How To Be A Con người. Ban nhạc sử dụng tất cả các loại nhạc cụ, từ đàn hạc và tom toms đến tambourines, piano và các bản tổng hợp guitar khác thường để tạo ra một bản nhạc đặc biệt mạnh mẽ. Ca sĩ chính Dave Bayley, giọng hát đặc biệt là thôi miên và mê hoặc, và lời bài hát về việc trở thành một người lười biếng hàng ngàn năm là tuyệt vời: Tôi có thể có một công việc, vì vậy tôi sống với mẹ. Tôi lấy tiền của cô ấy nhưng không đủ. Tôi ngồi trong xe, và tôi lắng nghe tĩnh. Cô ấy nói tôi trông béo, nhưng tôi trông thật tuyệt vời. Đoạn video khá dữ dội và đầy nghệ thuật được tạo ra cho bài hát khá hay, nhưng dường như kể một câu chuyện khác so với mô tả trong lời bài hát.
“Life Itself” by British psychedelic art pop band Glass Animals is one of the most interesting and musically complex songs on this list and I adore it. The song is from their second album How To Be a Human Being. The band employs all kinds of instruments, from harps and tom toms to tambourines, piano and unusual guitar synths to create an exceptionally strong track. Lead singer Dave Bayley’s distinctive vocals are hypnotic and mesmerizing, and the lyrics about being a millennial slacker are superb: “I can’t get a job, so I live with my mom. I take her money but not quite enough. I sit in the car, and I listen to static. She said I look fat, but I look fantastic.” The rather intense and artfully-filmed video made for the song is quite good, but seems to tell a different story than that described in the lyrics.

https://www.youtube.com/watch?v=yd9p4n5hLEg

59. Bang Bang-Rockers Daylegendary Green Day Day đã chứng minh sức mạnh lưu trú của họ với bản phát hành năm 2016 của album Studio lần thứ 12 Revoluc Đúng như sự quan tâm của ban nhạc đối với các chủ đề chủ đề, với lời bài hát nói lên văn hóa bạo lực súng đạn và vụ xả súng hàng loạt của Mỹ trong thời đại của phương tiện truyền thông xã hội tự ái: Tôi muốn trở thành một vị tử đạo của người nổi tiếng. Người đàn ông nhỏ bé trong bộ phim riêng tư của tôi. Hurray (Bang Bang), Hurray (Bang Bang) anh hùng của giờ. Daddy sườn Little Psycho và Mommy Little Little Soldier. Bài hát âm nhạc cao điểm là Billie Joe Armstrong, những đoạn riff guitar giận dữ và những bản solo trống tuyệt vời của Tré Cool.
Legendary rockers Green Day proved their staying power with the 2016 release of their 12th studio album Revolution Radio, 26 years after their first album 39/Smooth in 1990. The album’s hard-driving first single “Bang Bang” stays true to the band’s penchant for topical themes, with lyrics that speak to America’s culture of gun violence and mass shootings in an era of narcissistic social media: “I want to be a celebrity martyr. The little man in my own private drama. Hurrah (bang bang), hurrah (bang bang) the hero of the hour. Daddy’s little psycho and Mommy’s little soldier.” The song’s musical high points are Billie Joe Armstrong’s furious guitar riffs and Tré Cool’s awesome drum solos.

https://www.youtube.com/watch?v=wvu2-xQUNQI

58. Closer-IamwarfaceBritish ban nhạc nhạc rock Iamwarface là một trong những ban nhạc indie yêu thích của tôi làm âm nhạc ngày hôm nay. Cái tên hung hăng của họ là một phép ẩn dụ phù hợp cho âm thanh dựa trên rãnh, ném bom của họ và tôi yêu từng bài hát của họ. Nhưng yêu thích tuyệt đối của tôi là gần gũi hơn, và tôi đã choáng váng khi tôi nghe lần đầu tiên tôi nghe bài hát đẹp và hoành tráng này. Nó mở ra với một hợp âm synth nhói bí ẩn, từ từ xây dựng thành một âm thanh kịch tính, bao trùm chúng tôi với tư cách là ca sĩ chính Matt Warneford mệt mỏi khi anh ấy có một người mà anh ấy dường như có một mối quan hệ ám ảnh và phá hoại: Ai là ai? Tôi chỉ sống để chết. Đêm cũ này, khi nó đến, tôi sẽ không có xương cũ này. Cùng với đó, âm nhạc phát nổ thành một loạt các synths nghiến, guitar mờ, âm trầm buzz-saw và bộ gõ sấm sét, bị nhấn mạnh bởi các cymbals gần như bị sập dữ dội, nhấn mạnh cảm xúc hoang vắng được thể hiện trong lời bài hát cay đắng. Giọng hát cảm xúc sâu sắc của Warneford dường như tràn ngập sự tuyệt vọng và từ chức vì một mối tình hiện đang nằm trong những điều rách rưới. Cảm thấy tôi đi bộ trên kính tan vỡ. Sự lãng mạn này chỉ phải kết thúc, để thiết lập lại, xóa, bắt đầu lại. Đoạn video bóng tối, ma quái có chất lượng gothic mà ngay lập tức gây xáo trộn và ngoạn mục.
British electro-rock band IAMWARFACE are among my favorite indie bands making music today. Their aggressive name is a fitting metaphor for their bombastic, groove-based sound, and I love every single one of their songs. But my absolute favorite is “Closer”, and I was stunned the moment I first heard this fiercely beautiful and monumental track. It opens with a mysterious throbbing synth chord that slowly builds into a dramatic soundscape, enveloping us as lead singer Matt Warneford wearily implores to someone with whom he seems to have an obsessive and destructive relationship: “Who, who am I? I’m just living to die. This old night, when it comes, I’ll be free of these old bones.” With that, the music explodes into a maelstrom of grinding synths, fuzzy guitars, buzz-saw bass, and thunderous percussion, punctuated by almost violently crashing cymbals that emphasize the feelings of desolation expressed in the bitter lyrics. Warneford’s deeply emotional vocals seem filled with despair and resignation over a love affair that now lies in tatters. “Feel I’m walking on shattered glass. This romance just has to end, to reset, erase, begin again.” The dark, ghostly video has a gothic quality that’s at once disturbing and breathtaking.

57. Từ album phòng thu thứ tám của họ Turn Blue, thì Fever Fever là một trong những bài hát yêu thích của tôi năm 2014. Bài hát đã dành 11 tuần ở vị trí số 1 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard. Album được đồng sáng tác và đồng sản xuất với nhà sản xuất Danger Chuột nổi tiếng, và là sự tiếp nối của bộ đôi này rời khỏi bộ đôi nhạc rock blues/garage trước đó của họ, nhiều sự thất vọng của một số người hâm mộ của họ. Bài hát có một sự rung cảm rock, ảo giác, với nhịp điệu nhảy lây nhiễm và sử dụng nhiều hơn các synth tươi, nhói lên ngoài việc lái những đoạn riff guitar và tiếng trống linh hoạt. Bài hát được đề cử cho hai giải Grammy, cho bài hát rock hay nhất và màn trình diễn rock hay nhất. Đoạn video khác thường có Auerbach miêu tả một nhà truyền hình mồ hôi rao giảng cho khán giả khi tay trống Patrick Carney ngồi gần đó.
The Black Keys, consisting of childhood friends Dan Auerbach and Patrick Carney, have been putting out fantastic music for almost 20 years. From their eighth studio album Turn Blue, “Fever” was one of my favorite songs of 2014. The song spent 11 weeks at #1 on the Billboard Alternative chart. The album was co-written and co-produced with noted producer Danger Mouse, and was a continuation of the duo’s departure from their earlier blues/garage rock roots, much to the chagrin of some of their fans. The song has a slicker, psychedelic rock vibe, with an infectious dance beat and greater use of lush, throbbing synths in addition to driving guitar riffs and snappy drums. The song was nominated for two Grammy Awards, for Best Rock Song and Best Rock Performance. The unusual video features Auerbach portraying a sweaty televangelist preaching to an audience as drummer Patrick Carney sits nearby.

https://www.youtube.com/watch?v=trk7P-9QDyc

56. High-Sir Sly Hồi High High là một bài hát tuyệt vời của ban nhạc Los Angeles Alt-Rock Sir Sly, và là đĩa đơn chính trong album thứ hai của họ Don Don You Lo lắng Honey. Được dẫn dắt bởi một dòng bass ù ù, bản nhạc hào hứng sống theo tiêu đề của nó, bopping cùng với một điệu nhảy linh hoạt và những cây đàn guitar Jangly mạnh mẽ. Tôi yêu ca sĩ chính Landon Jacobs, và các anh chàng hòa âm giọng hát trong các điệp khúc là rất phấn khởi. Theo nghĩa chung, lời bài hát đề cập đến chủ đề sử dụng ma túy và cuộc đấu tranh rút tiền, nhưng một phân tích sâu sắc hơn cho thấy ý nghĩa nhiều sắc thái hơn. Lời bài hát mở đầu Tôi đã hút thuốc trên đường ống hòa bình. Tôi đã tự hỏi những gì sẽ bình yên như thế nào, nói về việc sử dụng ma túy như một lối thoát, và tự hỏi thế giới sẽ như thế nào nếu sự bất hòa được thay thế bằng sự yên tĩnh. Tôi nhớ trở lại ở Oakland. Tôi đang nằm đó trong Rapture trên sàn phòng tắm. Đề cập đến một sự cố khi Sir Sly đang lưu diễn với năm 1975 và Jacobs trở nên quá cao và cuối cùng có một cuộc tấn công hoảng loạn vào sàn phòng tắm của phòng trọ của họ. Anh ta nói rằng lời bài hát ban đầu là tôi nhớ lại ở Oakland, khi tôi nghĩ rằng tôi đang chết trên sàn phòng tắm, nhưng đã thay đổi nó sau khi nhận ra cuộc tấn công hoảng loạn thực sự là một trải nghiệm tích cực, siêu việt. Tôi yêu bài hát này, và video trippy thú vị là sở thích tuyệt đối của tôi trong năm 2017. Làm thế nào bất cứ ai có thể không thích ban nhạc và bài hát này sau khi xem họ nhảy múa giống như Marionettes kênh Cirque du Soleil!
“High” is a wonderful song by Los Angeles alt-rock band Sir Sly, and is the lead single from their second album Don’t You Worry Honey. Led by a dominant buzzing bass line, the exuberant track lives up to its title, bopping along with a snappy dance beat and heavily-strummed jangly guitars. I love lead singer Landon Jacobs vocals, and the guys’ vocal harmonies in the choruses are exhilarating. In a general sense, the lyrics address the topic of drug use and the struggle of withdrawal, but a deeper analysis reveals more nuanced meanings. The opening lyrics “I’ve been smoking on the peace pipe. I’ve been wondering just what would peace be like” speaks to using drugs as an escape, and wondering what the world would be like if discord was replaced with tranquility. “I remember back in Oakland. I was lying there in rapture on the bathroom floor.” refers to an incident when Sir Sly was touring with The 1975, and Jacobs got much too high and ended up having a panic attack on the bathroom floor of their motel room. He stated the original lyric was “I remember back in Oakland, when I thought that I was dying on the bathroom floor”, but changed it after realizing the panic attack was actually a positive, transcendental experience. I love this song, and the delightfully trippy video is my absolute favorite of 2017. How can anyone not like this band and song after watching them dancing about like marionettes channeling Cirque du Soleil!

5. Tôi yêu nhiều bài hát của họ, nhưng yêu thích tuyệt đối của tôi là The Magnificent Fel Belt, từ album thứ ba của họ Wilder Mind. Bài hát được viết bởi các thành viên ban nhạc Ben Lovett, Winston Marshall và Ted Dwane, người đứng đầu Minus Marcus Mumford, và là một sự khởi đầu từ âm thanh rock dân gian thông thường của họ. Đối với nó và phần còn lại của tâm trí hoang dã, họ đã từ bỏ các nhạc cụ acoustic đặc trưng của họ (như banjo và bass thẳng đứng) cho các nhạc cụ điện và thêm một tay trống phiên để điền vào phần nhịp điệu của họ. Kết quả là một bài hát đầy kịch tính, càn quét, được xây dựng thành phạm vi gần như sử thi, khiến tôi bị che phủ bởi những kẻ nổi da gà. Lời bài hát nói lên sự phản bội trong một mối quan hệ, với Mumford khóc lóc một cách say mê, tôi không biết nếu tôi tin, tất cả những gì bạn đang cố gắng nói với tôi. Nếu bài hát này không di chuyển bạn, bạn đã chết.
British folk rock band Mumford & Sons have been putting out consistently great music for over ten years, beginning with their debut album Sigh No More. I love many of their songs, but my absolute favorite is the magnificent “Believe”, from their third album Wilder Mind. The song was written by band members Ben Lovett, Winston Marshall and Ted Dwane, minus front man Marcus Mumford, and is a departure from their usual acoustic folk rock sound. For it and the rest of Wilder Mind, they abandoned their signature acoustic instruments (such as banjo and upright bass) for electric ones and added a session drummer to fill out their rhythm section. The result is a dramatic, sweeping song that builds to near-epic in scope, leaving me covered with goosebumps. The lyrics speak to betrayal in a relationship, with Mumford passionately crying “I don’t even know if I believe, everything you’re trying to say to me.” If this song doesn’t move you, you’re dead.

https://www.youtube.com/watch?v=dW6SkvErFEE

54. Giai điệu đường cao tốc - Greta van Fleetgreta Van Fleet theo nghĩa đen đã thổi vào sân khấu âm nhạc vào năm 2017 như một quả bom nguyên tử với giai điệu đường cao tốc. 'Wow, chỉ là wow!' Là phản ứng của tôi-và hầu hết những người khác-khi lần đầu tiên nghe thấy tiếng Anh nổ này từ bộ tứ trẻ tuổi Michigan (mặc dù họ đã chia sẻ những kẻ gièm pha đã loại bỏ chúng như một vỏ bọc Led Zeppelin giá rẻ ban nhạc, người mà tôi nói hãy tự làm mình!). Hạm đội Greta Van bao gồm ba anh em Kiszka Josh, Jake và Sam (Josh và Jake là cặp song sinh), và tay trống Daniel Wagner, tất cả đều ở tuổi thiếu niên hoặc tuổi đôi mươi khi họ thu âm bài hát. Bất chấp tuổi trẻ của họ, những người này là những nhạc sĩ có tay nghề cao, và giọng ca chính Josh - một anh chàng nhỏ bé với giọng nói bluesy khổng lồ - nghe có vẻ không bình tĩnh giống như một nhà máy Robert trẻ tuổi.
Greta Van Fleet literally blasted onto the music scene in 2017 like an atom bomb with “Highway Tune.” ‘Wow, just wow!’ was my – and most everyone else’s – reaction upon first hearing this explosive head-banger from the young Michigan foursome (though they’ve had their share of detractors who’ve dismissed them as a cheap Led Zeppelin cover band, to whom I say go fuck yourselves!). Greta Van Fleet consists of the three Kiszka brothers Josh, Jake and Sam (Josh and Jake are twins), and drummer Danny Wagner, all of whom were in their late teens or early twenties when they recorded the song. Despite their youth, these guys are highly skilled musicians, and lead vocalist Josh – a diminutive guy with a gargantuan bluesy voice – sounds disarmingly like a young Robert Plant.

https://www.youtube.com/watch?v=aJg4OJxp-co

53. Với giọng nói bass-baritone thô thiển của mình, anh ấy say mê hát những người yếu đuối của con người, và anh ấy không phải là một vị thánh hay một con quỷ. Bài hát được phát hành vào tháng 7 năm 2016, nhưng không lập biểu đồ ở Hoa Kỳ cho đến đầu năm 2017. Nó đạt số 1 ở nhiều quốc gia, bao gồm Áo, Bỉ, Đức, Hy Lạp, Ba Lan và Slovakia, cũng như thay thế và người lớn thay thế của Billboard và người lớn biểu đồ. Thật đáng kinh ngạc, nó chỉ đạt đến #74 trên Billboard Hot 100, một bảng xếp hạng mà cá nhân tôi hiện thấy phần lớn không liên quan.
A powerfully moving song with a gospel feel, “Human” was a huge, breakout hit for British singer/songwriter Rag’n’Bone Man (born Rory Charles Graham). With his raw bass-baritone voice, he passionately sings of having human frailties, and that he’s neither a saint nor a demon. The song was released in July 2016, but didn’t chart in the U.S. until early 2017. It reached #1 in many countries, including Austria, Belgium, Germany, Greece, Poland and Slovakia, as well as the Billboard Alternative and Adult Alternative charts. Shockingly, it peaked at only #74 on the Billboard Hot 100, a chart I personally now find largely irrelevant.

https://www.youtube.com/watch?v=L3wKzyIN1yk

52. RENEGADES – X Ambassadors
“Renegades” is a beautiful song of inspiration from Ithaca, New York-based rock band X Ambassadors. The song was already in the process of being written by the band when their label Interscope Records was approached by Jeep, who wanted a song to promote their new Jeep Renegade SUV. The band and label delivered the song within a few days, and it was simultaneously released as a single. The lyrics speak to courage and perseverance in living one’s life, which not only satisfied Jeep’s goal of having a song that would appeal to young people’s sense of freedom and exploration, but also had personal meaning for the band, as one of its members Casey Harris was blind since birth. The video that was later produced for the song shows several people with disabilities working to overcome their challenges. Musically, the song starts off with a tender acoustic guitar riff that slowly builds, then a thumping drumbeat ensues along with swirling keyboard synths as singer Sam Harris fervently sings “Long live the pioneers, rebels and mutineers, go forth and have no fear, come close and lend an ear.” The band’s soaring choruses at the end give me goosebumps.

https://youtu.be/1u-niluB8HI

51. ALL THE STARS – Kendrick Lamar and SZA
The gorgeous “All the Stars” by acclaimed songwriter and rapper Kendrick Lamar and singer-songwriter SZA is one of many outstanding songs featured on the soundtrack for the hit superhero film Black Panther.  A stylistic departure for Lamar, the song is highly melodic, with vibrant sweeping synths and orchestration, set to a thumping drumbeat. His vocals are mesmerizing and powerful as he sings the biting lyrics about duplicity and betrayal, while SZA captivates with her bewitching soulful vocals. She passionately sings about her inability to resist another’s charms despite the fact he’s no good for her, always putting her faith in love and the stars.  The song received much critical praise, but also a few withering reviews. Most critics and fans much prefer Lamar’s edgier rap songs like “Alright” and “HUMBLE” for their artistic innovation and how they speak to issues in the Black community (which I certainly appreciate), however, I’m more drawn to this type of beautiful and melodic song. Sheldon Pearce of Pitchfork called it “generic and so nondescript that it reeks of compromise, devoid of personality or any true vision, and pales in comparison to both Lamar and SZA’s recent works“.  Screw him, I love it! The lush and colorful video is visually stunning, and one of the best of the year.

50. BREAKEVEN – The Script
The beautiful “Breakeven” from Irish alternative rock band The Script is one of the most poignant songs on this list. From their self-titled debut album The Script, the song was actually released as a single in late November 2008, and quickly became a hit in Ireland and the UK, but didn’t appear on the U.S. charts until a year later. It eventually peaked at #13 on the Billboard Hot 100 and #1 on the Adult Top 40 charts in May 2010, and is one of my favorite songs of that year. The song is about how the breakup of a relationship can affect each of the two parties involved quite differently, leaving one feeling free while the other is heartbroken, and unable to move on: “I’m still alive but I’m barely breathing. Just prayed to a God that I don’t believe in. ‘Cause I got time while she got freedom. ‘Cause when a heart breaks, no, it don’t break even.” The chiming guitar work, snappy drums and sparkling keyboards provide a dramatic backdrop for lead singer Danny O’Donoghue’s heartfelt vocals, which beautifully convey the terrible sadness and pain one feels after a breakup: “What am I gonna do when the best part of me was always you? And what am I supposed to say when I’m all choked up and you’re OK? I’m falling to pieces..“

https://youtu.be/MzCLLHscMOw

49. SHUT UP AND DANCE – WALK THE MOON
Pop-rock band WALK THE MOON scored big in 2015 with their wonderful sleeper hit “Shut Up and Dance”.  From their second album Talking is Hard, the song first appeared on the Billboard Hot 100 in late November 2014, then fell off after only two weeks, only to re-enter a week later. From there, it slowly climbed the chart, ultimately peaking at #5, but spent many weeks at #1 on the Alternative and Hot Rock charts. Band front man Nicholas Petricca was inspired to write the song after an experience at a nightclub in Echo Park, Los Angeles. The place was packed and it was taking forever to get a drink, and he was frustrated because he wanted to dance to the great music that was playing. His girlfriend basically told him to stop complaining and dance with her, inspiring the title “Shut Up and Dance’.  He envisioned the song “as an anthem for letting go of frustration and having fun”, and set the lyrics to a jubilant, catchy-as-hell dance beat, embellished with rolling riffs of jangly guitar, jazzy synths and thumping drums. The endearing video portrays Petricca as, in his own words, “an incredibly uncomfortable, awkward adolescent dude” at a bar, trying to look cool.

https://youtu.be/6JCLY0Rlx6Q

48. Xử lý mọi thứ nghe có vẻ chính thống hoặc công thức nhỏ nhất.) & NBSP; Một bầu trời đầy những ngôi sao đã được đồng sáng tác và được đồng sản xuất bởi Avicii quá cố, trong đó chiếm ưu thế cho Piano và EDM do synth và âm thanh ngôi nhà tiến bộ. Bài hát là một lễ kỷ niệm tưng bừng của một người mà tình yêu của họ tỏa sáng hơn các vì sao. Một chút buồn bã, vâng, nhưng thật tuyệt vời và phấn khích đến nỗi tôi có thể giúp đỡ nhưng yêu nó!
Coldplay are back with the beautiful, uplifting song “A Sky Full of Stars”, from their sixth album Ghost Stories (which received mostly positive reviews, other than from the aptly-named Pitchfork, which tends to skewer everything that sounds the slightest bit mainstream or formula.)  “A Sky Full of Stars” was co-written and co-produced by the late Avicii, which accounts for its sweeping piano and synth-driven EDM and progressive house sound. The song is a jubilant celebration of someone for whom their love shines brighter than the stars. A bit sappy, yes, but so darn pretty and exhilarating that I can’t help but love it!

https://www.youtube.com/watch?v=VPRjCeoBqrI

47. Seasons (Chờ đợi trên bạn)-Quần đảo tương lai phát hành ba album phòng thu và lưu diễn gần như không ngừng nghỉ trong nhiều năm, ban nhạc synth-pop của Mỹ trong tương lai vẫn chưa được biết đến kể từ khi hình thành ở Bắc Carolina vào năm 2006. Tất cả đã thay đổi vào năm 2014 với bản phát hành Trong album thứ tư tuyệt vời của họ, đặc biệt là đĩa đơn đột phá SEASONS (chờ đợi trên bạn), và màn trình diễn hấp dẫn của họ trong chương trình muộn với David Letterman vào tháng 3 năm 2014, đã trở thành video được xem nhiều nhất của chương trình. Ca sĩ chính Samuel T. Herring, người thực sự bắt đầu như một rapper, là một người yêu thích nghệ thuật trình diễn trọn đời. Những màn trình diễn trên sân khấu của anh ấy được đặc trưng bởi các phong trào khiêu vũ công phu và hoạt hình của anh ấy và giọng hát thô thiển, hung hăng, và anh ấy thực sự sở hữu sân khấu khi anh ấy biểu diễn. Anh ta cũng có Phù Phù, một tình trạng liên quan đến sưng các hợp âm có tiếng nói đã khiến anh ta phải bù đắp cho thực tế rằng anh ta không còn có thể đánh một số nốt nhất định bằng gầm gừ, hiện là một phần của phong cách thanh nhạc đặc trưng của anh ta. Trong một cuộc phỏng vấn với lập thể, cá trích quy cho tình trạng của anh ta với bốn nguyên nhân: trào ngược axit, hút thuốc, nói quá nhiều hoặc lạm dụng dây thanh âm, và sau đó lạm dụng các dây thanh âm mãn tính, đó là cách tôi hát. Bây giờ có trụ sở tại Baltimore, Maryland, các hòn đảo tương lai từ lâu đã bị từ chối bị gọi là synth-pop, thay vào đó gọi âm nhạc của họ là sau sóng, một sự kết hợp của chủ nghĩa lãng mạn của làn sóng mới với sức mạnh và ổ đĩa của hậu-punk. Phần mùa (chờ đợi bạn) là một bài hát tuyệt vời, gần như đau lòng về việc cuối cùng đã từ bỏ việc cố gắng giành được tình yêu của người khác, và Herring khiến chúng tôi tin rằng từng lời anh ấy hát. Bài hát được đặt tên là bài hát hay nhất năm 2014 bởi NME, Pitchfork và Spin.
Despite releasing three studio albums and touring almost non-stop for years, American synth-pop band Future Islands remained relatively unknown since forming in North Carolina in 2006. That all changed in 2014 with the release of their superb fourth album Singles, particularly the breakthrough single “Seasons (Waiting on You)”, and their riveting performance on The Late Show with David Letterman in March 2014, which became the show’s most-viewed video. Lead singer Samuel T. Herring, who actually started out as a rapper, is a lifelong lover of performance art. His on-stage performances are characterized by his elaborate and animated dance movements and raw, aggressive vocals, and he literally owns the stage when he performs. He also has Reinke’s edema, a condition involving swelling of the vocal chords that has caused him to compensate for the fact that he can no longer hit certain notes by growling, which is now part of his signature vocal style. In an interview with Stereogum, Herring attributed his condition to four causes: “Acid reflux, smoking, talking too much or overuse of the vocal cords, and then chronic misuse of the vocal cords … which is how I sing.” Now based in Baltimore, Maryland, Future Islands has long rejected being called synth-pop, instead calling their music “post-wave”, a combination of the romanticism of new wave with the power and drive of post-punk. “Seasons (Waiting on You)” is a stunning, almost heartbreaking song about finally giving up on trying to win the love of another, and Herring makes us believe every word he sings. The song was named best track of 2014 by NME, Pitchfork and Spin.

46. Từ album thứ tư tuyệt vời của họ What Weed Down, Núi Núi At My Gates, là một bài hát kịch tính tuyệt đẹp về sự kiên trì, và vượt qua những trở ngại của cuộc sống. Ca sĩ chính Yannis Philippakis có một giọng hát tuyệt vời và có thể nhận dạng ngay lập tức mà Smolders, Wails và Soars. Bài hát mạnh mẽ xây dựng đến một sự khởi sắc cao trào khiến tôi ớn lạnh.
British alternative rock band Foals rank among my favorite bands and I passionately love their distinctly unique sound. From their magnificent fourth album What Went Down, “Mountain At My Gates” is a gorgeous dramatic anthem about perseverance, and overcoming life’s obstacles. Lead vocalist Yannis Philippakis has an amazing and instantly identifiable singing voice that smolders, wails and soars. The powerful song builds to a climactic flourish that gives me chills every time.

https://www.youtube.com/watch?v=l_EIE5f2t6M

45. Pompeii-Bastille & nbsp; & nbsp; ban nhạc pop/rock thay thế của Anh Bastille bắt đầu ở Leeds vào năm 2010 với tư cách là một dự án solo của ca sĩ-nhạc sĩ Dan Smith, người đã đặt tên cho dự án của anh ấy sau ngày lễ của Pháp được tổ chức vào ngày sinh nhật ngày 14 tháng 7. Bastille Sau đó, phát triển thành bốn mảnh, phát hành một EP Laura Palmer, với các bài hát mà Dan đã viết trước đây. Tháng 12 năm đó, họ đã ký hợp đồng với Virgin Records, và bắt đầu ghi âm và phát hành một loạt các đĩa đơn sẽ trở thành một phần trong album đầu tay của họ Bad Blood, đã giảm vào tháng 3 năm 2013. . Smith đã viết bài hát vào năm 2010 khi còn là một sinh viên, sau khi đọc về sự phun trào của Núi Vesuvius và sự hủy diệt của Pompeii. Nó làm cho anh ta nghĩ về tất cả những người đã diệt vong mãi mãi bị đóng băng trong thời gian. Sau đó, anh ta nói với tờ Daily Telegraph rằng anh ta tưởng tượng những gì cư dân đã chết đó có thể nói với nhau, và giải thích bài hát có nghĩa là về cơ bản là về nỗi sợ bị ứ đọng và buồn chán. Là một người khá nhút nhát, tự giác, tôi sợ cuộc sống của tôi có thể bị mắc kẹt. Càng Pompeii, rất đẹp, ngay lập tức thu hút sự chú ý của chúng tôi với bài thánh ca mở đầu đáng ngại của & nbsp; Càng EH, Eheu, Eheu, (Eheu, là tiếng Latin cho Alas, đó là một câu cảm thán về đau buồn, đau đớn hoặc sợ hãi) mà Lôi lặp đi lặp lại trên đường đua, kết thúc khi nó bắt đầu. Đoạn video hấp dẫn cho thấy Smith điên cuồng lang thang về một chiếc Los Angeles trông trống rỗng vào ban đêm, phát hiện ra một vài người mà anh ta gặp đều có đôi mắt đen không tự nhiên giống với vẻ ngoài của những người bị hóa đá của những người đã chết ở Pompeii. Anh ta đánh cắp một chiếc xe hơi và chạy trốn xuống sa mạc để cố gắng trốn thoát, nhưng chiếc xe bị hỏng. Sáng hôm sau, trong một cảnh được quay bên cạnh sông Whitewater ở North Palm Springs không xa nơi tôi sống, anh ta nhận ra anh ta cũng bị nhiễm bệnh. Trong cảnh cuối cùng, anh ấy trên đỉnh Mt. San Jacinto nhìn ra khung cảnh, sau đó quay lại để lộ đôi mắt của mình đã chuyển sang màu đen.
British alternative pop/rock band Bastille started out in Leeds in 2010 as a solo project of singer-songwriter Dan Smith, who named his project after the French holiday that’s celebrated on his birthday of July 14. Bastille later grew into a four-piece, releasing an EP Laura Palmer, featuring songs Dan had previously written. That December, they signed with Virgin Records, and began recording and releasing a series of singles that would become part of their debut album Bad Blood, which dropped in March 2013. One of those singles, “Pompeii”, would catapult Bastille to international fame. Smith wrote the song in 2010 while still a student, after reading about the eruption of Mount Vesuvius and the destruction of Pompeii. It made him think about all those who perished being forever frozen in time. He later told The Daily Telegraph that he imagined what those dead inhabitants might have to say to one another, and explained the song’s meaning “It is essentially about fear of stasis and boredom. Being quite a shy, self-conscious person, I was afraid my life might get stuck.” “Pompeii” is darkly beautiful, immediately grabbing our attention with its ominous opening chant of  “Eh, eheu, eheu…” (“eheu” is Latin for alas, which is an exclamation of grief, pain, or fear) that’s repeated throughout the track, ending as it started. The fascinating video shows Smith frantically wandering about an empty-looking Los Angeles at night, discovering the few people he encounters all have unnatural vacant black eyes that resemble the looks of the petrified remains of those who perished in Pompeii. He steals a car and flees to the desert to try and escape, but the car breaks down. The next morning, in a scene filmed next to the Whitewater River in north Palm Springs not far from where I live, he realizes he’s been infected too. In the final scene, he’s atop Mt. San Jacinto looking out at the view, then turns around to reveal his own eyes have turned black.

44. Bad Guy-Billie Eilish2019 là một năm lớn đối với ca sĩ kiêm nhạc sĩ trẻ tuổi có trụ sở tại Los Angeles, Billie Eilish (tên sinh của cô là Billie Eilish Pirate Baird O hèConnell). Với thành công về mặt thiên thạch của album đầu tay đột phá của cô ấy khi tất cả chúng ta đều ngủ, chúng ta sẽ đi đâu ?, Một trong những album bán chạy nhất năm 2019, cô ấy đã trở thành một siêu sao. Tôi đã bị thổi bay bởi màn trình diễn hấp dẫn của cô ấy tại Lễ hội âm nhạc Coachella 2019, khi cô ấy chỉ mới 17 tuổi. Anh chàng xấu của người Hồi giáo đã đạt được số 1 trên nhiều bảng xếp hạng âm nhạc ở Hoa Kỳ & NBSP; và trên khắp thế giới, bao gồm Úc, Canada, Mexico, Hy Lạp, Hungary, Na Uy và Cộng hòa Séc. Về mặt thực tế, bài hát có một giai điệu điều khiển bass tối giản bất thường, kéo chúng ta thành một âm thanh đáng ngại, đáng ngại. Eilish sườn bị cắt xén, giọng hát thở có chất lượng quyến rũ, gần như đe dọa khi cô hát những lời bài hát khiêu khích có vẻ như những năm tháng dịu dàng của cô, nhưng cô khiến chúng trở nên đáng tin. Tôi đã loại xấu. Làm cho mẹ của bạn buồn. Làm cho bạn gái của bạn trở nên căng thẳng. Có thể quyến rũ kiểu bố của bạn. Tôi là kẻ xấu, duh. Nó rất xuất sắc!
2019 was a huge year for the insanely talented young Los Angeles-based singer-songwriter Billie Eilish (her full birth name is Billie Eilish Pirate Baird O’Connell). With the meteoric success of her ground-breaking debut album When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, one of the biggest-selling albums of 2019, she became a superstar. I was blown away by her riveting performance at the 2019 Coachella Music Festival, when she was only 17 years old. “Bad Guy” reached #1 on numerous music charts in the U.S.  and around the world, including Australia, Canada, Mexico, Greece, Hungary, Norway and the Czech Republic. Musically, the song has an unusual minimalist bass-driven melody that pulls us headlong into a thumping, ominous soundscape. Eilish’s clipped, breathy vocals have a seductive, almost menacing quality as she sings the provocative lyrics that seem beyond her tender years, yet she makes them believable. “I’m that bad type. Make your mama sad type. Make your girlfriend mad tight. Might seduce your dad type. I’m the bad guy, duh.” It’s brilliant!

https://youtu.be/DyDfgMOUjCI

43. Happy - Pharrell Williamspharrell Williams là một ca sĩ, rapper, nhạc sĩ, nhà sản xuất thu âm và nhà thiết kế thời trang, với sự nghiệp thành công như một nghệ sĩ solo, một phần của bộ đôi sản xuất kỷ lục The Neptunes (với Chad Hugo), ca sĩ chính của Ban nhạc rock/hip hop N.E.R.D., và cộng tác viên thường xuyên với nhiều nghệ sĩ. Vào cuối năm 2013, sau những bản hit hợp tác quái vật của anh ấy, Get Get Lucky (với Daft Punk) và dòng Blurred Lines (với Robin Thicke), Pharrell đã phát hành Happy Happy. Một trong năm bài hát mà anh ấy đã viết cho nhạc phim Despossible Me 2, ban đầu Happy Happy được dự định sẽ được hát bởi Ceelo Green, người mà Pharrell thực sự nghĩ là tốt hơn anh ấy. Tuy nhiên, nhãn hiệu Green, Elektra Records đã quyết định chống lại nó, khi anh chuẩn bị phát hành album Giáng sinh của mình, vì vậy bản thu âm của Pharrell đã được sử dụng cho nhạc phim và được phát hành như một đĩa đơn, và sau đó cũng được đưa vào album cô gái của anh. & NBSP; Bài hát hấp dẫn không thể cưỡng lại đã trở thành & NBSP; Video dài 24 giờ của Happy Happy, bao gồm bài hát được lặp đi lặp lại nhiều lần, với cảnh quay của nhiều người nhảy múa và bắt chước bài hát trên đường phố và công viên xung quanh Los Angeles. Một video chỉnh sửa dài bốn phút chính thức cũng đã được phát hành, và đã được xem hơn 1 tỷ lần. Bài hát đã được đề cử cho một giải Oscar cho bài hát hay nhất, nhưng đã thua cuộc cho Let Let It Go từ Frozen.
Pharrell Williams is a renowned and prolific singer, rapper, songwriter, record producer and fashion designer, with a successful career as a solo artist, part of the record production duo The Neptunes (with Chad Hugo), lead singer of rock/hip hop band N.E.R.D., and frequent collaborator with numerous artists. In late 2013, on the heels of his monster collaborative hits “Get Lucky” (with Daft Punk) and “Blurred Lines” (with Robin Thicke), Pharrell released “Happy”. One of five tracks he wrote for the Despicable Me 2 film soundtrack, “Happy” was originally intended to be sung by CeeLo Green, whose version Pharrell actually thought was better than his. However, Green’s label Elektra Records decided against it, as he was about to release his Christmas album, so Pharrell’s recording was used for the film soundtrack and released as a single instead, and also later included on his album Girl.  The irresistibly catchy song became a massive worldwide hit, reaching #1 in over 30 countries, and was the #1 song of 2014 on the Billboard Hot 100. To coincide with the single release, the website 24hoursofhappy.com was launched, featuring a 24-hour long video of “Happy” consisting of the song repeated multiple times, with footage of various people dancing and miming along to the song on streets and parks around Los Angeles. An official four-minute long edited video was also released, and has been viewed over 1 billion times. The song was nominated for an Academy Award for Best Song, but lost to “Let it Go” from Frozen.

42. Phóng xạ - Tưởng tượng Dragonssince phát hành đĩa đơn đột phá của họ vào năm 2012, Imagy Dragons đã phát triển để trở thành một trong những bản nhạc lớn nhất và thành công nhất thế giới, bán được hơn 35 triệu đĩa đơn ở Hoa Kỳ và 20 triệu album Trên toàn thế giới (RIAA). Đội ngũ Radioactive là đĩa đơn thứ hai của họ, và được đưa vào EP tiếp tục im lặng và sau đó trong album đầu tay của họ Night Visions. Nó là một bài hát rock điện tử thay thế mạnh mẽ với nhịp đập Dubstep đang bùng nổ, vô số sự biến dạng và các điệp khúc tăng vọt kịch tính tạo nên một sự lắng nghe mãnh liệt và thú vị. Lời bài hát đen tối tham khảo các chủ đề khải huyền và cách mạng, mặc dù người đứng đầu ban nhạc Dan Reynold nói với Rolling Stone rằng nó về cơ bản về cuộc đấu tranh của tôi với sự lo lắng và trầm cảm. Nó nói về việc trở nên tự trao quyền và tăng lên trên đó. Tôi muốn viết một bài hát nam tính và nguyên thủy về sự kết hợp và tăng lên trên sự yếu đuối của con người.
Since the release of their breakout single “It’s Time” in 2012, Imagine Dragons has grown to become one of the biggest and most successful music acts in the world, selling over 35 million singles in the U.S. and 20 million albums worldwide (RIAA). “Radioactive” was their second single, and was included on their EP Continued Silence and later on their debut album Night Visions. It’s a powerful alternative electronic rock song with booming dubstep beats, loads of distortion, and dramatic soaring choruses that make for an intense and exciting listen. The dark lyrics reference apocalyptic and revolutionist themes, though band front man Dan Reynolds told Rolling Stone that it’s “basically about my struggle with anxiety and depression. It’s about becoming self-empowered and rising above that. I wanted to write a masculine and primal song about conjuring and rising above human weakness.”

https://www.youtube.com/watch?v=ktvTqknDobU

41. Bài hát xuất sắc của anh ấy là This Is America America sử dụng sự pha trộn xen kẽ của những giai điệu lấy cảm hứng từ người châu Phi và nhịp đập bẫy hông hông và kết hợp chúng với lời bài hát khiêu khích nhằm giải quyết các vấn đề về phân biệt chủng tộc, sự tàn bạo của cảnh sát và bạo lực súng đạn ở Mỹ. Nó có giọng hát nền của rapper Young Thug (người cũng đồng sáng tác bài hát), Slim JXMMI, Blocboy, JB, Quavo (của nhóm Migos) và 21 Savage. Video đồng hành cho bài hát, do Hiro Murai đạo diễn, đã lái xe về nhà thông điệp lời bài hát với hình ảnh hình ảnh gây sốc và thường xuyên đáng lo ngại. Được phát hành trên YouTube đồng thời với màn trình diễn của bài hát Gambino trên Saturday Night Live vào ngày 5 tháng 5 năm 2018, video nhanh chóng lan truyền, nhận được 12,9 triệu lượt xem trong 24 giờ đầu tiên. Khi tôi viết điều này, nó đã được xem hơn 630 triệu lần. Vào tháng 2 năm 2019, bài hát đã giành được giải thưởng Grammy cho Records of the Year, Song of the Year, Best Rap/Sung biểu diễn và video âm nhạc hay nhất.
Childish Gambino is the artistic name for the music project of the multi-faceted and incredibly talented actor, writer, director, producer, singer-songwriter and rapper Donald Glover. His brilliant song “This is America” uses an alternating mix of African-folk inspired melodies and pulsating hip hop-driven trap beats and pairs them with provocative lyrics that address issues of racism, police brutality and gun violence in America. It features background vocals by rappers Young Thug (who also co-wrote the song), Slim Jxmmi, BlocBoy, JB, Quavo (of the group Migos), and 21 Savage. The companion video for the song, directed by Hiro Murai, drove home the lyrics’ message with shocking and often disturbing visual imagery. Released on YouTube simultaneously with Gambino’s performance of the song on Saturday Night Live on May 5, 2018, the video quickly went viral, receiving 12.9 million views in the first 24 hours. As I write this, it’s been viewed over 630 million times. In February 2019, the song won Grammy Awards for Record of the Year, Song of the Year, Best Rap/Sung Performance, and Best Music Video.

40. BAD ROMANCE – Lady Gaga
From a bad guy to a bad romance, the business of love can be a hazardous minefield. At the dawn of the 2010s, Lady Gaga (born Stefani Joanne Angelina Germanotta) was already an international star, thanks to the success of her debut album The Fame, which launched her career like a shot from a cannon. Two singles from the album – “Just Dance” and “Poker Face” were both huge worldwide hits, topping the charts in the U.S. and many countries. In late 2009, she followed up with Fame Monster, released as both a stand-alone EP and as a deluxe reissue of The Fame, which included two discs, one consisting of the eight new tracks, and the other consisting of the original tracks from The Fame. One of the new tracks was “Bad Romance”, which I think is her best song ever. The melody and song structure are interesting and fairly complex, featuring elements of German-esque house and techno that Gaga described as being experimental pop. The lyrics address aspects of a bad relationship and her poor choice in men, specifically, of being attracted to men with whom romance never works, and falling in love with your best friend. In an MTV interview, she stated that in the verse, “I want your psycho, your vertigo shtick, Want you in my rear window, baby, you’re sick“, she used Alfred Hitchcock film titles to express that she wanted “the deepest, darkest, sickest parts of you that you are afraid to share with anyone because I love you that much.” The stylish and surreal video for “Bad Romance” has garnered 1.15 billion views.

https://youtu.be/qrO4YZeyl0I

39. THE MAN – The Killers
I’m a huge fan of The Killers, and I love their deliciously bombastic single “The Man,” from their fifth studio album Wonderful, Wonderful. Though it received mixed reviews from critics and bloggers, I think it’s terrific, and it spent five weeks at #1 on my own personal music chart. The song revs up at the beginning, then explodes into a pounding dance beat courtesy of Ronnie Vannucci’s power drums. Throw in a sturdy bass line, sweeping synths and Brandon Flowers’ soaring tenor vocals, and you’ve got a fun, exhilarating track. I also love when Flowers pays homage to David Bowie late in the song with the line “headed for the hall of…FAME!”. Vannucci has stated that the song was basically about how a lot of men feel invincible when they’re younger: “Sort of your chest out, the breadwinner, nothing could stop you… It’s sort of tongue-and-cheeking that, how that is not really the point of being a man at all. It’s actually more about compassion and empathy.” The fantastically entertaining video shows Flowers playing several different arrogant characters who are full of themselves, all thinking they’re ‘the man’.

38. CAN’T HOLD US – Macklemore & Ryan Lewis featuring Ray Dalton
On the heels of their worldwide smash hit “Thrift Shop”, Seattle hip hop duo Macklemore & Ryan Lewis hit the jackpot again with their follow-up single “Can’t Hold Us”, although it took a while for the song to catch hold. The single was first released in August 2011, but didn’t gain much traction or airplay until after the release of their debut album The Heist more than a year later. The song entered the Billboard Hot 100 in early 2013, and reached #1 that May. Featuring guest vocals by R&B singer Ray Dalton, “Can’t Hold Us” is a wonderful celebratory anthem of hope and perseverance. Macklemore freestyles the lyrics about overcoming naysayers and fighting onward in the pursuit of his dreams with a flow that’s truly impressive: “Chasing dreams since I was fourteen with the four-track, bussing halfway cross that city with the backpack / Fat cat, crushing labels out here, nah, they can’t tell me nothing. / We give that to the people, spread it across the country.” Dalton sings the hook “Can we go back, this is the moment / Tonight is the night, we’ll fight ’til it’s over /So we put our hands up like the ceiling can’t hold us / Like the ceiling can’t hold us.” Musically, the song features an exuberant array of instruments, including piano, horns, strings, tambourine, guitar and drums, all accompanied by bold handclapping, foot-stomping, and a soaring gospel-like chorus that make for a truly uplifting and electrifying track. The video produced for the song is a mini saga, filmed in several locations around the globe.

https://www.youtube.com/watch?v=2zNSgSzhBfM

37. HEY, SOUL SISTER – Train
“Hey, Soul Sister” by San Francisco-based pop-rock band Train is a sweet, upbeat celebration of lust and love. From their fifth studio album Save Me, San Francisco, the song is their highest-charting and best-selling single. Band front man Pat Monahan teamed up with New York-based Norwegian songwriting and music production duo Espionage (consisting of Espen Lind and Amund Bjørklund, who wrote Beyoncé’s smash hit “Irreplaceable”, among others) to write “Hey, Soul Sister”.  Monahan told them he wanted the song to have an INXS vibe, and after they wrote the melody, he wrote the lyrics and started to sing the song, but wasn’t pleased. He later recalled: “Espen, who’s like a huge star in Norway, picked up a ukelele and said, ‘Hey, how about this?’ I said, ‘Are you kidding me?’ And it made the difference. It made my words dance. It made sense. These words were meant to dance with ukulele and not guitar.” (Wikipedia) The lyrics speak to being besotted with a woman, and singing her praises: “Hey soul sister, ain’t that Mr. Mister on the radio, stereo. The way you move ain’t fair you know. Hey soul sister, I don’t wanna miss a single thing you do tonight.“

https://youtu.be/kVpv8-5XWOI

36. COUNTING STARS – OneRepublic
I’ve been a big fan of pop-rock band OneRepublic since falling in love with their beautiful song “Apologize” in 2008, which ended up at #8 on my Top 100 Songs of the 2000s. Their fantastic song “Counting Stars”, from their third album Native, was a huge hit around the world, and my second-favorite of their many wonderful songs. The song has a powerful driving beat, with touches of soul, gospel and dance-pop that make for a colorful, exciting listen. Band front man Ryan Tedder wrote the song while staying in a house in the Hamptons being rented by Jay-Z and Beyonce, and said it’s about “laying in bed awake at night when you’re stressed out of your mind, thinking ‘How are we gonna make ends meet? How are we gonna pay the bills?’ You know, all those things you wanna do with your life – how are we gonna make them work? How’s this actually gonna happen or come to pass? So, instead of counting sheep, we’re counting stars.” The music video for the song shows the band performing in a dusty, decrepit building beneath a church service going on upstairs. As I write this in early January 2020, it has received nearly 2.9 billion views, and currently ranks as the 11th most-viewed video ever.

https://www.youtube.com/watch?v=hT_nvWreIhg

35. SAFE AND SOUND – Capital Cities
“Safe and Sound”, by Los Angeles-based indie pop duo Capital Cities, is another fun, upbeat song that brings me immense joy. Capital Cities is comprised of Sebu Simonian and Ryan Merchant, who seem like nice guys you’d want to have a beer with. They formed their music project in 2010, a few years after Merchant responded to a Craigslist ad by Simonian, who was looking for music production jobs. Their lineup includes other musicians who assist in the recording of their songs and for live performances. The song has a catchy synth-driven melody with an infectious dance beat, but the real highlight is the exuberant trumpet line that gives the track incredible energy and depth. The guys’ vocal harmonies are pretty great too. A sleeper hit, “Safe and Sound” was originally released in January 2011, but didn’t chart until 2013, when it was included on their debut album In a Tidal Wave of Mystery (the album title is from a lyric in the song). The song reached #1 on the Billboard Alternative chart that June, and was the #2 song of 2013 on that year-end chart. In a 2013, interview with USA Today, Simonian explained that “‘Safe and Sound’ is an ode to humanity and all living things. We want people to recognize that life can be good, things are getting better.” The wonderful official video, directed by Grady Hall, was filmed in the historic Los Angeles Theatre, and shows Capital Cities performing on stage as dancers emerge from pictures on the wall and film clips from different time periods in the theater’s history, and compete in a dance-off. It received a Grammy nomination for Best Music Video.

34. SET FIRE TO THE RAIN – Adele
British singer-songwriter Adele (born Adele Laurie Blue Adkins) first came to prominence in 2008 with her debut album 19 and hit single “Chasing Pavements”, for which she was awarded Grammy Awards for Best New Artist and Best Female Pop Vocal. In 2011, she released her second album 21, which became one of the biggest-selling albums of all time, setting numerous chart and sales records, and topping the album charts in the U.K., U.S., and around the world. It was the top-selling album in the world both in 2011 and 2012. As I write this, 21 has spent 445 weeks and counting on the Billboard 200 Album chart. The album’s third single “Set Fire to the Rain”, was also the third consecutive single to reach #1, and is one of my favorites of Adele’s many songs. The song was co-written and produced by Fraser T. Smith, and it’s a sweeping, piano-driven anthem, with the kind of lush orchestration that I love (though a few prickly critics called it ‘over-produced’ and a ‘misfire’, and to them I say fuck off!). The dramatic arrangement creates a cinematic wall of sound befitting Adele’s soaring, emotionally-charged vocals. The lyrics speak to the contradictions that occur in some relationships, how a partner can seem so wonderful at times, yet awful at others: “You and me together, nothing gets better. But there’s a side to you that I never knew, never knew. All the things you’d say, they were never true, never true. And the games you play, you would always win.”

https://youtu.be/Ri7-vnrJD3k

33. THE SYSTEM ONLY DREAMS IN TOTAL DARKNESS – The National
Ohio alternative folk-rock band The National have been putting out consistently good and well-received music for 20 years, and one of their finest works was their critically acclaimed and Grammy-winning seventh studio album Sleep Well Beast. The lead single from that album, “The System Only Dreams in Total Darkness” is a phenomenal track, and one of the best of 2017. The song opens with a dreamy a cappella female vocal, then lovely piano chords and gnarly guitars ensue, propelled by an urgent drumbeat as lead singer Matt Berninger sings in his stunning and heartfelt baritone vocals. Aaron Dessner delivers a blistering guitar solo in the bridge, giving the track a dramatic edge. I was shocked to learn this was the band’s very first single to ever appear on any airplay chart in the U.S., going all the way to #1 on the Billboard Adult Alternative chart.

https://youtu.be/2O6duDDkhis

32. Lớn lên như một Quaker Tin lành, giờ đây anh ta xác định là bất khả tri, và được truyền cảm hứng để viết bài hát bằng sự thất vọng của anh ta với Giáo hội Công giáo, mà anh ta coi là một lực lượng thống trị tiêu cực đối với đời sống xã hội và chính trị ở Ireland. Anh ấy nói với Rolling Stone, Lớn lên, tôi luôn thấy sự giả hình của Giáo hội Công giáo. Lịch sử nói lên điều đó và tôi trở nên vô cùng thất vọng và tức giận. (Là một cựu Công giáo, tôi hoàn toàn đồng ý.) Trong một cuộc phỏng vấn khác với tạp chí New York, ông tuyên bố: Tình dục và xu hướng tình dục là điều tự nhiên. Một hành động của tình dục là một trong những điều nhất của con người. Nhưng một tổ chức như Giáo hội, thông qua học thuyết của nó, sẽ làm suy yếu nhân loại bằng cách dạy thành công sự xấu hổ về xu hướng tình dục - rằng nó là tội lỗi, hoặc nó xúc phạm Chúa. Bài hát nói về việc khẳng định bản thân và đòi lại nhân tính của bạn thông qua một hành động của tình yêu.
The stunning, gospel-like “Take Me to Church” was the debut single by Irish singer-songwriter Hozier. Raised as a Protestant Quaker, he now identifies as agnostic, and was inspired to write the song by his frustration with the Catholic Church, which he saw as a negative dominant force on social and political life in Ireland. He told Rolling Stone, “Growing up, I always saw the hypocrisy of the Catholic church. The history speaks for itself and I grew incredibly frustrated and angry.” (As a former Catholic myself, I completely agree.) In another interview with New York magazine, he stated: “Sexuality, and sexual orientation…is just natural. An act of sex is one of the most human things. But an organization like the church, through its doctrine, would undermine humanity by successfully teaching shame about sexual orientation – that it is sinful, or that it offends God. The song is about asserting yourself and reclaiming your humanity through an act of love.“

Hozier sử dụng thuật ngữ tôn giáo trong lời bài hát để mô tả cảm giác ám ảnh lãng mạn và tình dục của anh ấy với người yêu, đồng thời lên án giáo điều của nhà thờ: Người yêu của tôi có sự hài hước. Cô ấy cười khúc khích trong một đám tang. Biết mọi người không tán thành. Tôi nên tôn thờ cô ấy sớm hơn. Nếu thiên đàng từng nói. Cô ấy là ống ngậm thực sự cuối cùng. Mỗi Chủ nhật, ngày càng ảm đạm. Một chất độc mới mỗi tuần. Chúng tôi sinh ra bị bệnh, bạn đã nghe họ nói điều đó. Nhà thờ của tôi không cung cấp tuyệt đối. Cô ấy nói với tôi, ‘thờ phượng trong phòng ngủ. Thiên đường duy nhất tôi sẽ được gửi đến là khi tôi một mình với bạn. Tôi sinh ra bị bệnh, nhưng tôi yêu nó. Ra lệnh cho tôi được khỏe mạnh. Amen, Amen, Amen. Đoạn video đen trắng đáng lo ngại được sản xuất cho bài hát kể về câu chuyện về mối quan hệ đồng tính ở Nga và phản ứng dữ dội của người đồng tính bạo lực xảy ra khi cộng đồng biết về một trong những người đàn ông tình dục.

https://youtu.be/PVjiKRfKpPI

31. Bài hát có âm nhạc của Daft Punk, người cùng với những người khác, đồng sáng tác bài hát với The Weeknd và hợp tác trong album. Đó là một bài hát R & B đầy tâm trạng, nhưng đẹp với các yếu tố điện tử, và nói về những cái bẫy khác nhau của cuộc sống người nổi tiếng, bao gồm các tài liệu tham khảo về một số chiếc xe đắt tiền thuộc sở hữu của The Weeknd, bao gồm cả McLaren P1, Lamborghini Aventador SV Roadster và một Bentley Mulsanne . Video tối và khá bạo lực, được chỉ đạo bởi Grant Singer, người cũng đã chỉ đạo các video cho không thể cảm nhận được khuôn mặt của tôi và những ngọn đồi, đã được mô tả là nỗ lực của tuần để giết người trước đây, một dấu hiệu có lẽ Rằng anh ấy đã tái tạo bản thân với bài hát và album mới của mình. Nó cho thấy một nhân vật đeo mặt nạ, cuối cùng được tiết lộ là hóa thân của ngôi sao của The Weeknd, giết chết bản thân trước đây của anh ta, và phá hủy các áp phích và giải thưởng cho album trước đây của anh ta làm đẹp đằng sau The Madness.
The second song by The Weeknd on this list, “Starboy” was the title single from his third album of the same name. The song features music by Daft Punk, who along with others, co-wrote the track with The Weeknd and collaborated on the album. It’s a moody, but beautiful R&B song with electro-pop elements, and speaks to various trappings of celebrity life, including references to some of the expensive cars owned by The Weeknd, including his McLaren P1, Lamborghini Aventador SV Roadster, and a Bentley Mulsanne. The dark and rather violent video, which was directed by Grant Singer, who also directed the videos for “Can’t Feel My Face” and “The Hills”, has been described as The Weeknd’s attempt to murder his former persona, a sign perhaps that he was reinventing himself with his new song and album. It shows a masked figure, eventually revealed to be the Starboy incarnation of The Weeknd, killing his former self, and destroying posters and awards for his previous album Beauty Behind the Madness.

30. Ca khúc chủ đề từ album phòng thu thứ năm của họ, Social Cues, bài hát này hiện được xếp hạng trong số các bài hát yêu thích hàng đầu của tôi trong nhiều bài hát của họ. Nhịp độ bouncy rất hấp dẫn, và những synth chirpy đó không thể cưỡng lại, nhưng điều tôi yêu thích nhất là giọng hát tuyệt vời của Matt Shultz, luôn luôn nghe rất thật. Lời bài hát khá sâu sắc nói lên những lo lắng và bất an khi trở thành một ngôi sao nhạc rock: Hồi giấu tôi ở phòng sau, hãy nói cho tôi biết khi nó kết thúc. Don Tiết biết nếu tôi có thể chơi phần này lâu hơn nữa. Tôi không biết nếu đúng khi sống theo cách này, yeah. Tôi sẽ ở trong phòng sau, nói với tôi khi nó kết thúc. Mọi người luôn nói, ‘Người đàn ông, ít nhất là bạn trên đài phát thanh. Các bài hát sản xuất và sắp xếp là hoàn hảo.
Cage the Elephant are one of my favorite bands of the past decade, with a long string of consistently great singles. The title track from their fifth studio album Social Cues, this song now ranks among my top favorites of their many songs. The bouncy tempo is incredibly catchy, and those chirpy synths are irresistible, but what I love most of all are Matt Shultz’s wonderful vocals that always sound so genuine. The rather poignant lyrics speak to the anxieties and insecurities of being a rock star: “Hide me in the back room, tell me when it’s over. Don’t know if I can play this part much longer. I don’t know if it is right to live this way, yeah. I’ll be in the back room, tell me when it’s over. People always say, ‘Man, at least you’re on the radio’.” The song’s production and arrangement are flawless.

https://www.youtube.com/watch?v=2gR9LAI6rZQ

29. & nbsp; Tin xấu Bad-ca sĩ kiêm nhạc sĩ và nhà sản xuất Leon Bridgesamerican Leon Bridges giống như một luồng không khí trong lành với phong cách R & B của anh ấy lặp lại một số ca sĩ linh hồn tuyệt vời của thập niên 60 như Sam Cooke, Marvin Gaye và Otis Redding. Đó là một sự phản ánh về độ tuổi tiên tiến của tôi, nhưng tôi yêu rất nhiều nghệ sĩ và âm nhạc ra khỏi Detroit (Motown), Memphis và Philadelphia từ đầu những năm 60 đến cuối thập niên 80. Tin xấu Bad News, từ album thứ hai Good Thing, tuyệt vời, với cây đàn guitar vui nhộn, đồng thau tuyệt đẹp, bộ gõ sắc nét và bass sâu đặt thành một nhịp điệu có hồn, thôi miên. Thêm giọng hát mượt mà, và kết quả là Sonic Heaven. Anh ta hát về việc vượt qua những người khác, sự thiếu niềm tin vào anh ta, và biến nó thành thông minh trên đường phố, sự trung thực và niềm tin vào bản thân mình: Ain Ain không có sự giàu có, ain không có tiền chạy dài. Nhưng tôi đã có một trái tim mà mạnh mẽ và một tình yêu mà cao. Ain không có tên, ain không có giáo dục lạ mắt. Nhưng tôi có thể nhìn thấy ngay, một khuôn mặt bột trên một kẻ ngốc được sơn./ Họ nói với tôi rằng tôi sinh ra để mất. Nhưng tôi đã tạo ra một điều tốt đẹp từ những tin xấu xấu.
American singer-songwriter and producer Leon Bridges is like a breath of fresh air with his throwback R&B style that echoes some of the great soul singers of the 60s like Sam Cooke, Marvin Gaye and Otis Redding. It’s a reflection of my advanced age, but I loved so many of the artists and music coming out of Detroit (Motown), Memphis and Philadelphia from the early 60s to the late 80’s. “Bad Bad News”, from his second album Good Thing, is fantastic, with jazzy guitar, gorgeous brass, crisp percussion and deep bass set to a soulful, hypnotic beat. Add Bridges’ smooth vocals, and the result is sonic heaven. He sings about overcoming others’ lack of faith in him, and making it on his street smarts, honesty and belief in himself: “Ain’t got no riches, ain’t got no money that runs long. But I got a heart that’s strong and a love that’s tall. Ain’t got no name, ain’t got no fancy education. But I can see right through, a powdered face on a painted fool./ They tell me I was born to lose. But I made a good good thing out of bad bad news.”

https://youtu.be/cztfyj1dVgk

28. DOIN’ TIME – Lana Del Rey
One of the best songs of 2019 is “Doin’ Time” by Lana Del Rey. The song was the lead single from her stunning and critically-acclaimed sixth studio album Norman Fucking Rockwell, which she co-produced with Jack Antonoff. It’s a cover of the song originally recorded by the ska punk band Sublime, which itself samples the great classic “Summertime” from the musical Porgy and Bess, written in 1934 by George and Ira Gerwshin, with lyrics by DuBose Heyward. Del Rey’s version is faithful to Sublime’s ska vibe, but her beautiful, seductive vocals and dreamy instrumentals take the song to a whole new level, as well as capturing the languid, sultry feel of the original “Summertime”. I love that she kept the lyrics and pronouns exactly as written by Sublime, which describe a cheating girlfriend whose infidelities and poor treatment of her lover makes him feel like he’s in prison. “Me and my girl, we got this relationship. I love her so bad, but she treats me like shit. On lockdown, like a penitentiary. She spreads her lovin’ all over, and when she gets home, there’s none left for me.”

https://www.youtube.com/watch?v=qolmz4FlnZ0

27. FIRST – Cold War Kids
“First” is a dramatic and stunning anthem by Cold War Kids, and their second track on this list.  The song is from their fifth album Hold My Home, and their most successful single, spending an incredible 64 weeks on the Billboard Alternative chart, seven of them at #1. “First” is about a troubled relationship in which both parties are deeply unhappy, and wracked with both guilt and anger toward each other. The intelligent lyrics are particularly compelling: “Flying like a cannonball, falling to the earth / Heavy as a feather when, you hit the dirt / How am I the lucky one? / I do not deserve to wait around forever when you were there first / First you get hurt, then you feel sorry.” Musically, the song features a gorgeous chiming guitar line over pounding drumbeats and bold hand claps, creating a magnificent wall of sound for lead singer Nathan Willett’s plaintive vocals.

https://youtu.be/3_mmnFtiB48

26. BURN THE WITCH – Radiohead
The release of English rock band Radiohead’s amazing ninth studio album A Moon Shaped Pool was one of the music highlights of 2016. The brilliant lead single from that album “Burn the Witch” is one of the most eerily beautiful and haunting songs of the decade. The band had worked on the track on and off for over 10 years, considering it for inclusion on several of their previous albums, but were never satisfied with the results until it was given this gorgeous arrangement by their guitarist Jonny Greenwood, with lush strings performed by the London Contemporary Orchestra. What gives the strings their dramatic percussive effect was the use of guitar plectrums, rather than bows, on the orchestra musicians’ strings. The dark lyrics, hauntingly sung by Thom Yorke’s beautiful falsetto, are an attack on groupthink and authoritarianism: “abandon all reason / avoid all eye contact / do not react / shoot the messengers / burn the witch“. Yorke stated in an interview with BBC Radio that the lyrics were inspired by a 2000 article he read in News of the World that published the names and addresses of sex offenders. The clever, stop-action animation video, directed by Chris Hopewell, pays homage to the 1973 horror film The Wicker Man.

25. THE LESS I KNOW THE BETTER – Tame Impala
“The Less I Know the Better” by Tame Impala is arguably one of the most enchanting tracks on this entire list. Every time I hear it, I wish I was 20 again. Tame Impala is the music project of Australian singer-songwriter and multi-instrumentalist Kevin Parker, who writes, records, performs and produces all his own music, although he collaborates with a number of musicians, many of whom are members of his other psychedelic rock band Pond, for live shows. “The Less I Know the Better” is one of the singles from his gorgeous, critically-acclaimed third album Currents (which ended up on many best album of 2015 lists). I could just as easily have chosen the equally beautiful song “Let It Happen” for this list, but I think I love “The Less I Know the Better” more.

Parker stated in an interview with Under the Radar that the song “shouldn’t be on a Tame Impala album, because it has this dorky, white disco funk. I wouldn’t call it cheesy, but it’s not trying to be too cool, because the lyrics are pretty dorky and the groove is pretty dorky. But at the same time, for me, I love that kind of music.” So do I. Swirling, glittery synths are coupled with Parker’s layered chiming and gnarly guitars to create an achingly beautiful and dreamy backdrop for his ethereal falsetto vocals. The lyrics express the protagonist’s intense longing for a girl he can’t have, which Parker so beautifully expresses with his enthralling vocals: “Oh my love, can’t you see yourself by my side? I don’t suppose you could convince your lover to change his mind. I was doing fine without ya, til I saw your face, now I can’t erase.” Why this song was not a huge #1 hit is a complete mystery to me. The unusual and entertaining video brings the song to life with an imaginative and humorous blend of romance, surrealism and colorful animation.

24. Như tôi đã ám chỉ trước đó trong bài đăng này, tôi biết tôi yêu một bài hát nếu nó khiến tôi ớn lạnh, và Pain Pain đã mang đến cho họ trong các đoạn phim. Nó làm tôi suy nghĩ rằng mọi người có khả năng viết và tạo ra âm nhạc tinh tế như thế này. Những cây đàn guitar và synths lấp lánh là tuyệt đẹp đến nỗi họ thực sự mang đến những giọt nước mắt cho tôi, và ca sĩ chính Adam Granduciel, giọng hát tràn ngập với sự cấp bách chân thành chạm vào tâm hồn. Anh ấy nói với tạp chí Q rằng, Pain Pain đã được truyền cảm hứng từ sự đau đớn về thể chất mà anh ấy phải chịu đựng từ một đĩa bị vỡ. . Tôi không thể ngồi làm việc và tôi không thể đứng lên chơi guitar, anh ấy nói. Ý tưởng về nỗi đau mãn tính và những gì nó làm trong tâm trí nằm rải rác trong các bài hát.
The second single from The War on Drugs’ magnificent, highly-acclaimed album A Deeper Understanding, as well as the second of their songs on this list, “Pain” is my favorite of their many incredible songs. As I’ve alluded to earlier in this post, I know I love a song if it gives me chills, and “Pain” brings them in spades. It boggles my mind that people are capable of writing and creating music as exquisite as this. The layered guitars and sparkling synths are so fucking gorgeous they literally bring tears to my eyes, and lead singer Adam Granduciel’s vocals are brimming with a heartfelt urgency that touches the soul. He told Q Magazine that “Pain” was inspired by the physical agony he endured from a ruptured disc. (Having suffered myself with intense pain from just a back sprain, I can empathize.) It’s one of several tracks on A Deeper Understanding where he touches on the excruciating experience. “I couldn’t sit to work and I couldn’t stand up to play guitar,” he said. “The idea of chronic pain and what it does to the mind is scattered throughout the songs.”

https://youtu.be/J9LgHNf2Qy0

23. 2011 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard. Ca khúc này sau đó đã được đưa vào cả EP tự tựa và album đầu tay của họ Torches. & NBSP; Nó có một giai điệu dựa trên synth, lạc quan đi kèm với tiếng huýt sáo vui vẻ, tương phản với lời bài hát đen tối mô tả những suy nghĩ của một thanh niên đang gặp rắc rối và ảo tưởng. Mark Foster đã viết và thu âm bài hát trong khoảng năm giờ, tự chơi tất cả các nhạc cụ và sắp xếp và chỉnh sửa nó bằng phần mềm âm nhạc. Anh ấy cũng thay đổi bằng điện tử, cho họ một sự rung cảm đáng sợ, gần như rùng rợn. Bản demo mà anh ấy thu âm cuối cùng là phiên bản của bài hát mà ban nhạc phát hành.
The second song by Foster the People on this list, “Pumped Up Kicks” was their debut single, becoming their breakthrough hit and one of the most popular songs of 2011. It was the #1 song of 2011 on the Billboard Alternative chart. The track was later included on both their self-titled EP and their debut album Torches.  It has a breezy, upbeat synth-driven melody accompanied by cheerful whistling, that contrasts with the dark lyrics describing the thoughts of a troubled and delusional youth. Mark Foster wrote and recorded the song in about five hours, playing all the instruments himself and arranging and editing it using music software. He also electronically altered his vocals, giving them a menacing, almost creepy vibe. The demo he recorded was ultimately the version of the song the band released.

Foster sau đó đã nói với CNN.com, tôi đã viết ‘bơm lên đá khi tôi bắt đầu đọc về xu hướng ngày càng tăng trong bệnh tâm thần tuổi teen. Tôi muốn hiểu tâm lý đằng sau nó bởi vì nó xa lạ với tôi. Thật đáng sợ khi bệnh tâm thần trong giới trẻ đã tăng vọt trong thập kỷ qua. Tôi đã rất sợ khi thấy mô hình đang đứng đầu nếu chúng tôi không bắt đầu thay đổi cách chúng tôi đưa lên thế hệ tiếp theo. Anh ta muốn nâng cao nhận thức về bạo lực súng đạn trong giới trẻ không bị ảnh hưởng. Đối tượng cũng đánh gần nhà cho ban nhạc. Foster bị bắt nạt ở trường trung học, trong khi người theo chủ nghĩa chính của Cubbie Fink có một người anh em họ sống sót sau vụ thảm sát trường trung học Columbia năm 1999. Bài hát tạm thời bị kéo từ một số đài phát thanh sau vụ nổ súng trường tiểu học Sandy Hook. Và trong một cuộc phỏng vấn gần đây với Billboard, Foster tuyên bố anh ta tiếp tục vật lộn với bài hát di sản của bài hát dưới sự dịch bệnh liên tục của các vụ xả súng hàng loạt ở Hoa Kỳ, và đang xem xét nghỉ hưu bài hát và không còn biểu diễn nó trong các chương trình của họ. Video nhẹ nhàng không liên quan đến chủ đề đen tối, thay vào đó hiển thị các cảnh của ban nhạc biểu diễn bài hát và vui vẻ và giao tiếp xã hội.

https://youtu.be/SDTZ7iX4vTQ

22. Nó cũng đã giành được Grammy cho bài hát rock hay nhất và màn trình diễn rock hay nhất năm 2012. Bản nhạc này là từ album phòng thu thứ bảy của họ El Camino, và được đồng sáng tác và sản xuất bởi Danger Mouse. Auerbach sườn nghiệt ngã, những đoạn riff blues rất tuyệt vời, theo dõi những tiếng trống hung hăng của Patrick Carney, khi anh than thở về tình yêu của mình khiến anh phải chờ đợi, khiến anh trở thành một cậu bé cô đơn. Video kỳ quặc nhưng quyến rũ có sự tham gia của diễn viên, nhạc sĩ và nhân viên bảo vệ bán thời gian Derrick T. Angeles. Video, được quay trong một lần, đã lan truyền khi phát hành trên YouTube. Video gốc được sản xuất cho bài hát có một kịch bản và một diễn viên hơn 40 người, nhưng các chàng trai không hài lòng với kết quả. Auerbach nhớ lại, một vài tuần sau khi chúng tôi bắn nó, họ đã gửi cho chúng tôi bản chỉnh sửa và điều đó thật tồi tệ. Chúng tôi đã gửi lại nó, họ đã gửi cho chúng tôi một bản chỉnh sửa khác và điều đó thật khủng khiếp. Đó là khi chúng tôi nói ‘những gì về một anh chàng đó, người phụ nữ có một cảnh nhảy đó và đó là video - cảnh quay đơn đắt nhất từng được ghi lại.
“Lonely Boy” is my favorite song from The Black Keys, and one of their biggest hits, reaching #1 on the Billboard Rock, Alternative and Adult Alternative charts. It also won Grammys for Best Rock Song and Best Rock Performance of 2012. The track is from their seventh studio album El Camino, and was co-written and produced by Danger Mouse. Auerbach’s grimy, bluesy riffs are fantastic, chugging along to Patrick Carney’s aggressive drumbeats as he laments about his love that keeps him waiting, making him a ‘lonely boy’. The quirky but charming video features actor, musician and part-time security guard Derrick T. Tuggle dancing and lip-syncing to the song in front of the Pepper Tree Motel in North Hollywood, one of the many communities that make up the city of Los Angeles. The video, shot in a single take, went viral upon its release on YouTube. The original video produced for the song had a script and a cast of more than 40 people, but the guys were not pleased with the results. Auerbach recalled, “A couple of weeks after we shot it they sent us the edit and it was awful. We sent it back… they sent us another edit and it was terrible. That’s when we said ‘what about that one guy, the extra who had that one dance scene’ and that’s the video – the most expensive single shot ever recorded.”

21. Bài hát là một sự pha trộn giữa blues và đá thay thế, với số lượng lớn của đất nước vênh vang. Đàn guitar, kết quả là một bối cảnh điện tử cho giọng hát lớn, rùng rợn của King. King đóng vai con số alpha ở đây, biến những người đàn ông bằng cách phản đối họ như những trò chơi tình dục được sử dụng và loại bỏ: Một, hai, ba, họ sẽ chạy lại với tôi Giữ / một, hai, ba, họ sẽ chạy lại với tôi / Họ luôn muốn đến, nhưng họ không bao giờ muốn rời đi. Video tuyệt vời, được đạo diễn bởi Michael Maxxis, là một trong những video hay nhất mà tôi đã từng thấy, và hoàn toàn mang lời bài hát theo cách mà hầu hết các video khác không làm. King là người phụ nữ duy nhất, được bao quanh bởi những đám thịt bò đáng yêu, đáng yêu. Tôi thích nó!
Singer-songwriter Elle King (born Tanner Elle Schneider, and the daughter of actor and comedian Rob Schneider and former model London King), blew us away in 2015 with her fantastic breakout single “Ex’s & Oh’s”. The song is a ballsy, foot-stompin’ mix of blues and alternative rock, with generous amounts of Country swagger thrown in. The hard-driving beat is infectious as hell, and when paired with a pummeling bassline, lively banjo and riffs of distorted guitar, the result is an electrifying backdrop for King’s big, raspy ‘don’t fuck with me’ vocals. King plays the alpha figure here, turning the tables on men by objectifying them as sexual playthings to be used and discarded: “One, two, three, they gonna run back to me / ‘Cause I’m the best baby that they never gotta keep / One, two, three, they gonna run back to me / They always wanna come, but they never wanna leave.” The terrific video, directed by Michael Maxxis, is one of the best and funniest I’ve ever seen, and perfectly brings the lyrics to life in a way that most other videos fail to do. King is the only female, surrounded by hordes of adoring, scantily clad beefcake. I love it!

20. Chúng tôi còn trẻ - vui vẻ. Với đĩa đơn đầu tay của Janelle Monaethe For Fun., Và bài hát thứ hai của họ trong danh sách này, We We Are Young là một bài quốc ca khẳng định, nắm bắt cuộc sống tôn vinh hy vọng và lời hứa của tuổi trưởng thành trẻ tuổi. Ban nhạc đã hợp tác với nhà sản xuất, nhạc sĩ & nhạc cụ Jeff Bhasker (người đã sản xuất album và bài hát cho Kanye West, Alicia Keys, Jay-Z và Beyonce, trong số những người khác) Độc thân. Họ cùng nhau sử dụng một bảng màu phong phú gồm các nhạc cụ và các nhạc cụ trong dàn nhạc, và xếp chúng trên một tiếng trống đập bắt đầu như một cuộc tuần hành của quân đội, sau đó chậm lại thành một rãnh hip hop do bass, bass. Ca sĩ chính của Nate Ruess, giọng hát rất đáng yêu, với một lỗ hổng gần như dịu dàng khi anh ấy hát lời bài hát mở đầu sâu sắc: Hãy cho tôi một lần thứ hai tôi / tôi cần đưa câu chuyện của tôi thẳng / bạn bè của tôi đang ở trong phòng tắm ngày càng cao hơn Empire State / Người yêu của tôi, cô ấy đang đợi tôi ngay bên kia quầy bar / chỗ ngồi của tôi đã bị một số kính râm lấy 'và tôi biết tôi đã đưa nó cho bạn nhiều tháng trước / Tôi biết bạn đang cố quên / nhưng giữa đồ uống và tinh tế mọi thứ / những lỗ hổng trong lời xin lỗi của tôi, bạn biết rằng tôi đang cố gắng để lấy lại / vì vậy nếu đến khi thanh đóng lại và bạn cảm thấy muốn ngã xuống / tôi sẽ mang bạn về nhà / tối nay / chúng tôi còn trẻ / vì vậy hãy Đặt thế giới trên lửa, anh ấy nói với Rolling Stone rằng lời bài hát được lấy cảm hứng từ đêm uống rượu tồi tệ nhất mọi thời đại của tôi. Anh ta nói rằng anh ta đã bị đuổi ra khỏi một chiếc taxi để nôn ra tất cả, và tất cả những gì anh ta có thể làm là đứng trên góc phố với đầu vào tường. Ca sĩ kiêm nhạc sĩ Janelle Monae, một người bạn cá nhân của Bhasker, đã cung cấp giọng hát của khách mời cho điệp khúc, nhưng một số người cảm thấy tài năng của cô đã bị lãng phí bằng cách cho cô một sự hiện diện nhỏ như vậy trong bài hát. Điều đó nói rằng, chúng tôi là một người trẻ tuổi là một ca khúc tuyệt vời.
The debut single for fun., and their second song on this list, “We Are Young” is a life-affirming, fist-pumping anthem celebrating the hope and promise of young adulthood. The band teamed up with producer, songwriter & instrumentalist Jeff Bhasker (who’s produced albums and songs for Kanye West, Alicia Keys, Jay-Z and Beyonce, among others) for their album Some Nights, of which “We Are Young” was the lead single. Together they employed a rich palette of orchestral instrumentals and synths, and layered them over a thumping drumbeat that starts off like a military march, then slows to a pounding, bass-driven hip hop groove. Lead singer Nate Ruess’ vocals are lovely, with an almost tender vulnerability as he sings the poignant opening lyrics: “Give me a second I / I need to get my story straight / My friends are in the bathroom getting higher than the Empire State / My lover she’s waiting for me just across the bar / My seat’s been taken by some sunglasses asking ’bout a scar, and I know I gave it to you months ago / I know you’re trying to forget / But between the drinks and subtle things / The holes in my apologies, you know I’m trying hard to take it back / So if by the time the bar closes and you feel like falling down / I’ll carry you home / Tonight / We are young /So let’s set the world on fire” He told Rolling Stone that the lyrics were inspired by “my worst drinking night of all time.” He said he was kicked out of a taxi for vomiting all over it, and all he could do was stand on the street corner with is head against the wall. Singer-songwriter Janelle Monae, a personal friend of Bhasker, provided guest vocals for the chorus, but some felt her talents were wasted by giving her such a small presence on the song. That said, “We Are Young” is a great track overall.

https://www.youtube.com/watch?v=Sv6dMFF_yts

19. Tôi đã có đĩa CD trong âm thanh nổi xe hơi của mình, và chơi nó mỗi khi tôi đi đâu cả, và cũng quay nhiều người bạn. Nó có tầm cỡ cao đến mức mọi ca khúc có thể là một bài hát hit, và trên thực tế, vào năm 2018, nó đã trở thành album đầu tiên trong kỷ nguyên kỹ thuật số để mỗi ca khúc nhận được chứng nhận vàng từ Hiệp hội Công nghiệp Ghi âm Hoa Kỳ. Blurryface đã được phát hành vào tháng 5 năm 2015 và vẫn còn trên bảng xếp hạng album Billboard kể từ đó, bây giờ trong tuần thứ 242 liên tiếp khi tôi viết bài này. Cưỡi Ride là một album thứ tư được phát hành dưới dạng đĩa đơn. Nó có một bài hát hip hop thay thế cực kỳ lạc quan với các yếu tố reggae mạnh mẽ. Lời bài hát nói lên những điều không chắc chắn và lo lắng về ý nghĩa của cuộc sống, với các tài liệu tham khảo về suy nghĩ về cái chết, điều mà Tyler Joseph nói về tốc độ cao: Tôi 'Tôi chết vì bạn', thật dễ dàng để nói / Chúng tôi có một danh sách những người rằng chúng tôi sẽ lấy một viên đạn cho họ, một viên đạn cho bạn, một viên đạn cho mọi người trong căn phòng này / Nhưng dường như tôi không thấy nhiều viên đạn đi qua / nhìn thấy nhiều viên đạn đi qua / ẩn dụ, tôi là người đàn ông . Cuối cùng, anh ấy đã kết luận rằng tôi đã suy nghĩ quá nhiều, giúp tôi.
The spectacular Blurryface by twenty one pilots is one of the greatest albums of the decade in my opinion, and ranks among my all-time favorite albums. I had the CD in my car stereo, and played it every time I went anywhere, and turned multiple friends onto it as well. It’s of such high caliber that literally every track could be a hit song, and in fact, in 2018 it became the first album in the digital era to have every track receive a gold certification from the Recording Industry Association of America. Blurryface was released in May 2015, and has remained on the Billboard album chart ever since, now in its 242nd consecutive week as I write this. “Ride” was the fourth album cut to be released as a single. It’s a wildly upbeat alternative hip hop song with strong reggae elements. The lyrics speak to uncertainties and anxieties over the meaning of life, with references to thinking about death, which Tyler Joseph raps about at high speed: “‘I’d die for you,’ that’s easy to say / We have a list of people that we would take a bullet for them, a bullet for you, a bullet for everybody in this room / But I don’t seem to see many bullets comin’ through / See many bullets comin’ through / Metaphorically, I’m the man / But literally, I don’t know what I’d do / ‘I’d live for you,’ an’ that’s hard to do / Even harder to say when you know it’s not true.” At the end, he concludes “I’ve been thinking too much, help me.”

https://www.youtube.com/watch?v=Pw-0pbY9JeU

18. I FEEL LIKE I’M DROWNING – Two Feet
I was blown away the moment I first heard the dark and sultry “I Feel Like I’m Drowning”, and quickly became a devoted fan of New York City-based singer-songwriter Two Feet (born Zachary William “Bill” Dess). This man can play guitar, and is one of the best blues guitarists making music today, in my opinion. I love his soulful, bluesy music style, and his songs are accompanied by some of the deepest bass grooves around, giving them tremendous heft and impact. His vocals have a seductive, yet vulnerable quality that’s incredibly appealing. He first gained notariety in 2017 when the video for his first single “Go Fuck Yourself” went viral. “I Feel Like I’m Drowning” is about drowning in a toxic relationship, but could have also described his own mental state early in the year as the pressures of fame and professional commitments took their toll on his emotional well-being. The song was later included on his debut album A 20 Something Fuck, and reached #1 on the Billboard Alternative chart.

https://youtu.be/i_WTHkBuqbg

17. COME A LITTLE CLOSER – Cage the Elephant
My favorite song by Cage the Elephant, “Come a Little Closer” was my first introduction to the band during my 2013 music epiphany I discussed earlier. The song is from their stellar third album Melophobia, and was a huge hit on the Billboard Alternative and Adult Alternative charts, spending many weeks at #1 on both. Though em>Melophobia literally means “fear of music”, in an interview with American Songwriter, band front man Matt Schultz said “it wasn’t necessarily an actual fear of music, but a fear of making music to project premeditated images of self rather than being an honest communicator.” The band essentially wanted to go outside their comfort zone with the album. He was inspired to write “Come a Little Closer” one morning after watching the sunrise from his hotel room in Sao Paulo. As he looked out over the favelas, he wondered what each soul living within those crowded neighborhoods felt, whether it be heartache, love, loss or joy, and decided to write a song about the concept of looking at things more closely. Musically, the song is a magnificent psychedelic trip, a sort of sonic magical mystery tour, with endless melodic twists and turns that keep us on the edge of our seats, wondering what’s coming next. The instrumentals are fantastic, highlighted by an intriguing surf guitar that erupts into a wailing barrage in the choruses, with Shultz fervently urging us “Come a little closer, then you’ll see. Come on, come on, come on“.

16. SIT NEXT TO ME – Foster the People
As I’ve already stated numerous times, Foster the People are one of my favorite bands, and I adore their song “Sit Next to Me.” The third single from their third album Sacred Hearts Club, it was released in July 2017 and was a sleeper hit. It debuted on the Billboard Alternative chart that September, and slowly climbed until peaking at #3 in early 2018, then remained on the chart until September 2018! Song intros are important in setting the tone for a song, and “Sit Next to Me” has one of the most enthralling openings of any song I’ve ever heard. It starts with a delicate shimmering synth and Mark Foster’s ethereal vocal, then opens into a breezy ballad loaded with gorgeous sweeping synths, subtle guitar and Mark Pontius’ perfect drumbeats. I love Foster’s vulnerable vocal style that includes lots of soaring falsettos and beautiful harmonic choruses.

The song was inspired by his time spent in the L.A. bar scene. Foster explained in an interview with Rolling Stone: “Everyone was trying to look cool, say the right thing and be at the center of the universe. It was like a fashion show. In that environment, I felt alone in a room packed with people. I kept waiting for someone authentic to come walk through the door and sit next to me.” About the song’s slow rise and longevity, he stated: “I’m just kinda shocked. It’s kind of crazy to me that it’s been on the radio for so long and it keeps continuing to grow. I guess it’s a sleeper.” I never tired of hearing it, and my Spotify Wrapped report for 2018 showed that it was my most-played song that year.

https://www.youtube.com/watch?v=BKLVpDTZOPQ

15. BROKEN – lovelytheband
One of the catchiest ear worms of 2018, the debut single “Broken” by Los Angeles-based three-piece lovelytheband actually came out in 2017 as an exclusive release to Billboard that April, but didn’t chart until the beginning of 2018. It ended up being the #1 song of 2018 on the Billboard Alternative chart, and was my personal pick for top song of the year as well. “Broken” holds the current record for the longest time spent on that chart – an eye-popping 76 weeks! The song speaks to the idea that everyone’s flawed and has problems, and of finding someone who’s just as fucked up as you, and trying to make a go of it: “I like that you’re broken, broken like me. Maybe that makes me a fool. I like that you’re lonely, lonely like me. I could be lonely with you.” I love the chirpy synths, intricate guitars and assertive drumbeat, as well as lead singer Mitchy Collins’ irresistible, quirky vocals that had me listening to the song over and over.

https://www.youtube.com/watch?v=qr1-WpWOUk8

14. Tôi có muốn biết không? - Ban nhạc rock khỉ Bắc Cực Arctic Monkeys đã có một hành trình âm nhạc khá lớn kể từ khi hình thành vào năm 2002, khi vẫn còn ở tuổi thiếu niên sống ở Sheffield. Họ đã phát hành sáu album phòng thu, giành được bảy giải thưởng Brit, được đề cử cho năm giải Grammy, đã chơi nhiều lễ hội âm nhạc - bao gồm hai lần dẫn đầu tại Glastonbury, và biểu diễn tại lễ khai mạc Thế vận hội mùa hè London năm 2012. Tôi có muốn biết không? là từ album thứ năm của họ AM, đã nhận được sự hoan nghênh rộng rãi từ cả hai nhà phê bình âm nhạc và người hâm mộ khi phát hành vào năm 2013. Album được ghi lại một phần ở Joshua Tree, ở sa mạc cao không xa nơi tôi sống ở Palm Springs, với sự đóng góp của khu vực bởi khu vực bản địa và nữ hoàng của người đứng đầu thời kỳ đồ đá Josh Homme. Tôi có muốn biết rằng có một sự rung cảm đầy tâm trạng, ảo giác/stoner, với tiếng trống thống trị và dòng bass đi kèm tạo thành nền tảng nhịp điệu mê hoặc. Nhưng điểm nổi bật thực sự là tác phẩm guitar lung linh ngoạn mục của người đứng đầu Alex Turner, lịch sự của guitar điện 12 dây Vox Starstream của anh ta, tạo ra một giai điệu phong phú hơn, nhiều hơn một cây guitar sáu dây tiêu chuẩn. . Thật buồn khi thấy bạn đi / đã sắp xếp hy vọng rằng bạn ở lại / em bé, cả hai chúng tôi đều biết rằng những đêm chủ yếu được tạo ra để nói những điều mà bạn có thể nói vào ngày mai. Sự tương tác giữa những chiếc croon oi bức Turner và giọng hát ủng hộ falsetto là tinh tế. Bài hát tuyệt vời là bản hit lớn nhất của ban nhạc, dành 10 tuần ở vị trí số 1 và tổng cộng 58 tuần trên bảng xếp hạng thay thế Billboard, và là bài hát duy nhất của họ để xếp hạng trên Hot 100.
British rock band Arctic Monkeys have had quite a musical journey since forming in 2002, while still in their teens living in Sheffield. They’ve released six studio albums, won seven Brit Awards, been nominated for five Grammy Awards, played numerous music festivals – including twice headlining at Glastonbury, and performed at the London Summer Olympics opening ceremony in 2012. “Do I Wanna Know?” is from their fifth album AM, which received widespread acclaim from both music critics and fans upon its release in 2013. The album was partly recorded in Joshua Tree, in the high desert not far from where I live in Palm Springs, with contributions by area native and Queens of the Stone Age front man Josh Homme. “Do I Wanna Know” has a moody, psychedelic/stoner rock vibe, with a dominant drumbeat and accompanying bass line forming the track’s mesmerizing rhythmic foundation. But the real highlight is the spectacular shimmery guitar work by front man Alex Turner, courtesy of his Vox Starstream 12-string electric guitar, which produces a richer, more ringing tone than a standard six-string guitar. (Wikipedia) The lyrics speak of uncertainty and doubt as to whether the object of one’s affection shares your feelings, leaving you wondering if you really want to know the truth: “Do I wanna know, if this feeling flows both way? Sad to see you go / Was sorta hoping that you’d stay / Baby, we both know that the nights were mainly made for saying things that you can’t say tomorrow day.” The interplay between Turner’s sultry croons and the falsetto backing vocals is exquisite. The magnificent song is the band’s biggest hit, spending 10 weeks at #1 and a total of 58 weeks on the Billboard Alternative chart, and is their only song to chart on the Hot 100.

https://www.youtube.com/watch?v=bpOSxM0rNPM

13. Ở đó, tôi đã nói nó. Nó có một bài hát pop synth phấn khích làm tôi cảm giác hưng phấn mạnh mẽ, giống như một đứa trẻ nhảy lên nhảy xuống giường trong một bữa tiệc ngủ. Vì vậy, thật bất ngờ khi khám phá ra nghiên cứu về bài hát rằng nó đã được các nhà phê bình âm nhạc xuất hiện rộng rãi khi phát hành. Rất nhiều nhà phê bình âm nhạc làm cho tôi bị bệnh. Họ rất tự mãn, tự đánh thức và đầy shit. OK, bây giờ tôi đã lấy nó ra khỏi ngực, hãy để tôi nói rằng tôi nghĩ rằng Tong Tongue bị trói là tuyệt vời, và một trong những bài hát hay nhất của những năm 2010. Âm nhạc của Grouplove, rất vui nhộn, kỳ quặc và truyền nhiễm, và luôn luôn là một niềm vui để nghe, ngay cả những bài hát downtempo của họ. Lưỡi Tongue bị trói, bắt đầu với những gì âm thanh đối với tôi như một đoạn riff nhỏ ngọt ngào, sau đó phát nổ thành một âm thanh của synths rất phấn khích, bass sâu, đập trống và một điệp khúc sôi nổi của những lời cổ vũ tạo nên sân khấu cho cuộc phiêu lưu sắp diễn ra khi chúng mở ra khi họ mở ra Đi đến một bữa tiệc. Ca sĩ Hannah Hooper và Christian Zucconi than khóc Hãy đưa tôi đến nhà bạn thân của bạn / đi vòng quanh bùng binh này oh yeah / đưa tôi đến nhà bạn thân của bạn . Đến cuối bài hát, tôi đã để lại cảm giác hạnh phúc, và ở đó chắc chắn không có gì sai với điều đó. Nhiều người hâm mộ của họ cũng yêu thích nó, vì nó đã kết thúc với tư cách là bài hát số 2 của năm 2012 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard.
I love “Tongue Tied” by Los Angeles alt-rock band Grouplove with a passion. There, I said it. It’s an exhilarating synth pop song that fills me with strong feelings of euphoria, like a kid jumping up and down on a bed at a slumber party. So it was a surprise to discover in researching about the song that it was widely panned by music critics upon its release. A lot of music critics make me sick. They’re so fucking smug, self-impressed and full of shit. OK, now that I’ve got that off my chest, let me say that I think “Tongue Tied” is wonderful, and one of the best songs of the 2010s. Grouplove’s music is fun, quirky and infectious, and always a joy to listen to, even their downtempo songs. “Tongue Tied” starts off with what sounds to me like a sweet little banjo riff, then explodes into a cacophony of exuberant synths, deep bass, smashing drums and a boisterous chorus of cheers that set the stage for the adventure about to unfold as they head to a party. Singers Hannah Hooper and Christian Zucconi wail “Take me to your best friend’s house / Go around this roundabout Oh yeah / Take me to your best friend’s house / I loved you then and I love you now Oh yeah / Don’t take me tongue tied / Don’t wave no goodbye Don’t… / Right!” By song’s end, I’m left feeling happy, and there’s certainly nothing wrong with that. Many of their fans loved it too, as it ended up as the #2 song of 2012 on the Billboard Alternative chart.

https://www.youtube.com/watch?v=1x1wjGKHjBI

12. Cần thiết tối - Chili Peppers Red Hot Chili Red Hot Chili Peppers đã tạo ra âm nhạc tuyệt vời trong 30 năm, đạt được nhiều bản hit. Mười ba bài hát của họ đã đạt số 1 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard, nhiều hơn bất kỳ nghệ sĩ nào khác trong lịch sử 31 năm của bảng xếp hạng. Tôi yêu nhiều bài hát của họ, nhưng yêu thích của tôi là Dark Dark Needities, từ album phòng thu thứ 11 của họ The Getaway. Tôi nghĩ rằng đó là bài hát hay nhất của họ và một kiệt tác thực sự. Ban nhạc đã hợp tác với Brian Burton AKA Danger Mouse để viết và sản xuất bài hát và album, và nói những gì bạn sẽ sử dụng âm nhạc và nhạc cụ phức tạp hơn, nhưng tôi thích nó. Riff bass mở đầu tuyệt vời của Flea, The Piano Keys và Josh Klinghoffer, những cây guitar sôi nổi đều tuyệt đẹp, và tôi đặc biệt yêu thích những người lặp đi lặp lại của Aah Aah Aah trong đoạn điệp khúc. Trong một cuộc phỏng vấn video cho kênh YouTube của ban nhạc, ca sĩ chính Anthony Kiedis đã giải thích rằng bài hát nói về vẻ đẹp của các mặt tối của chúng ta và sự sáng tạo và tăng trưởng và ánh sáng thực sự phát ra từ những cuộc đấu tranh khó khăn mà chúng ta có ở bên trong bên trong của chúng ta Những người đứng đầu mà không ai khác có thể nhìn thấy. Ông nói thêm rằng bài hát có ý nghĩa rất lớn đối với Burton và đó là một trong những mục yêu thích của ông trong album. Của tôi cũng vậy! Lời bài hát có ý nghĩa cho thấy sự trưởng thành thực sự của âm thanh ớt đỏ đỏ, hoàn toàn phù hợp với một ban nhạc có thành viên lúc đó ở độ tuổi cuối thập niên 40 đến đầu thập niên 50.
The Red Hot Chili Peppers have been making great music for 30 years, racking up scores of hits. Thirteen of their songs have reached #1 on the Billboard Alternative chart, more than any other artist in the chart’s 31-year history. I love many of their songs, but my favorite is “Dark Necessities”, from their 11th studio album The Getaway. I think it’s their greatest song yet and a real masterpiece. The band teamed up with Brian Burton aka Danger Mouse for the writing and production of the song and album, and say what you will about the use of more complex music and instrumentation, but I love it. Flea’s wonderful opening bass riff, the vibrant piano keys, and Josh Klinghoffer’s layered funky guitars are all drop-dead gorgeous, and I especially love the repeated “aah aah” in the backing chorus. In a video interview for the band’s YouTube channel, lead singer Anthony Kiedis explained that the song “speaks to the beauty of our dark sides and how much creativity and growth and light actually comes out of those difficult struggles that we have on the inside of our heads that no one else can see.” He added that the song meant a lot to Burton and it was one of his favorites on the album. Mine too! The meaningful lyrics show a real maturation of The Red Hot Chili Peppers sound, which is totally appropriate for a band whose members by then were in their late 40s to early 50s.

https://youtu.be/Q0oIoR9mLwc

11. NEED YOU NOW – Lady Antebellum
“Need You Now” is a stunning, bittersweet song by Nashville-based country band Lady Antebellum. First released as a single in August 2009, it topped the Billboard Hot Country Songs chart that December, then crossed over to the Hot 100 and Adult Contemporary charts in early 2010. I haven’t cared for very many country songs in recent years, however, I love “Need You Now” and it was my favorite song of 2010. It could be argued that the song contains strong pop-rock elements, which might explain why I like it so much. Be that as it may, the arrangement and instrumentation are exquisite, especially the poignant piano keys and mournful slide guitar that really tug at our heartstrings. The highly relatable lyrics, beautifully sung by vocalists Hillary Scott and Charles Kelley, describe making a phone call to a former lover in the middle of the night out of loneliness and longing for companionship: “And I wonder if I ever cross your mind / For me it happens all the time / It’s a quarter after one / I’m a little drunk and I need you now / Said I wouldn’t call, but I lost all control and I need you now.” “Need You Now” won four Grammys in 2011, including for Record and Song of the Year.

10. I SEE YOU – MISSIO
It’s not often I love an entire album at first listen, but that was the case with the spectacular The Darker the Weather // The Better the Man by Austin, Texas-based duo MISSIO. Comprised of singer-songwriter/producer Matthew Brue and songwriter/producer and instrumentalist David Butler, MISSIO’s unique, eclectic sound is a glorious mashup of alternative electronic rock, hip hop and dream pop. In 2017, they released their outstanding debut album Loner, which generated several singles, including “Middle Fingers” and the mesmerizing “Bottom of the Deep Blue Sea”. “I See You” was the third single from The Darker the Weather // The Better the Man, and my favorite song of the 2019. This was further confirmed by my Spotify Wrapped report, which identified it as my most-streamed song of 2019. And what a gorgeous song it is, at once sad yet hopeful, and brimming with emotional intensity. The lush, sweeping instrumentals, highlighted by beautiful piano, sparkling synths and crisp percussion create a stunning soundscape for Brue’s stirring falsetto vocals. He raises goosebumps as he sings the poignant lyrics that can be interpreted as being directed either to a loved one or to oneself, reassuring the intended that they are understood, supported and loved despite their shortcomings. “I’m alone with you, you’re alone with me. What a mess you’ve made of everything. I’m alone with you, you’re alone with me. And I’m hoping that you will see yourself like I see you.”

9. MY NAME IS HUMAN – Highly Suspect
“My Name is Human” by American alternative rock band Highly Suspect is fucking mind-blowing, featuring some of the best guitar work of any song on this list. The heavy, gravelly bass riff at the opening sends shivers down my spine, then spooky guitars, crunchy percussion and otherworldly synths enter along with lead singer Johnny Stevens’ intense, breathtaking vocals that go from seductive to wailing, adding goosebumps to the ones already covering my body. The track is perfection from start to finish. It was released in September 2016 in advance of release of their superb second album The Boy Who Died Wolf, but peaked on the charts in early 2017. The song’s brilliant video showing a human being built by robots and then given finishing touches by Stevens is a little creepy, yet stylish and riveting. The song spent eight weeks at #1 on the Billboard Mainstream Rock chart.

8. UPTOWN FUNK! – Mark Ronson featuring Bruno Mars
“Uptown Funk”  needs no introduction. From the moment it was released in November 2014 with a terrific accompanying video, the feel-good ear worm went viral, becoming an international hit. Originally written by British music producer Mark Ronson, Bruno Mars, Phillip Lawrence and Jeff Bhasker (the same guy who worked with fun. on Some Nights), the song incorporates elements of funk, soul, boogie and what is referred to as Minneapolis sound, a subgenre of funk rock pioneered by Prince. Accordingly, it seems to pay homage not only to Prince, but to the master of funk himself James Brown, Rick James and Morris Day & The Time. A cast of characters were ultimately involved in the song’s production; besides the people listed above, additional collaborators and musicians included Mars’ backup band The Hooligans, afrobeat band Antibalas, the horn section of The Dap-Kings, and sound engineer Charles Moniz, among others. And what’s mind-boggling to me is that the song involved recording sessions in Los Angeles, London, Memphis, New York, Toronto, and Vancouver! The stress over the recording and production of “Uptown Funk” was so high that Ronson passed out during one session while trying to perfect the guitar part. Two days later in Toronto, he finally got what he was looking for after 82 takes!(Wikipedia)

Bài hát đã nhận được lời khen ngợi và nhận được nhiều giải thưởng, bao gồm các giải thưởng âm nhạc của Brit, Grammy và American, nhưng cũng đã tạo ra một số tác phẩm của các nghệ sĩ cáo buộc các nhà văn đạo văn. Các vụ kiện vi phạm bản quyền đã được đệ trình bởi ban nhạc GAP, ảnh ghép, trình tự và ZApp. Các vụ kiện ảnh ghép và Zapp sau đó đã bị loại bỏ, nhưng một trong những ban nhạc khoảng cách đã dẫn đến các nhà văn và nhà sản xuất của OOPS Up Side Head của bạn được thêm vào làm nhạc sĩ và trao 17% tiền bản quyền xuất bản. Billboard có tên là Up Uptown Funk, bài hát số 1 năm 2014 và của thập kỷ, và video YouTube của nó đã được xem hơn 3,7 tỷ lần.billion times.

7. Nước mắt trong trái tim tôi - Twenty Øne Piløtsal Mặc dù họ đã phát ra âm nhạc từ năm 2009, đó là đĩa đơn của họ trong trái tim tôi đã giới thiệu cho tôi hai mươi Øne Piløts vào tháng 4 năm 2015. Tôi ngay lập tức yêu bài hát và trở thành một người lớn Fan, say sưa trên danh mục âm nhạc của họ, đặc biệt là album tuyệt vời. Tear Tear in My Heart, là đĩa đơn thứ hai trong album hiện tượng của họ Blurryface, và là một bài hát tình yêu thú vị lấy cảm hứng từ cuộc hôn nhân của Tyler Joseph, với vợ Jenna một tháng trước đó. Tôi không chỉ ngưỡng mộ sự sắp xếp của bài hát, giai điệu sống động, nhạc cụ đầy màu sắc và giọng hát tuyệt vời của Joseph, tôi còn thích lời bài hát đáng yêu về những cảm xúc mâu thuẫn của niềm vui và sự đau đớn thường đến từ tình yêu lãng mạn: Những bài hát trên đài phát thanh vẫn ổn . Nhưng sở thích của tôi trong âm nhạc là khuôn mặt của bạn. Và phải mất một bài hát để đến để chỉ cho bạn cách. Cô ấy rơi nước mắt trong trái tim tôi. Tôi vẫn còn sống. Cô ấy rơi nước mắt trong trái tim tôi. Tôi đang cháy. Cô ấy rơi nước mắt trong trái tim tôi. Đưa tôi cao hơn tôi từng có! Đoạn video cho thấy Joseph và tay trống Josh Dun biểu diễn bài hát ở khu phố Tàu L.A., với những người xung quanh hầu như không chú ý. Cuối cùng, các tòa nhà xung quanh bắt đầu sụp đổ khi Joseph chú ý Jenna trong một nhóm người, và theo cô xuống một con hẻm và vào một nhà hàng. Cô ấy hát cho anh ấy lời bài hát mở đầu của bài hát: Đôi khi bạn phải chảy máu và biết rằng bạn còn sống và có một linh hồn, anh ấy trả lời: Nhưng phải mất một người nào đó để cho bạn thấy cách thức , sau đó cô bắt đầu đánh anh ta cho đến khi anh ta chảy máu. Video kết thúc với họ hôn nhau.
Although they’d been putting out music since 2009, it was their single “Tear in My Heart” that introduced me to twenty øne piløts in April 2015. I instantly loved the song and became a huge fan, bingeing on their back catalog of music, especially the brilliant album Vessel. “Tear in my Heart” was the second single from their phenomenal album Blurryface, and is a delightful song of love inspired by Tyler Joseph’s marriage to his wife Jenna a month earlier. Not only do I adore the song’s arrangement, lively melody, colorful instrumentation, and Joseph’s wonderful plaintive vocals, I also love the endearing lyrics about the contradictory emotions of joy and agony that often come from romantic love: “The songs on the radio are okay. But my taste in music is your face. And it takes a song to come around to show you how. She’s the tear in my heart. I’m alive. She’s the tear in my heart. I’m on fire. She’s the tear in my heart. Take me higher than I’ve ever been!” The video shows Joseph and drummer Josh Dun performing the song in L.A.’s Chinatown, with the people around him barely paying attention. Eventually, the surrounding buildings begin crumbling as Joseph notices Jenna in a group of people, and follows her down an alley and into a restaurant. She sings to him the opening lyrics of the song: “Sometimes you’ve got to bleed and know that you’re alive and have a soul“, to which he responds: “but it takes someone to come around to show you how“, whereupon she starts beating him until he’s bleeding. The video ends with them kissing.

6. Cảm nhận nó vẫn còn - Bồ Đào Nha. Bài hát thứ hai của Bồ Đào Nha. Người đàn ông trong danh sách này, cảm thấy đó là một trong những bài hát mà hầu như mọi người đều yêu thích, nhờ một bản nhạc nhảy retro hấp dẫn không thể cưỡng lại và lái bass, đoạn riff guitar nhỏ tuyệt vời đó, và ca sĩ chính John Gourley. Đó là đĩa đơn thứ hai trong album thứ tám của ban nhạc Woodstock. Giai điệu được sử dụng trong đoạn điệp khúc được lấy cảm hứng từ bản hit của Marvelettes, năm 1961, Pleas Pleas Mr Postman, và ban nhạc bao gồm các nhà văn gốc bài hát đó trong các khoản tín dụng sáng tác cho bài hát Feel Feel It Still. Lời bài hát chứa đầy ý nghĩa, làm cho tham chiếu đến cả chủ đề cá nhân và chính trị xã hội. Ví dụ, dòng trong trường hợp bé gái của tôi đang cần, được lấy cảm hứng từ cô con gái nhỏ của Gourley, trong khi tôi cảm thấy nó từ năm 1966 bây giờ, có thể kết thúc Và những thay đổi về văn hóa, và đã đến lúc dành một chút cho bọn trẻ ở giữa, nhưng, cho đến khi nó rơi xuống sẽ không làm phiền tôi, đó là một cú tát tay xuống lời kêu gọi của Trump về một bức tường biên giới. Nó có một bản nhạc ngắn, chỉ dài 2 phút và 43 giây, nhưng có một cú đấm thực sự. Bài hát là một hit lớn cho Bồ Đào Nha. Người đàn ông, dành 20 tuần đáng kinh ngạc ở vị trí số 1 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard, cũng như nhiều tuần ở vị trí số 1 trên bảng xếp hạng Pop thay thế và người lớn dành cho người lớn. Nó cũng đạt vị trí thứ 4 trên Hot 100. Nó là một bài hát tuyệt vời và một tác phẩm kinh điển ngay lập tức.
The second song by Portugal. The Man on this list, “Feel It Still” is one of those songs that virtually everyone loves, thanks to an irresistibly catchy retro dance beat and driving bass line, that awesome little guitar riff, and lead singer John Gourley’s delightful falsetto. It was the second single from the band’s eighth album Woodstock. The melody used in the chorus was inspired by The Marvelettes’ 1961 hit “Please Mr Postman”, and the band included that song’s original writers in the songwriting credits for “Feel It Still”. The lyrics are filled with meaning, making reference to both personal and sociopolitical themes. For example, the line “In case my baby girl is in need” was inspired by Gourley’s young daughter, while “I been feeling it since 1966 now, Might be over now, but I feel it still” refers to a year of seismic societal and cultural changes, and “It’s time to give a little to the kids in the middle, but, oh until it falls won’t bother me” is a back-handed slap down of Trump’s call for a border wall. It’s a short track, only 2 minutes and 43 seconds long, but packs a real punch. The song was a massive hit for Portugal. The Man, spending an astonishing 20 weeks at #1 on the Billboard Alternative Chart, as well as many weeks at #1 on the Adult Alternative and Adult Pop charts. It also peaked at #4 on the Hot 100. It’s a fantastic song and an instant classic.

5. Yêu tôi một lần nữa-John Newman, Love Me Again, là một bài hát tuyệt vời và được điện khí hóa của ca sĩ kiêm nhạc sĩ người Anh và nhạc sĩ John Newman. Tôi đã bị thổi bay lần đầu tiên tôi nghe thấy nó, và cho đến ngày nay nó vẫn có sức mạnh để làm choáng tôi. Được phát hành vào tháng 5 năm 2013, đây là đĩa đơn chính trong album đầu tay của Newman Tribute, và là một thành công lớn ở Anh và Châu Âu, nhưng chỉ thành công vừa phải ở Hoa Kỳ, nơi nó đạt vị trí thứ 13 trên Top 40. Nó đã dành 4 tuần ở vị trí số 1 trên bảng xếp hạng của tôi.) Newman có một giọng nói quyền lực bắt giữ, được đặc trưng bởi một chất lượng khàn khàn, có hồn mang đến cho anh ta một âm thanh khác biệt không giống bất kỳ ca sĩ nào khác mà tôi biết. Với một niềm đam mê thô thiển, không kiềm chế hiếm khi được nghe thấy ở những giọng ca khác, anh ta than thở về những tổn thương mà anh ta đã gây ra cho người yêu của mình. Biết tôi đã làm sai / Tôi đã bỏ tim mình bị xé nát / đó là những gì quỷ làm? . Sự sắp xếp và nhạc cụ của bài hát rất ngoạn mục, với một đoạn riff piano đầy kịch tính và táo bạo, cơ quan khóc lóc, synths swirling, và một số nhịp trống dữ dội nhất mà tôi đã từng nghe. Ồ!
“Love Me Again” is a magnificent and electrifying song by British singer-songwriter and musician John Newman. I was blown away the first time I heard it, and to this day it still has the power to stun me. Released in May 2013, it was the lead single from Newman’s debut album Tribute, and was a big hit in the UK and Europe, but had only moderate success in the U.S., where it peaked at #13 on the Billboard Mainstream Top 40. (It spent 4 weeks at #1 on my chart.) Newman has an arresting powerhouse voice, characterized by a raspy, soulful quality that gives him a distinct sound unlike any other singer I know of. With a raw, unbridled passion rarely heard in other vocalists, he laments over the hurt he’s caused his lover “Know I’ve done wrong / I left your heart torn / Is that what devils do? / Took you so low where only fools go / I shook the angel in you“, then fervently pleads for forgiveness as if his very survival depends upon it: “I need to know now, know now, can you love me again?” The song’s arrangement and instrumentation are spectacular, with a dramatic and bold piano riff, wailing organ, swirling synths, and some of the fiercest drum beats I’ve ever heard. Wow!

4. Thời tiết về áo len - Những người hàng xóm không thể mô tả đầy đủ mức độ tôi yêu thích thời tiết áo len của người Hồi giáo của ban nhạc thay thế Nam California the lân cận. Tôi biết tôi đã tuyên bố điều này một số lần trong các cuộc thảo luận của tôi về một số bài hát trong danh sách này, nhưng tôi đã yêu nó ngay từ lần nghe. Bài hát tuyệt đẹp là từ album đầu tay I Love You, và ban đầu được phát hành vào tháng 3 năm 2012, nhưng đã không biểu đồ cho đến một năm sau đó. Nó đã dành 11 tuần ở vị trí số 1 trên bảng xếp hạng thay thế Billboard trong mùa hè năm 2013, và sau đó đạt vị trí thứ 14 trên Hot 100.
Words cannot adequately describe how much I love “Sweater Weather” by Southern California alternative band The Neighbourhood. I know I’ve stated this a number of times in my discussions of several songs on this list, but I fell in love with it at first listen. The gorgeous song is from their debut album I Love You, and was originally released in March 2012, but didn’t chart until a year later. It spent 11 weeks at #1 on the Billboard Alternative chart during the summer of 2013, and later peaked at #14 on the Hot 100.

Thời tiết áo len của người Viking là một bài hát tình yêu tuyệt vời với một giai điệu và sự sắp xếp độc đáo mà khá ngoạn mục, đặc biệt là nó là một trong những bài hát đầu tiên & NBSP; Khu phố từng viết. Bắt đầu với một tiếng trống sắc nét, nhanh chóng, ban nhạc lớp một bảng màu phong phú của các synths lấp lánh và những cây guitar gộp tuyệt đẹp để tạo ra một bối cảnh ngoạn mục, gần như thanh tao cho ca sĩ chính Jesse Rutherford, giọng hát gợi cảm. Tôi yêu giọng hát của anh ấy, điều đó thật tuyệt vời khi ghi lại sự nhiệt thành của một mối tình lãng mạn vừa chớm nở được thể hiện trong lời bài hát: Cô ấy biết những gì tôi nghĩ về BLOUSE / Just chúng tôi, bạn phát hiện ra / Không có gì mà tôi sẽ không muốn nói với bạn, không / 'vì nó quá lạnh đối với bạn ở đây / và bây giờ, vì vậy hãy để tôi nắm cả hai tay của bạn trong các lỗ của chiếc áo len của tôi. Hai phần ba vào đường đua, giai điệu và nhạc cụ đột ngột chuyển sang một cây guitar và bassline tuyệt đẹp, với Rutherford cooting, Woah, Woah, Woah / Woah, Woah, Woah, Woah Quá lạnh cho bạn ở đây / và bây giờ, vì vậy hãy để tôi nắm cả hai tay của bạn trong các lỗ của chiếc áo len của tôi. Nó hoàn hảo từ đầu đến cuối.

3. Thở ra - Hai mươi Øne Piløts2016 rõ ràng là năm của hai mươi Øne Piløts, vì bộ đôi này đã thấy sự nổi tiếng của họ tăng vọt với sự nổi tiếng của album Blurryface của họ, cũng như tour du lịch thế giới cảm xúc rất thành công của họ (mà tôi đã có được sự may mắn Xem và & NBSP; Viết về năm 2016). Căng thẳng ra ngoài là một trong nhiều bài hát xuất sắc trong album đó, và là bài hát yêu thích của tôi trong tất cả hai mươi bài hát Piløts. Đó là một bài hát rap-rock thay thế tuyệt vời về việc đối mặt với gánh nặng và trách nhiệm của tuổi trưởng thành trong khi khao khát sự đơn giản và an toàn của một tuổi thơ của một người khác Khi mẹ chúng tôi hát cho chúng tôi giấc ngủ, nhưng bây giờ chúng tôi đã căng thẳng. Bài hát cũng tham khảo album Tiêu đề của nhóm Blurryface, đây là bản ngã thay đổi của Tyler Joseph. Một lần nữa, Blurryface, đại diện cho sự nghi ngờ, nỗi sợ hãi và sự ghê tởm của anh ấy, được thể hiện trong lời bài hát của tôi tên của tôi, và tôi quan tâm đến những gì bạn nghĩ. Ngay lập tức, đã đạt được vị trí số 1 trên Billboard Hot Rock, Top 40, Top 40 dành cho người lớn và các bảng xếp hạng thay thế, nơi nó đã dành 12 tuần trên đỉnh. Nó đã dành 11 tuần #1 trên bảng xếp hạng hàng tuần của riêng tôi. & NBSP; video thú vị miêu tả Joseph và Dun khi cả hai trẻ em chơi và thanh niên vật lộn với sự khởi đầu của tuổi trưởng thành.
2016 was clearly the year of twenty øne piløts, as the duo saw their fame skyrocket with the popularity of their album Blurryface, as well as their enormously successful Emotional Roadshow World Tour (which I had the good fortune to see and write about in 2016). “Stressed Out” is one of the many outstanding tracks from that album, and is my favorite of all twenty øne piløts songs. It’s a brilliant alternative rap-rock song about facing the burdens and responsibility of adulthood while longing for the simplicity and safety of one’s childhood: “Wish we could turn back time, to the good old days. When our mama sang us to sleep, but now we’re stressed out.” The song also references the album’s title “Blurryface”, which is the alter-ego of Tyler Joseph. “Blurryface” represents his doubts, fears and self-loathing, expressed in the lyric “My name’s Blurryface, and I care what you think.” “Stressed Out” reached #1 on the Billboard Hot Rock Songs, Mainstream Top 40, Adult Top 40 and Alternative charts, where it spent 12 weeks on top. It spent 11 weeks #1 on my own weekly chart. The delightful video portrays Joseph and Dun as both children at play and young adults grappling with the onset of adulthood.

2 Hoàng tử đã trao giải thưởng trong hạng mục đó tại các buổi lễ tối hôm đó, và khi anh mở phong bì để công bố người chiến thắng, anh nói rằng tôi yêu bài hát này. Tôi cũng không chỉ giành được một giải Grammy, mà còn giành được ARIA (Hiệp hội Công nghiệp Ghi âm Úc) cho Single of the Year, và là một hit lớn trên toàn thế giới, bán được hơn 12 triệu bản và đạt #1 tại Hoa Kỳ, Vương quốc Anh , Úc và 23 quốc gia khác. Nó được đặt tên là bài hát số 1 của năm 2012 trên bảng xếp hạng Billboard Hot 100, người lớn và các bảng xếp hạng thay thế.
I still vividly remember the night in 2013 when “Somebody That I Used to Know” by Gotye featuring Kimbra won the Grammy award for Record of the Year. Prince was presenting the award in that category at the ceremonies that night, and as he opened the envelope to announce the winner, he said “I love this song.” So do I. Not only did it win a Grammy, it also won the ARIA (Australian Recording Industry Association) for Single of the Year, and was a massive worldwide hit, selling over 12 million copies and reaching #1 in the U.S., UK, Australia and 23 other countries. It was named the #1 song of 2012 on the Billboard Hot 100, Adult Pop and Alternative charts.

Gotye (sinh ra Wouter Hồi Wally, người ủng hộ ở Bỉ, và hiện có trụ sở tại Melbourne, Australia) là một ca sĩ kiêm nhạc sĩ và nghệ sĩ đa nhạc cụ, người đã thu âm là một nghệ sĩ solo vừa với ban nhạc The Basics. Kimbra là một ca sĩ đến từ New Zealand. Một người nào đó mà tôi từng biết là lần đầu tiên được phát hành tại Úc và New Zealand vào tháng 7 năm 2011 với tư cách là đĩa đơn thứ hai từ album phòng thu thứ ba của Gotye, và sau đó được phát hành vào tháng 12 ở Anh và vào tháng 1 năm 2012 tại Hoa Kỳ Sự tan vỡ cay đắng của một mối quan hệ từ quan điểm của cả hai bên: Nhưng bạn không cần phải cắt đứt tôi / làm cho nó chưa bao giờ xảy ra và chúng tôi chẳng là gì / và tôi thậm chí không cần tình yêu của bạn / nhưng bạn đối xử với tôi giống như một người lạ và cảm giác thật thô bạo / không bạn không cần phải cúi xuống quá thấp / để bạn bè của bạn thu thập hồ sơ của bạn và sau đó thay đổi số của bạn / Tôi đoán rằng tôi không cần điều đó mặc dù / bây giờ bạn chỉ là ai đó mà tôi đã từng biết. ”

Về mặt thực tế, nó lấy mẫu đoạn riff guitar mở đầu từ nhà soạn nhạc và tay guitar người Brazil Luiz Bonfa, bài hát nhạc cụ của Seville, và xây dựng từ đó với những synths ma quái và một loạt các nhịp đập mê hoặc. Một trong những tính năng đáng chú ý là việc sử dụng xylophone mang đến cho bài hát một sự rung cảm hấp dẫn, gần như kỳ lạ. Nhiều nhà phê bình âm nhạc đã lưu ý sự tương đồng giữa bài hát và các tác phẩm của Sting, Peter Gabriel và Bon Iver. & NBSP; Jon O hèBrien của Allmusic gọi nó là một bài hát chia tay kỳ quặc với nhịp điệu nói lắp, hook reggae và giọng hát im lặng nghe giống như cảnh sát được phối lại bởi xx. (Wikipedia) Đối với tôi, tôi nhớ bị chết lặng khi nghe nó lần đầu tiên, tự hỏi bài hát đó là gì!? Nó là một kiệt tác.

Sau đó, có một video tuyệt vời, được đạo diễn bởi nghệ sĩ người Úc Natasha Pincus. Nó cho thấy Gotye hát bài hát trong khi đứng trần truồng trên phông nền trung lập. Khi anh ấy hát, cơ thể anh ấy và phông nền dần dần bị bao phủ bởi sơn để anh ấy dường như là một phần của một bức tranh. Tôi thực sự là danh tính của anh ấy đang bị môi trường xung quanh nuốt chửng. Máy ảnh cuối cùng đã bao gồm Kimbra, người sau đó hát phản hồi của cô với Gotye. Khi video gần kết thúc, sơn bắt đầu biến mất khỏi cơ thể Kimbra, biểu thị sự trốn thoát của cô khỏi những gì còn lại trong mối quan hệ của họ.

1 Nó cũng do thực tế rằng Adele là một trong những giọng ca nữ vĩ đại nhất trong thời đại chúng ta, và đó là một bài hát phi thường. Nó đã được ghi chép rõ ràng mà Adele đã hình dung và đã viết nhiều bài hát trong album thứ hai địa chấn 21 của cô sau một cuộc chia tay đau đớn với bạn trai lúc đó của cô. Cô đã bắt đầu viết và thu âm các bài hát cho album trong khi vẫn ở bên anh, nhưng dường như không thể tìm thấy nhiều cảm hứng. Sau đó, một ngày sau khi chia tay, Adele đã liên lạc với nhà sản xuất Paul Epworth (người đồng sáng tác và sản xuất các bài hát cho Foster The People, Florence + The Machine, Mumford & Sons, Bloc Party & Coldplay, trong số những người khác), muốn bắt giữ cô ấy cảm xúc sôi sục trong một bài hát. Cô ấy nói với tờ báo London The Sunday Times: Hồi Chúng tôi đã có một cuộc tranh cãi bốc khói vào đêm trước khi tôi bị sủi bọt. Sau đó, tôi đi vào phòng thu và hét lên. Cô và Epworth đã tái cấu trúc một bài hát mà cô ấy đã làm việc, viết lại lời bài hát và đổi tên nó ra trong Deep Deep. & nbsp; giai điệu và nhạc cụ phát triển khi họ đi cùng. Sau khi thử các đoạn riff jazz khác nhau, Adele đã hát câu thơ đầu tiên có một ngọn lửa, bắt đầu từ trái tim tôi, đến một cơn sốt và nó đưa tôi ra khỏi bóng tối, một cappella, sau đó đã truyền cảm hứng cho Epworth xuất hiện một giai điệu trên âm thanh của anh ấy đàn ghi ta. Họ đã đưa ra nhịp trống mạnh mẽ để bắt chước nhịp tim đua của cô ấy. (Wikipedia)
It’s fitting that Adele would have my #1 song of the 2010s, as her song “Chasing Pavements” was my #100 song of the 2000s. It’s also owing to the fact that Adele is one of the greatest female vocalists of our time, and that “Rolling in the Deep” is a fucking phenomenal song. It’s been well-documented that Adele conceived of and wrote many of the songs on her seismic second album 21 after a painful breakup with her then-boyfriend. She had begun writing and recording songs for the album while still with him, but couldn’t seem to find much inspiration. Then, the day after her break-up, Adele contacted producer Paul Epworth (who’s co-written and produced songs for Foster the People, Florence + the Machine, Mumford & Sons, Bloc Party & Coldplay, among others), wanting to capture her seething emotions in a song. She told London newspaper The Sunday Times: “We’d had a fuming argument the night before … I’d been bubbling. Then I went into the studio and screamed.” She and Epworth restructured a song she’d been working on, rewriting the lyrics and renaming it “Rolling in the Deep”.  The melody and instrumentation evolved as they went along. After trying out various jazz riffs, Adele sang the first verse “There’s a fire, starting in my heart, reaching a fever pitch and it’s bringing me out the dark” a cappella, which then inspired Epworth to come up with a melody on his acoustic guitar. They came up with the strong thumping drum beat to mimic her racing heartbeat.(Wikipedia)

Khi bài hát mở ra, cảm xúc của Adele, như đã nói qua lời bài hát, chạy gam từ tức giận: Hãy đi trước và bán cho tôi và tôi sẽ đặt cái chết tiệt của bạn Những điều mà tôi sẽ làm, để thách thức: Em bé, tôi không có câu chuyện nào được kể / Nhưng tôi đã nghe thấy một câu chuyện trên bạn và tôi sẽ làm cho đầu của bạn bị bỏng / nghĩ về tôi trong sâu thẳm của sự tuyệt vọng của bạn / Làm một ngôi nhà ở dưới đó vì tôi chắc chắn sẽ không được chia sẻ, để đăm chiêu: Chúng tôi có thể có tất cả / lăn ở sâu / bạn có trái tim tôi trong bàn tay của bạn / Nhưng bạn đã chơi nó. Bạn đã chơi nó, bạn đã chơi nó, bạn đã chơi nó theo nhịp.

Đoạn video tối tăm và khá siêu thực, do Sam Brown đạo diễn, cho thấy Adele ngồi trên ghế trong một ngôi nhà bị bỏ hoang. Các cảnh cho thấy một căn phòng chứa đầy hàng trăm chiếc kính đầy nước rung lên theo nhịp, một tay trống chơi trống của anh ta dưới cầu thang, một nhân vật ma quái nhảy múa về một căn phòng đá lên bụi trắng, trong khi ở một căn phòng khác, Trắng Trung Quốc bị ném vào chống lại Một mảnh gỗ dán được chiếu sáng lơ lửng trên trần nhà. Cuối cùng, một mô hình màu trắng của một thành phố trên một chiếc bàn lớn được đặt từ năm bóng đèn bùng nổ, tất cả đều có vẻ biểu thị một mối quan hệ mà Lôi đã đi lên trong ngọn lửa.

Ở đây, danh sách phát Spotify của tôi: